Nous tous : la collectivité défie l’hyper-individualité au Festival STRP
Le festival STRP (prononcer « Strype ») s’est ouvert dans le quartier Strijp-S d’Eindhoven, aux Pays-Bas, du 2 au 6 juin. Makery s’est entretenu avec le directeur du festival, Ton Van Gool, le premier jour du festival.
Avec le thème « All Of Us » sur la collectivité STRP présente 14 nouvelles commandes d’artistes tels que Laurence Lek, l’avatar et artiste LaTurbo Avedon, Disnovation.org (lire leur récent entretien dans Makery) et Danielle Braithwaite-Shirley (dont Makery a décrit le travail dans « Attention Reproducers! » à la Science Gallery London) et Liam Young, dont « Camouflage’ Choreography » imagine un moyen pour les manifestants de Hong Kong d’échapper aux caméras chinoises de reconnaissance.
Rob La Frenais : Pouvez-vous mettre en contexte l’histoire du STRP Festival et son emplacement à Eindhoven ? Vous avez mentionné que l’usine Philips était très présente dans la ville avant sa fermeture et qu’elle est maintenant le lieu du STRP. Comment cela s’est-il produit ?
Ton Van Gool : Eindhoven était une série de petits quartiers jusqu’à ce que Philips y installe sa société en 1891. Eindhoven a toujours été une ville à deux entreprises : DAF (Automobiles) et Philips. Philips était le principal employeur mais s’occupait également des soins de santé, des parcs, des clubs sportifs, des bourses d’études, des coopératives, des logements. Les hauts et les bas de Philips ont donc toujours eu une résonance très profonde dans la ville. Lorsque Philips a frôlé la faillite en 1990, toute la ville a souffert. La production de matériel Philips (radios, téléviseurs) s’est déplacée en Asie et de nombreuses usines sont devenues inutiles. La ville d’Eindhoven a racheté les anciennes usines Philips et c’est ainsi qu’Eindhoven a commencé à se réinventer. Strijp-S est devenu un nouveau cœur de la ville et un haut lieu des industries créatives. STRP a été l’un des pionniers de Strijp-S et notre mission initiale était de rendre visible la combinaison fascinante de l’art, du design et de la technologie.
Au début des années 2000, la Hollande a vu le financement de la culture passer de la pratique des arts visuels aux industries créatives. Était-ce une bonne ou une mauvaise chose ?
Grâce à Philips, Eindhoven a toujours eu une grande communauté de designers. Philips Design était également établi ici et ils concevaient des produits et des campagnes. La célèbre Design Academy était la suite de la propre école de Philips pour les designers. Je suis toujours un peu agacé lorsque les mots « industries créatives » apparaissent. C’est tout et rien à la fois. Je pense que c’est une bonne chose que les rideaux du monde de l’art se soient un peu plus ouverts. Et bien sûr, il y a des projets et des œuvres de design très intéressants qui sont réalisés. Il y a de superbes photographies un peu partout et de magnifiques projets transdisciplinaires. Mais l’idée que le design est la clé de tous les défis et problèmes est un peu grotesque.
Vous dites que vous avez eu jusqu’à 20 passages du direct au virtuel. Au final, le STRP est maintenant un festival entièrement virtuel. Comment allez-vous le faire évoluer vers une version mixte à l’avenir ?
Nous planifions déjà le STRP 2022, qui sera une édition mixte. Il y aura une exposition sur place et un vaste programme en ligne. Nous aurons des spectacles de musique en direct et numérique. Nous pensons que nous trouverons un bon équilibre entre l’exposition sur place et le programme en ligne.
J’ai remarqué que vous utilisiez la plateforme Ohyay dans les salles de réunion Hmmmeeting, où l’on évite la Zoom fatigue, au lieu de plateformes plus conventionnelles. Comment cela s’est-il produit et comment cela fonctionne-t-il ? C’est génial de s’éloigner du format rectangulaire standard en tout cas..
Les concepteurs des bars (The Hmm) utilisent Ohyay. L’œuvre de Post-Neon (Age of Collectivity) est présentée sur Twitch. C’est formidable que les artistes choisissent la plateforme qui correspond le mieux à leur travail et à leurs intentions.
Vous parlez de la collectivité comme d’un défi à l’hyper-individualité… Vous demandez « Que pouvons-nous apprendre de la collectivité des organismes, des volées d’oiseaux et des cellules ? » Comment cela s’accorde-t-il avec la notion plus ancienne de l’artiste comme individu créatif hermétique ? Ce concept est plus adapté à la communauté des créateurs que nous représentons, mais cette approche ne nie-t-elle pas la créativité individuelle ?
Nous sommes tout à fait d’accord avec l’art pour l’art et les artistes qui travaillent dans leurs grottes. Mais nous sommes un festival et une organisation qui s’adresse au public et nous sélectionnons donc des artistes et des œuvres d’art qui parviennent à communiquer et à interagir avec le monde d’aujourd’hui. La créativité individuelle est belle et positive, mais pour établir une connexion profonde avec les autres (humains, non-humains, autres intelligences, microbes, nature en général), il est nécessaire de trouver un nouvel équilibre entre nous tous.
Les bots jouent un rôle important dans ce festival. Pouvez-vous m’en dire plus sur les bots de visite virtuelle et sur la façon dont ils se sont développés, et peut-être développer sur la performance de Tega Brain et Sam Lavigne « Synthetic Messenger » (un botnet qui gonfle artificiellement la valeur des informations sur le climat.)
Pour les expositions physiques, nous avons toujours eu des guides physiques, surtout pour les étudiants, il est très important qu’ils aient une brève introduction aux œuvres et qu’ils puissent poser des questions. Pour nous, il était logique d’avoir un guide virtuel dans une exposition virtuelle. Nous sommes très heureux du résultat et nous réalisons que le robot pourrait être beaucoup plus intelligent. Tega et Sam ont suggéré ce travail en pensant à la collectivité. En décrivant le travail, ils ont dit : « Comment pouvons-nous, représentés par des bots, influencer les informations sur le changement climatique ? Les bots sont connectés à des personnes réelles ; nous leur avons donné nos mains et nos voix. Nous avons téléchargé des mp4 de nos mains et aussi des mp3 de nos voix ».
Comment s’est déroulée la performance téléphonique « Distant Thoughts » ; (une série d’interactions entre deux personnes au téléphone) lors de la soirée d’ouverture ? Y aura-t-il une sorte d’enregistrement sonore des interactions ?
Cela s’est très bien passé ! Les réactions générales ont été les suivantes : au début, c’était un peu effrayant d’avoir une conversation intime avec quelqu’un que l’on ne connaît pas, mais c’était vraiment enrichissant et je me suis senti totalement connecté avec cette personne que je n’ai jamais rencontrée. Il n’y aura pas d’enregistrement sonore car nous avons promis la préservation de la vie privée aux participants.
Je comprends, mais n’y avait-il aucun témoin ? Il semble étrange qu’une représentation de la soirée d’ouverture ne soit vue que par deux personnes, mais peut-être que je ne comprends pas.
55 duos ont participé au spectacle d’ouverture. Il s’agissait donc d’une performance avec 110 participants. Les duos ont été jumelés par un ordinateur.
J’ai apprécié les séquences de danse extraites de YouTube dans « Universal Tongue » d’Anouk Kruithof. Pouvez-vous me raconter l’histoire qui se cache derrière ?/strong>
Le mieux est de laisser l’artiste s’exprimer à ce sujet : « Savez-vous que 300 heures de vidéos de danse sont téléchargées sur YouTube chaque minute ? Flashmobs, gangnam style ou moonwalk, au fil des ans, plusieurs styles de danse typiques sont devenus des gimmicks sur internet. Anouk Kruithof s’est plongée dans ces fascinantes collections de mouvements. La danse est l’une des choses que les humains partagent par-delà les cultures, les géographies et le temps – nous aimons danser, et quand nous le faisons, le mieux est que nous n’avons pas besoin de comprendre pourquoi. La danse a un sens sans autre explication ; nous la faisons, tout simplement. Elle permet d’en savoir plus sur la diversité et l’identité, sur la manière dont elles sont produites et reproduites dans la culture, le genre et l’histoire. L’acte de danser exprime la joie, la douleur, l’amour, le désir, la tristesse, l’énergie, la possibilité et la liberté. C’est un outil qui permet de se transformer en états altérés, d’échapper au présent, ou au contraire, un outil qui permet de s’accorder et de se connecter aux gens, de trouver l’intimité et l’attention. »
Y a-t-il d’autres œuvres d’art que vous considérez comme une percée dans le secteur ?
« Une percée dans le secteur » est une grande chose/promesse et je ne sais pas si nous l’avons réalisée. Je dirais plutôt que nous (pensons) avoir réussi à créer une exposition d’art en ligne qui a totalement du sens. Nous avons utilisé les possibilités et les avantages de la technologie et d’une plateforme en ligne pour présenter une exposition d’art. Mais la décision finale de savoir si nous avons réussi revient au public, aux artistes et à la presse.
Quelles leçons tirez-vous de l’édition 2021 qui vous servirons pour 2022 ? Est-ce que tout a fonctionné ou y a-t-il eu des pépins ? Il s’agit d’un nouveau format pour nous tous.
Nous n’avons pas encore procédé à une véritable évaluation, car nous sommes au milieu du festival. Une chose que nous avons conclue est que c’était une bonne décision de vendre des tickets (10 €) pour participer au festival et de ne pas en faire un festival gratuit. Bien sûr, nous avons moins de visiteurs que les festivals gratuits, mais nous savons déjà que les visiteurs du STRP restent beaucoup plus longtemps au spectacle que les « passants » des festivals gratuits. La qualité de la visite est bien plus importante que la quantité. Bien sûr, il y a eu quelques problèmes dans certaines œuvres au début, mais rien qui ne puisse être corrigé facilement. Les éditions du STRP Scenario sont en direct. Nous avons construit ce petit studio dans un centre commercial et nous ne pouvons pas tout contrôler. Hier, par exemple, il y a eu une inondation en raison de fortes pluies et le système d’alarme du magasin que nous utilisons s’est soudainement déclenché. Mais nous aimons ces interactions spontanées, nous n’avons pas l’ambition d’être un studio de télévision professionnel.
À ce sujet, j’ai remarqué qu’il y a très peu d’informations sur les projets des artistes sur le site web, sauf si vous achetez un billet. Je comprends qu’il s’agit de monétiser les festivals en ligne, mais n’est-ce pas un peu comme acheter un billet pour un concert de musique sans savoir qui est le groupe ou l’artiste ?
Notre principal public cible est celui des générations Y et Z. Ces visiteurs se concentrent sur les images et non sur les mots. Nous avons effectué des tests auprès de groupes cibles et les membres du groupe nous ont dit qu’ils ne lisaient pas les textes longs. Si un texte est trop long, ils ne commencent même pas à le lire. Nous avons donc décidé d’utiliser des textes courts et de faire en sorte qu’ils soient déclenchés par les images. Les membres du groupe de discussion nous ont également dit qu’ils pouvaient facilement trouver des informations supplémentaires sur Internet s’ils le souhaitaient.
Comment allez-vous, dans les prochains jours, réintroduire des actions en direct dans la rue, une fois que la Hollande aura ouvert son secteur culturel ce week-end ? Par exemple Iman Person L’œuvre « New Air » de Iman Person semble être spécifiquement destinée à l’extérieur. Comment cela sera-t-il réalisé ici ?
Nous disposons d’un petit espace d’exposition pop-up dans un centre commercial du centre-ville. Un maximum de 8 personnes peuvent entrer et parcourir l’exposition en ligne sur un grand écran. Il y a toujours un guide physique pour vous aider et vous présenter les œuvres. Nous sommes donc présents dans l’espace public, de manière modeste. Le travail initial d’Iman pour le GEST était une installation composée de vidéos, de sculptures et de sons. Comme nous ne pouvions pas réaliser cette œuvre sur place, nous avons décidé de changer la commande en une œuvre en ligne, à savoir ces deux vidéos qu’elle a réalisées, il y a tout juste quatre semaines.
Comment le dernier festival s’est-il développé à partir du thème de l’année dernière, qui semble très influencé par « Thank Virus For Symbiosis » de Timothy Morton ?
Pour chaque édition, nous choisissons un thème, ou plutôt un centre d’intérêt ou une intrigue. Chaque festival est un chapitre de notre histoire à long terme. La collectivité est bien plus facile à comprendre que « Scénarios pour le post-Anthropocène ». Pour 2022, le thème est « An End To Infinity », il s’agit de la post-croissance et de la vie éternelle dans un monde numérique.