Science Gallery London: Attention Reproducers!

'Once U Care, You're Future', Laura Yuile, 2019. © Rebecca Lennon, courtesy of Birth Rites Collection.
Rob La Frenais

The new exhibition at London’s Science Gallery, « Genders – Shaping and Breaking the Binary », curated by Helen Kaplinsky, “considers gender in relation to fashion, reproductive technologies, gaming and changing ecologies”. In doing so, it manages to at least partially break out of the science communication ghetto in relation to visual art and media, as typified by, say, the Wellcome Collection, also in London.

It’s twisted, a bit slimy and reasonably transgressive, but still tries to attract the scientists out there in the labs at Kings College London and has in-house scientific advisers such as developmental neurobiologist Clemens Keiker who “studies how the brain forms as an embryo emerges, and how this process is directed by instructions in our genetic code”. Indeed in ‘on being allergic to onions,…we read Susan Leigh Star’ by Nina Wakeford, referencing the feminist science of Star and Haraway, the drag king H.P. Loveshaft, taking on the role of a a deranged physicist, teases the potential audience by thanking the scientists from Kings for taking valuable research time out of their labs to see the exhibition.

Announcements like “Attention Reproducers!” “Be fruitful and multiply” boom out in the lobby of a hospital or science facility as cleaners with vast ‘baby mops’ – cleaning equipment bearing a mountain of infant dolls – sweep the floor with babies literally and endlessly, only pausing to check their phones. Laura Yuile’s film ‘Once U Care, You’re Future’ considers “the never-ending feminine labour of child-rearing and cleaning” and ‘questions our drive for biological reproduction and technological innovation…”

According to Wikipedia, “Twerking like many cultural traditions or expressive dances associated with marginalised groups has become stigmatised in racialised and gendered ways that often associates those who perform the dance—primarily girls and women of colour—with deviant behaviour.” The 90’s dance craze, originating from New Orleans ‘bounce’ music has been re-appropriated by artist Fannie Sosa and film-maker Marilou Poncin in ‘Cosmic Ass’. Turning twerking into a life-giving form of new-age style yoga excercise, using fake backdrops of waterfalls and the Milky Way, Fannie Sosa twerks and thrusts her way through a narrative that includes other forms like hula and belly dancing and fertility rituals in Africa and other places. She concludes with the potential for this movement to actually prevent reproduction, the twerk (a combination of twist and work) preventing the fertilised egg from nesting in the uterus. Who knew?

New forms of reproduction are featured in the new work-in-progress by Shu Lea Cheang, who represented Taiwan in the last Venice Biennale, and Makery’s Ewen Chardronnet, in UNBORNOX9 – Future Baby Production. This will culminate in a performance in April in collaboration with echOpen living lab, who are developing an open-source ultrasound echo-stethoscope for smartphone, centering around three artificial wombs, hacking an audiovisual and ultrasonic score interpreted by performers and musicians. Inspired by Huxley’s ‘Brave New World’ “depicting a world where babies are made in test tubes, where the word ‘parent’ has become obscene and banned since the appearance of ectogenesis has put an end to ‘viviparous reproduction’ this new body of work tales as its inspiration recent development in artificial wombs,’biobags’, ‘fetal phantoms’ and explores the new bio-politics taking place around reproduction outside women’s bodies since the invention (by the military) of ultrasound technology to intervene in the process of pregnancy.

Slime starts with the work of Mary Maggic, in ‘Milik Bersama Tekombinan (Recombinant Commons), created in Indonesia, a “rotating mandala projection comprised of trash found in the river, symbolising the constant recombination of plastic particles inside our own bodies, and a sculpture with blue agar “that invites microbial contamination juxtaposed against contained samples of bio-remediating fungi.” It continues with the slick and slimy imagery of ‘Skin Flick (Invasive Species) a rather yucky portrayal of bodies “absorbing and interacting with chemicals such as beauty products, drugs, supplements and organic material” Inspired by research into the non-human desires of fungi and marine invertebrates they “cast new eyes on human appetites and behaviours”.

Finally Danielle Brathwaite-Shirley’s WE ARE HERE BECAUSE OF THOSE THAT ARE NOT, forbids entrance to the installation those who deny the existence of black trans people. If one chooses to enter after these admonitions, one is seated in a vibrating throne, where various challenges are issued and options to help resurrect black trans ancestors in the form of three large coloured buttons labelled 1, 2 and 3. First you are challenged to state your preference. I can’t lie to an art installation, so I chose with some trepidation the option CIS gender, which meant that I identify with the gender assigned by me at birth. To this the game’s speakers boomed that I have systematically “buried the lives of black trans ancestors”, but I could make good in this game “resurrecting black trans ancestors who can share hidden knowledge”.

Other works included Nigerian Yoruba artist Rotimi Fani Kayode’s cross-dressing photographs an gilded phalluses similar to the long-nosed Venetian masks used by doctors during the plague, as well as a number of projects, special events and games and performances investigating tools and technologies to navigate genders. I found this a thought-proving exhibition in terms of the way the artists challenged our notions about gender, if rather over-mediated, as these science-based exhibitions tend to be. I can’t quite believe that if I “ask a Gallery Mediator how I can contribute to ongoing live research here” (as stated in the guide) that this will seriously contribute to the exhibition, but I could be wrong. The video works, coming as they did from the Birth Rites Collection, curated by Helen Knowles, were particularly strong. I look forward to returning for the performances in April.

Visit « Genders, Shaping and Breaking the Binary » at Science Gallery London until June 28, 2020.

Berlin : Entretien avec Tad Ermitaño au MusicMakers HackLab du festival Club Transmediale 2020

Final du MusicMakers HackLab de Club Transmediale 2020 à la radialsystem Halle. © Udo Siegfriedt / CTM 2020

Le festival Club Transmediale est l’un des événements majeurs européens explorant les dernières tendances en musique, arts intermédias et contemporains en une seule programmation. Le thème de cette année était la « Liminalité » et le festival berlinois proposait à nouveau un hacklab de music makers. Makery a rencontré Tad Ermitaño, l’un des deux curateurs invités du lab.

Dare Pejić

Berlin, envoyé spécial,

Après 21 années d’existence le festival CTM et son MusicMakers HackLab reconnectent nouvelles lutheries, makers musiciens, artistes et performeurs. Pour l’édition de cette année, le lab focalisait sur le Sud Est Asiatique. Peter Kirn et Tad Ermitaño accueillaient 22 participants pour l’édition 2020 du HackLab et présentaient le résultat de l’atelier le dernier jour du festival CTM. Le festival, en collaboration avec le Festival Transmediale, invitaient par ailleurs 300 participants venant de 30 pays, des makers sonores, musiciens et performeurs du monde entier. A l’issu du final du MusicMakers Hacklab, Makery a rencontré Tad Ermitaño, un acteur clé des nouveaux médias des Philippines et de l’Asie du Sud Est, pour avoir son impression à chaud de ce lab collaboratif d’une semaine.

Tad Ermitaño (à droite) et Peter Kirn (à gauche) durant le final du MusicMakers HackLab à la radialsystem Halle. © Udo Siegfriedt / CTM 2020
Le final du MusicMakers HackLab. © Udo Siegfriedt / CTM 2020

Comment avez-vous rencontré Peter Kirn et quand avez-vous commencé à collaborer ?

Il y a à peu près un an, ou même plus, vers 2017 je dirai, une délégation de CTM est venue visiter les Philippines. Ils sont venus échanger et se familiariser avec la scène et la communauté. Ils ont organisé une réunion et j’y ai été invité. J’ai donc rencontré CTM, sans savoir ce que c’était ou qui ils étaient. J’ai rencontré Jan Rohlf [le directeur artistique de CTM, ndlr] et sa femme Eunice dans un restaurant à Makati. Je pense qu’ils avaient lu ou entendu parler de l’agitation de la scène d’Asie du Sud Est et étaient au fait du livre de Cedrik Fermont, Not Your World Music: Noise in South East Asia. Visiblement ils visitaient l’Asie du Sud Est pour cette raison et c’est dans ce contexte que j’ai eu l’occasion de les rencontrer. Quelques mois plus tard, durant la mise en place du festival Nusasonic de Yogyakarta, ils se sont retrouvés en relation avec Tengal Drillon, le directeur du WSK, le Festival of the Recently Possible de Manille. Ce festival est un partenaire du Nusasonic et Tengal m’a informé qu’ils organisaient le Nusasonic Festival à Yogyakarata et m’a recommandé comme hack laber et c’est comme cela que j’ai rencontré Peter Kirn pour la première fois. La fois suivante, lorsqu’ils l’ont organisé à Manille, ils y prévoyaient un hack lab et là ils m’ont dit « Puisque tu as été participant, pourquoi tu ne pourrais pas être mentor cette fois ? » J’ai donc porté le hack lab de Manille avec Peter l’année dernière et ensuite ils m’ont dit, « Viens à Berlin maintenant ». Cela s’est donc passé assez vite.

Quel est votre expérience avec les hack labs, en particulier dans le contexte philippin ? Comment le format hack lab influence votre travail ?

Eh bien, je ne dirai pas qu’il y a quelque chose de vraiment formel à propos du hack lab en tant que hack lab. Je connais mieux les makers spaces et il n’y en a pas vraiment aux Philippines. D’après mon expérience, il n’y a pas d’espace où un tas d’égaux partagent le loyer et où ils mettent un espace de travail commun. C’est vraiment plus un cas où un mécène est impliqué et offre un espace libre chez lui. Et il l’ouvre pour aider ses amis, alors les gens commencent à travailler là. C’est la manière dont la House of Natural Fibre (HONF) à Yogyakarta travaille, ou comment l’espace Terminal Garden de Tengal et Green Papaya peuvent le faire. Donc j’imagine que ce ne sont pas des makers spaces mais plutôt des free spaces. Quelqu’un qui a une idée peut venir là, ou si quelqu’un sur place veut coder quelque chose de nouveau il peut lancer un groupe d’étude. C’est très informel. A ma connaissance, il n’y a pas d’institutions, de clubs ou des choses de ce type, dont le making serait l’activité affichée.

Le final du MusicMakers Hacklab © Eunice Maurice / CTM 2020

Quelle impression tirez-vous des deux événements, celui de Manille et celui de Berlin ?

Laissez moi réfléchir… Il fait bien plus froid ici (rires). C’est dur de mettre des mots là-dessus. Je dois dire que si Berlin est une ville assez sauvage, elle l’est moins que Manille.

Dans quel sens ?

Il y a plus de danger. Les choses sont beaucoup plus limites. Il existe des endroits où vous pourriez être agressés et vous retrouvez dans une altercation juste parce que vous avez dit la chose qu’il ne fallait pas. C’est un endroit moins sûr. Et bien sûr, il y a des assassinats et du trafic qui échappent à la justice. Tout cela met les gens en difficulté. Bien que les Philippins soient faciles et accueillants, ils ont tendance à être soumis à beaucoup de pression. Je pense que cela se manifeste dans la sensibilité qu’ont les gens. Ils sont plus susceptibles de faire une création sur quelque chose qui les dérange ou de faire des blagues à ce sujet. Il nous est facile de penser à une création où il y aurait des images de sang dans les rues. Des choses comme ça ne viennent pas spontanément aux hackers ici.

Et l’approche du son et de la musique ?

Je dirais qu’il y a beaucoup en commun. Aux Philippines, l’approche est bien plus low-tech. Il y a plus de gens qui s’intéressent aux questions psychiques. Donc, pas nécessairement à coder des trucs, mais plus à faire des choses comme brancher un moteur à un amplificateur afin de simplement l’utiliser de manière incorrecte. Cela signifie également utiliser du voltage, aussi élevé que possible, comme source sonore. C’est vraiment plus comme une expérience scientifique. Ici, selon mon expérience, l’approche consiste à tordre des données plutôt que des objets physiques. C’est une généralisation très large cela dit.

Le sujet « Liminalité » était défini par CTM. Nous avons compris la chose dans l’esprit du métamorphe, du changeur de forme. À Manille, personne ne sait ce que signifie la liminalité diabolique. C’est comme un mot postmoderne. La liminalité peut se résumer à l’idée de se déplacer entre les mondes, comme dans le chamanisme, et beaucoup de légendes sur les monstres, les démonistes, les sorcières… C’est une sorte de capacité archétypale, un peu comme le chaman qui est un adepte de l’espace liminal et c’est là qu’intervient la notion de métamorphe. C’est de là que vient l’idée des masques qui pourraient vous donner accès à différentes réalités. C’est à cela que nous pensions en quelque sorte.

La performance impliquait de nombreux masques.

Oui, en fait l’Anglais, Thomas Meyer, fabrique des masques. Il a animé un atelier de masques et tout le monde a commencé à les fabriquer. Il parlait de la façon dont vous ressentez le masque, de ce qu’il veut dire et du type de personnalité qu’il semble incarner. C’est pourquoi les participants en ont été ravis et l’ont intégré naturellement dans les performances.

© Eunice Maurice / CTM 2020
© Eunice Maurice / CTM 2020

Continuerez-vous le travail sous la forme hack lab ?

Cela m’intéresserait de poursuivre. Je ne le ferais pas de ma propre initiative. Je suis assez solitaire par instinct. Je suis très heureux de surfer les vagues et les structures que CTM et Peter ont assemblées, mais je doute que je puisse mettre la même chose en place à Manille. C’est beaucoup de travail, chercher des fonds et je déteste ça.

Suivez Tad Ermitaño sur Twitter.

En savoir plus sur le MusicMakers HackLab de Club Transmediale.

Bertrand Piccard présente les solutions Solar Impulse au Grand Palais

Bertrand Piccard remet le label Solar Impulse à Boyan Slat de Ocean CleanUp. © Bertrand Piccard

Du 30 janvier au 1er février le Grand Palais accueillait Change Now, «l’exposition universelle des solutions pour la planète». Plus de 28000 participants pour prendre connaissance des 1000 solutions présentes sur l’événement. Makery est allé à la rencontre de Bertrand Piccard, l’aéronaute des records autour de la planète avec le ballon Breitling Orbiter et le planeur solaire Solar Impulse, pour qu’il nous parle de sa fondation.

Cécile Ravaux

Rencontrer Bertrand Piccard, l’aéronaute « savanturier » comme il se présente lui-même, le recordman défenseur des énergies propres et petit fils du célèbre aéronaute et océanaute pionnier Auguste Piccard, inspire forcément le respect. Auguste, Jacques, Bertrand, c’est une famille suisse où l’on invente et explore depuis trois générations, chacun à sa façon… De la conquête de la stratosphère aux abysses, ils ont imaginé des engins révolutionnaires qui ont accompli ce que personne avant eux n’avait cru possible, sauf peut-être Jules Verne… Sensible à la transition énergétique et la Recherche & Développement sur ce sujet, Bertrand Piccard a marqué ces dernières années la planète en réalisant le premier tour du monde en avion solaire, le Solar Impulse.

Le planeur solaire Solar Impulse :

Un label certifiant qui s’appuie sur la notoriété de Bertrand Piccard

Ne s’arrêtant pas là, et moins de quatre mois après la fin du premier tour du monde de 18 mois en avion solaire, réalisé avec André Borschberg, Bertand Piccard lançait en novembre 2016 à la COP22 de Marrakech une « Alliance mondiale pour les technologies propres ». En juin 2017, le projet se renommait « Alliance mondiale des solutions efficientes » quand le groupe Engie annonçait rejoindre l’initiative à l’occasion du salon Viva Technology à Paris. L’objectif visé alors : présenter aux décideurs politiques « 1 000 solutions rentables pour protéger l’environnement » lors de la COP24 de Katowice en 2018 dans l’objectif de contribuer au plan mondial d’action pour le climat.

L’ambition globale de l’Alliance est toujours aujourd’hui de promouvoir et de présenter aux décideurs politiques des solutions en matière de santé et d’environnement, d’améliorer la qualité de vie, mais aussi de combler le fossé entre écologie et économie. Pour cela l’initiative a mis en place le label « Solar Impulse Efficient Solution ». Trois ans plus tard, plus de 1200 solutions sont identifiées et près de 400 labellisées aujourd’hui.

Lors de Change Now, la Fondation Solar Impulse a annoncé 40 nouvelles technologies identifiées et labellisées. A cette occasion, le néerlandais Boyan Slat, CEO et fondateur de Ocean Cleanup a reçu également la labellisation « Efficient Solution » de Solar Impulse des mains de Piccard lui-même. Ocean Cleanup vise à nettoyer les rivières et les océans et notamment le vortex de déchets du Pacifique Nord.

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Retour sur @changenow_summit où j’ai pu rencontré un jeune brillant et très sympa @boyanslat ! Il a créé la barrière pouvant récupérer le plastique flottant Pacifique pour ainsi le nettoyer. Grâce à cette invention, @theoceancleanup s’est vu décerné le label @solarimpulse, valorisant les technologies efficientes et rentables pour la protection de l’environnement 👍👏🌍 #heroesofchange #greensolutions #environmemt #ocean #changemaker

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Quelles solutions pour les villes ?

Pour ce qui est des solutions pour les transports du futur, le moins que l’on puisse dire est que Bertrand Piccard est une fois de plus dans le concret sur le sujet : en novembre dernier il a réalisé 778 kms en deux jours avec un véhicule hydrogène. Il a posé le record du monde de distance avec un véhicule n’émettant que de la vapeur d’eau.

Lorsqu’on lui demande comment il voit le futur des transports, il répond : « les solutions de mobilité à hydrogène ce n’est pas le futur, c’est maintenant. L’électrification des transports est le meilleur moyen de décarboner la mobilité pour des distances jusqu’à 300 km. Au-delà, l’hydrogène est la ressource à utiliser. En Californie, au Japon ou en France, des stations à hydrogène sortent de terre ; en Allemagne, les premiers trains à hydrogène ont vu le jour l’année dernière, remplaçant des trains diesel ; des voitures, camions et bus à hydrogène roulent déjà sur nos routes ; et des chercheurs de la NASA explorent la possibilité d’alimenter un avion uniquement avec de l’hydrogène. »

En battant un record roulant 778km en voiture de série à #hydrogène, @bertrandpiccard voulait prouver qu'il est possible d'avoir de la #performance sans émettre de #CO2.

Il ne reste qu'à installer plus de stations de recharge. #H2RECORD

📸Francis Demange pic.twitter.com/KN99gGlS8a

— SOLAR IMPULSE (@solarimpulse) November 28, 2019

Lors de notre bref entretien avec lui, nous avons aussi pu lui demander quelles seraient selon lui les priorités à prendre en compte pour réduire l’impact environnemental des villes, cela à la veille des élections municipales. Quel serait son top 3 des solutions labellisées applicables à court terme, de manière à ce que leur métabolisme ait moins d’impact en terme d’émissions de gaz à effet de serre ? Selon l’explorateur, « il faut agir avant tout sur la mobilité électrique pour favoriser la qualité de l’air. Pour les véhicules à combustion, comme les bus, les taxis, les véhicules municipaux, une start-up londonienne Antismog propose un boîtier qui permet de réduire jusqu’à 80% les émissions de particules et d’économiser jusqu’à 20% la consommation d’essence. Le second enjeu se porte plus sur l’aspect urbain en isolant les bâtiments. Il est aujourd’hui possible d’économiser de l’énergie. La société Soprema propose une solution d’isolation extérieure à base de fibres de bois sous plâtre, ou derrière le revêtement ventilé. Ces solutions d’isolation bio-sourcées garantissent des économies d’énergie et le confort des utilisateurs. Le troisième point porte sur les pompes à chaleur, quatre fois plus efficientes que les radiateurs électriques. Les technologies liées à l’univers des smartgrids permettent de moduler les sources de distribution et de se synchroniser avec les modes de consommation. »

Le saviez-vous ? Notre solution de recyclage d'emballages PET #SOPRALOOP a été labellisée "Efficient solution" par l’Alliance Mondiale pour les Technologies Propres, créée par la fondation @solarimpulse à l'initiative de @bertrandpiccard ! #SopremaFutur ➡ https://t.co/peKocrRvIo pic.twitter.com/iY6FLf8AT2

— SOPREMA France (@SopremaFR) May 3, 2019

La passion des ballons

Cette débauche de solutions pour préserver l’environnement de manière « profitable » au Grand Palais n’a pas été sans recevoir de critiques. En témoigne par exemple ce tweet d’Attac France. Mais pour Makery, il semblait également intrigant d’aller à la rencontre de l’homme qui a fait le tour du monde en ballon à hélium pour lui demander ce qu’il pensait du vol et record Aerocene Pacha de ballon zéro impact qui venait d’avoir lieu quelques jours plus tôt dans le salar de Salinas Grandes en Argentine. Une affaire de génération peut-être – la perspective proposée par Aerocene s’en prend au « Capitalocène » – mais quand on demande à Piccard ce qu’il pense de l’initiative de Tomás Saraceno il répond que pour lui Aerocene est avant tout « une performance artistique et philosophique ». Piccard rappelle aussi que la performance d’Aerocene est sans doute « rendue possible par une toile offrant une isolation presque totale » comme celle qu’il avait lui même utilisée lors de son record de tour du monde sans escale avec le ballon Breitling Observer 3, ou qui peut être également utilisée par les ballons de compétition sportive. Un dispositif qui, lors de son exploit de 1999, lui avait permis d’avoir quatre fois plus d’autonomie pour une même quantité de gaz et de réaliser son tour du monde sans escale en moins de 20 jours. Aujourd’hui Aerocene rêve d’un tour du monde avec multiples escales, en fonction des levers et couchers de Soleil, de la thermodynamique locale, pour connecter aussi avec les communautés au sol et parler des solutions douces… On se prend à espérer une solidarité entre aéronautes.

En savoir plus sur la Fondation Solar Impulse.

A l’Ecole de l’Anthropocène : à Lyon, une plateforme citoyenne en action

"Le motif de l'enquête" : Camille de Toledo, Matthieu Duperrex, Michel Lussault, Pauline Julier. © Adrien Pinon

Apprendre, comprendre, débattre et tirer les enseignements de ce qui fait notre époque, c’est ce que propose A l’Ecole de l’Anthropocène, un événement annuel international initié par L’Ecole Urbaine de l’Université de Lyon. Cette seconde édition proposait une semaine de réflexions et d’actions du 27 janvier au 02 février aux Halles du Faubourg, à Perrache et au Comoedia.

Maxence Grugier

Lyon, envoyé spécial

Nul doute que la « grande accélération » entamée depuis les années 50 (et même, depuis la première révolution industrielle) est à l’œuvre. Comme le déclarait, au cours d’une semaine festivalière riche en évènements, le philosophe Patrick Degeorges (qui coordonne depuis septembre 2017 le programme Anthropocène de l’ENS Lyon) : « cette accélération et son impact est quotidiennement lisible : il suffit d’ouvrir la presse ou d’écouter la radio. Tous les jours il est question de problèmes liés aux changements colossaux subis par (et dans) notre environnement. Pas seulement de problèmes climatiques, puisque le climat n’est qu’une toute petite partie des problématiques engendrées par l’activité humaine sur la planète, mais également des autres sujets, politiques, écosystémiques, économiques, sociétaux, etc. » Pour le citoyen, il s’agit de s’informer et agir en conséquence. A l’Ecole Urbaine de Lyon on l’a compris, l’accent est mis aujourd’hui sur la perception publique des problèmes de l’environnement. Pour cela, encore faut-il se donner les moyens d’analyser et de comprendre.

Débat « faut-il attendre un post-capitalisme réparateur ? » avec Pierre Veltz, Isabelle Delannoy, Mathieu Couttenier. Animation : Arjuna Andrade. © Adrien Pinon

Faire école, à l’époque de l’Anthropocène

C’est ce que propose Michel Lussault et son équipe avec « A l’Ecole de l’Anthropocène », une initiative de l’Ecole Urbaine de Lyon, montée en partenariat avec de nombreux acteurs locaux dont la Taverne Gutenberg, l’Atelier La Mouche, Frigo & Co et le Cinéma Comoedia, pour une programmation spécifique. La Gare Perrache était également mise à contribution, avec l’installation d’une antenne où se déroulaient des ateliers publics. « L’Ecole Urbaine de Lyon est un Institut de Convergence (un programme financé dans le cadre des Investissements d’Avenir, piloté par le Secrétariat général pour l’investissement, ndlr). C’est un projet universitaire innovant en matière d’offres de formations, anglé sur un sujet bien défini. Il existe dix Instituts de Convergence en France, et chacun a son sujet. Celui qui a été porté par Michel Lussault, directeur de l’Ecole Urbaine de Lyon, géographe, professeur à l’ENS, membre du laboratoire de recherche Environnement, ville, société, et du LaBex IMU, c’est la question de Mondes Urbains Anthropocènes », explique Valérie Disdier, programmatrice de l’évènement. Pourquoi l’Anthropocène ? « Parce que nous pensions qu’il était important de développer un programme de recherche, de formation et d’animation du débat public sur les mondes urbains et son corolaire, l’Anthropocène. Se pose aujourd’hui la question de l’habitabilité de la planète en relation avec les impacts observés et les solutions proposées concernant la ville, l’accélération de l’urbanisme, et ses conséquences sur l’environnement » complète Anne Guinot, responsable de la communication.

Plateau-radio pour « réinterroger le vocabulaire cartographique » avec Michel Lussault et Frédérique Aït-Touati. © Adrien Pinon
Plateau radio pour « réinterroger le vocabulaire cartographique ». © Adrien Pinon

Une programmation à la hauteur des enjeux

Si l’Anthropocène est tout à la fois « une époque, un débat, une provocation » comme le déclarent les auteurs de Anthropocène, à l’école de l’indiscipline (éditions du Temps Circulaire, janvier 2019), c’est aussi un sujet qui rassemble de nombreuses disciplines, activités de recherches, méthodes et écoles de pensées. Durant une semaine, A l’Ecole de l’Anthropocène s’est donc attachée à faire « école » autrement. Du 27 janvier au 02 février, l’évènement offrait des cours publics, des conférences, des séminaires de recherche, des ateliers pédagogiques ouverts à tous, mais aussi des expérimentations collectives, des propositions artistiques (expositions, danse), des résidences d’artistes (plasticiens, écrivains), des performances, des lectures, des séances de cinéma, et même… un bal ! Parmi les sujets débattus et entendus, figuraient les questions de post-capitalisme, de résilience du vivant, de quatrième voie, d’« Urbanocène », de féminisme et d’écologie. On a bien sûr questionné l’injonction à l’accélération, à la compétitivité et à la performance. On a abordé les problématiques de la société numérique à l’œuvre et son impact sur la planète, ainsi que les questions de psychologie, de volonté, d’intentions et de responsabilités citoyennes, dans un format de cours publiques ouverts à tous, sur le modèle du Collège de France.

« A-t-on vraiment eu raison d’inventer l’agriculture ? » avec Jean-Paul Demoule et Michel Lussault. © Adrien Pinon

A la recherche d’alternatives et de solutions

Dans un évènement qui s’inscrit dans une dynamique d’information et de formation du public, poser des problèmes est nécessaire mais proposer des solutions s’avère tout aussi indispensable. En croisant le regard des chercheurs et des spécialistes venus des sciences sociales, humaines, ou dures, avec celui de « Madame et Monsieur tout le monde », le programme insiste sur la complémentarité des points de vue, des stratégies et des expériences. Anne Guinot : « Parce que nous ne sommes pas simplement en discussion, nous ne faisons pas que brasser des idées, mais nous tentons d’impliquer l’imaginaire et les compétences de chacun pour proposer des idées et agir pour un futur plus désirable. Le public est en demande de ce type d’initiatives, et est extrêmement sensible à ces thématiques. Il attend autre chose qu’acquérir uniquement du savoir. Il veut connaître et comprendre, mais aussi expérimenter. Ici, on pense que les apports extérieurs du public et des acteurs de la culture, les artistes, sont des apports utiles pour la recherche en action. ». Sans doute la raison du succès de l’évènement, qui bénéficia durant toute la semaine d’une fréquentation intergénérationnelle, beaucoup d’enfants, des parents, mais aussi des étudiants, des chercheurs du monde entier (le sujet ayant une dimension internationale, interdisciplinaire et inter-établissements, nous avons croisés de nombreux participants internationaux), des retraités.

Jour 1 de l’atelier « Usage participatif de la ville augmentée » dans le cadre de A l’Ecole de l’Anthropocène. © Adrien Pinon
Atelier danse « Sattelites of Dance » sur le site de Perrache par Kubilai Khan Investigations © Adrien Pinon
Atelier « L’habité à la carte : le cas du grand parc Miribel Jonage » © Adrien Pinon
« Mise en situation de gestion de crise » à Institut d’urbanisme de Lyon © Adrien Pinon

Les Halles du Faubourg disparaissent, l’Anthropocène fait école

L’évènement résonnait particulièrement dans Les Halles du Faubourg, lieu emblématique de l’histoire industrielle lyonnaise, et de l’urbanisme du 19ème et 20ème siècle, mais également terrain d’expérimentation culturelle éclectique depuis deux ans, malheureusement promis à sa destruction prochaine fin août. Pour autant, A l’Ecole de l’Anthropocène continue et même fait des petits. Au programme de 2020 : publication d’une revue, déploiement à l’étranger, cours et séminaires. Valérie Disdier : « Après le festival nous reprenons Les Mercredis de l’Anthropocène jusqu’à fin juin, ainsi que les cours publics et les séminaires. Nous allons continuer de publier (ce que nous avons commencé avec le premier numéro de A°2020). Nous reste à trouver un lieu à compter de la rentrée 2020. Un endroit pour travailler et où pourront se dérouler nos « Mercredis », notre semaine festivalière, etc. » Et l’intéressée d’ajouter : « En juillet 2019 à Buenos Aires, nous avons participé à la création de la Première École latino-américaine sur l’Anthropocène urbain. Un partenariat entre l’Ecole Urbaine de Lyon et l’Universidad de San Martín ». Ce partenariat a donné lieu à la création d’une performance le samedi 1er février au cours d’une journée #Anti-Célébrité – Huella Verde : Anticelebrity Day – où un tapis rouge était décoré par des empreintes de peinture verte faites avec des chaussures usagées par les participants. Des selfies furent ensuite réalisés et projetés sur le tapis en se mélangeant avec des transpositions d’images de célébrités.

Installation/performance « Green Carpet » de Jorge Caterbetti : Journée Anti-Célébrité. © Adrien Pinon

La semaine se terminait sur les images à la fois fascinantes et inquiétantes des deux Blade Runner (la planète polluée et surpeuplée plongée dans une nuit éternelle de Ridley Scott, et celle, terminale et dévastée de Denis Villeneuve). Une note de vigilance, qui nous rappelle que nous avons peut-être encore les moyens de ne pas vivre un futur similaire, parce que si l’Anthropocène et les champs d’études qu’elle suscite, nous permet de penser l’avenir, elle nous permettra peut-être aussi d’en prévenir les pires tendances.

En savoir plus sur l’événement « A L’Ecole de l’Anthropocène ».

Aerocene, douce et nouvelle poétique des records sans excès en Argentine

Aerocene Pacha © Aerocene Fondation

Il aura donc fallu attendre janvier 2020, dans le salar de Salinas Grandes dans la province argentine de Jujuy, pour symboliquement poser un record d’une nouvelle manière de flotter dans les airs : un vol humain à la seule force de l’énergie solaire. Une fois de plus, c’est à une communauté d’artistes que l’on doit l’admirable contrepied de la modernité ambiante. «Voler» ici relève d’une nouvelle sensibilité.

Céliane Svoboda

Alors même que l’imaginaire contemporain tend encore à ne concéder le titre de « records » qu’aux excès, le projet Aerocene Pacha nous invite à reconsidérer nos idéaux de progrès. Qui n’a jamais rêver de prendre son envol, de voler dans les airs ? Tandis que nos sociétés occidentales se sont souvent précipitées pour répondre aux rêves des uns au détriment de la planète et des autres, « Fly With Aerocene Pacha » affirmait cette fin janvier une nouvelle dynamique, où décoller n’appartient plus qu’aux seules énergies extractives. C’est l’aube d’une nouvelle ère que promettent les ballons aérosolaires de la fondation Aerocene, revendiquant l’envie de voler autour du monde, au delà des frontières, sans gaz, ni pétrole, ni lithium.

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#FlywithAerocenePacha has achieved a mission never done before, and we thank each and every one who shared their energies to uplift Pacha into the air! It has been a long journey towards this, with many tests and rehearsals, but now, we have finally managed to cut the cord and fly free, only with the power of the Sun and the air we all breathe. Since the 21st January, with the weather on our side, Aerocene Pacha and her pilot Leticia Marques, have set a total of six world records in both the ‘Female’ and ‘General’ category, currently being processed by the @airsports.fai for: Altitude – 272,1 m #liftedbytheSun Distance – 1,7 km #carriedbythewinds Duration – 1 hour 14 minutes on air #freefromfossilfuels The history of ballooning has seen several records set and broken, but they have always had to use fossil fuel derivatives. The 28th January 2020 marks the day that “Fly with Aerocene Pacha” proved it is possible to move differently, in ethical collaboration with the Sun and the atmosphere. For renewed futures of planetary and multispecies solidarity, with the air, for all of Earth – we move forward towards Aerocene! See you next time #ONAIR @studiotomassaraceno @bts.bighitofficial #CONNECT_BTS #CONNECT_BTS_BsAs #freetheair #aerocene #sixworldrecords #tomassaraceno #studiotomassaraceno #againstcapitalocene #onair #dreamtoreality #newdawn #pachamama

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Du 22 au 28 janvier dernier, Aerocene aura donc réalisé plusieurs tentatives de records de vol libre humain en ballon aérosolaire. Pour l’occasion Leticia Marques fût la pilote de ces vols d’un nouveau genre, doublant les records, comme pilote mais comme femme également. Rares sont les performances qui dépendent autant des conditions météorologiques et thermodynamiques : comme pour toutes les montgolfières, les vols des ballons Aerocene sont soumis aux caprices des vents, mais ils nécessitent également des conditions d’exposition solaire optimales, comme peut en faire le récit le superviseur de vol Igor Miklousic du Balon Klub Zagreb. Ainsi, ce fût la journée du 25 qui permit de réaliser le meilleur vol, à savoir 2 kilomètres et 550 mètres, à une altitude de 272,1 mètres, en 1 heure et 21 minutes. Cela peut paraître modeste, mais l’équipe de la fondation Aerocene est prudente vis à vis de la pilote comme du ballon, et surtout, les données révèlent bien le record d’un nouveau genre, où l’on ne court plus tellement contre la montre mais pour le maintien d’une forme d’équilibre. Et si le vol libre en montgolfière aérosolaire n’est pas complètement nouveau, c’est la première fois qu’un vol est porté à l’enregistrement de la Fédération Aéronautique Internationale.

Revoir le direct du vol du 28 janvier 2020 à Salinas Grandes, Argentine :

L’initiative était accompagnée par le programme Connect-BTS du groupe de K-Pop BTS. Et c’est ce qui est étonnant, le projet Connect-BTS est aussi issu d’une communauté internationale d’artistes qui entend redéfinir les liens entre les différents secteurs artistiques, les théories et les pratiques et les liens aux publics. On se plaît à voir éclore ces communautés artistiques qui assument alors leur philosophie résolument engagée politiquement.

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A motto to carry us into Aerocene: CHANGE YOUR ACTIONS, CHANGE THE FUTURE, NOT THE CLIMATE. Fly with Aerocene Pacha Watch it “on air“ live-streaming via aerocene.org pacha.aerocene.org 28.01.2020 @studiotomassaraceno @bts.bighitofficial #CONNECT_BTS #freetheair #flywithaerocenepacha #fortheairwiththeaironair #aerocene #aerocommunity #humanfreeflight #tomassaraceno #studiotomassaraceno #aerosolar #float #freefromfossilfuels #againstcapitalocene #onair

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Le projet cher à l’Argentin Tomás Saraceno soutenait également les quatre communautés du salar de Jujuy – au nord Tres Pozos, Pozo Colorado et San Miguel del Colorado, et la communauté Inti Killa de Tres Morros au sud – menacées par l’extraction de lithium en affichant dans la toile du ballon le slogan « Non au Lithium, Oui à l’eau et à la vie sur nos territoires ». Aerocene rendait également avec « Pacha » un hommage à Pachamama, la déesse de la Terre-Mère de la cosmogonie andine, une autre belle occasion de réinterroger nos imaginaires.

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WATER AND LIFE ARE MORE VALUABLE THAN LITHIUM! Salt flats like Salinas Grandes are under the siege of the Capitalocene’s extractive approaches continuing on in the current “green” mutation—a threat to the Indigenous communities that call this land home. Nestled under the surfaces of salt flats, lithium is to be found, the element nicknamed “white gold” for its increasing demand in the technology industry. Lithium is used to make the batteries that power our cellphones, our tablets, our laptops, our electric cars, and more. Lithium-ion batteries are being heralded as a way out of fossil fuel dependency, moving us toward electric freedom. But that “freedom” comes at a great cost, and as is the case with almost all prices in the Capitalocene, it is paid by those who benefit the least. Argentina, Bolivia, and Chile make up what is known as the “lithium triangle”, with 80% of the world’s lithium brine reserves. Argentina is the only one where companies are granted permission by government concessions to mine it. The investments in lithium extraction continue to grow, as consumerist demand for lithium increases in the move toward “greener” technologies. Be aware of the ideologies powering technologies!
Say no to extraction, and yes to regeneration! Fly with Aerocene Pacha
Watch it “on air“ live-streaming via
aerocene.org
pacha.aerocene.org
28.01.2020 @studiotomassaraceno
@bts.bighitofficial #CONNECT_BTS
#CONNECT_BTS_BUENOSAIRES
#freetheair
#flywithaerocenepacha #fortheairwiththeair
#aerocene #aerocommunity #humanfreeflight
#tomassaraceno #studiotomassaraceno
#freefromfossilfuels
#againstcapitalocene #onair

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Flotter dans les airs

La large communauté internationale Aerocene n’est pas nouvelle, elle s’étend et se construit depuis plusieurs années déjà, Makery s’est impliqué à plusieurs reprises dans ses activités. Initiée par le studio de l’artiste argentin Tomás Saraceno, elle réunit des centaines d’artistes, chercheurs, faiseurs et citoyens attachés à travailler à de nouvelles manières de voir, de nouvelles manières de faire. En remettant en cause l’époque destructrice du « Capitalocène« , en réclamant un Aérocène, une époque de l’air, la communauté cherche à réinventer notre rapport à l’air et au climat par une nouvelle poésie sublimée par les ballons aérosolaires. L’idée de voler tend alors à se rapprocher de celle de « flotter » au rythme des flux solaires et aériens. Aerocene nous engage aussi à porter une nouvelle attention à nos manières de « marcher », à nos façons de « fonctionner ». Ainsi, les ballons qu’on aura notamment aussi vu à l’occasion des marches pour le climat parisiennes, entendent être les symboles pour le plus grand nombre de cette nouvelle époque désirée de l’Aérocène. « Nous pensons que l’espèce humaine doit s’engager à atteindre l’objectif de ‘ré-atterrir sur Terre’ avant la fin de cette nouvelle décennie » nous dit Tomás Saraceno, rejoignant ici le philosophe Bruno Latour.

Ici Tomás Saraceno et Aerocene nous engagent dans l’idée d’inventer et de remettre à l’œuvre nos sensibilités, pour redéfinir nos liens aux vivants qu’ils soient humains ou non-humains. L’Aérocène, c’est une nouvelle époque pour une nouvelle politique du sensible, plus attentive et qui n’entend pas se priver de poésie. Le projet Aerocene est alors l’occasion de tisser encore et toujours de nouvelles solidarités comme en fût l’occasion le dernier projet, Aerocene Pacha.

Tomás Saraceno, Aeroceno pour Canal Encuentro (en Espagnol) :

Performance et soin

A la différence du terme de « performance » qui sous-entend des imaginaires différents, que ce soit celui de la performance sportive ou artistique, Aerocene se révèle être une proposition d’un autre genre où le « prendre soin » s’instaure au milieu des différents records. La performance de la fin janvier s’inscrit alors autant dans l’idée de performance artistique que dans celle qui tend à battre des records. Et si les journées du 25 et du 28 janvier furent marquantes, c’est bien parce que le vol à pu se faire sans mettre en œuvre de dynamiques polluantes, ni exploitations quelconques.

La « performance aérosolaire » est alors l’occasion de réaffirmer la nécessité d’un changement de paradigme et la révolution écologique, immédiatement nécessaire. Loin des dynamiques de croissance verte ou de greenwashing, le projet fût l’occasion de rappeler qu’une politique écologique est avant tout une politique du soin et de l’attention (aux autres, au monde, au vivant).

Ainsi le projet fût soutenu par pas moins de 33 communautés autochtones Argentines. La veille une grande cérémonie a réuni les différents acteurs du rendez-vous pour lancer la nouvelle dynamique. Le co-travail avec les populations autochtones est au cœur du projet puisque celles-ci sont les premières à souffrir de l’époque du Capitalocène alors même qu’elles sont parmi les premières à réellement prendre soin de notre terre et de la biodiversité.

« Les nations autochtones de la planète représentent moins de 5% de la population mondiale tout en protégeant 80% de sa biodiversité ; ce sont leurs luttes qui forment la théorie et la pratique du combat contre la dégradation et la perte de vies sur cette planète. Aerocene Pacha portera dans sa cargaison les espoirs d’une humanité dépassant l’époque du Capitalocène. Soulevé uniquement par le soleil, porté uniquement par les vents, le vol libre incarne un engagement éthique envers l’atmosphère et la planète Terre, pour re-comprendre comment « voler avec les pieds au sol ». » nous dit l’initiative Aerocene.

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The Aerocene Backpack unfolds into an aerosolar sculpture, allowing you to become buoyant only with the heat of the Sun, and the air we all breathe! Fully open-source, the Aerocene Backpack is a tool that fosters the DIT (Do-it-Together) ethos of Aerocene Community! Aerocene frees the air, crossing physical and imaginary borders in a move towards a zero-carbon era, without fossil fuels. Learn about the Backpack, Aerocene Free Flights and the Aerocene App by joining the Community in Buenos Aires! Alongside the “CONNECT, BTS: Fly with Aerocene Pacha” exhibition and screenings, running through 22 March, Aerocene Community will be hosting Pilot Courses @CCK, Buenos Aires, ARG! Join a real flight via aerocene.org/formulario/ and download the Aerocene App now. #CONNECT_BTS #CONNECT_BTS_BsAs #aerocene #aerocommunity #Freefromfossilfuels #aerocenebackpack #aerosolarsculpture #liftedbytheSun #carriedbythewinds #freefromfossilfuels @aerocene @studiotomassaraceno @elcckirchner

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N’en déplaise au correcteur automatique, l’époque Aérocène n’est pas une faute de frappe du terme « kérosène » mais annonce bien une ère nouvelle de la sensibilité assumée et de l’attention nécessaire portée à la terre et au vivant. Le projet Aerocene Pacha en fût un témoin exemplaire et nous attendons avec impatience les projets et vols à venir, car nous rêvons nous aussi d’un monde un peu plus léger et de pouvoir « flotter » dans les airs pour, entre-autre, reprendre la mesure de nos liens nécessaires aux uns, aux autres, au vivant.

La communauté Aerocene est notamment sur Facebook et Instagram.

Le site internet de l’initiative Aerocene.

Le site de Connect, BTS

Les Rencontres ArtLabo, récits des temps futurs à Bourges

Dataviz et déconstruction du réseau Art::Labo par l'équipe Ping © Ewen Chardronnet

Les Rencontres ArtLabo se tenaient à la friche Antre-Peaux de Bourges le 1er février 2020. Un événement des Human Tech Days de la Région Centre-Val de Loire. Reportage.

Laurent Diouf

Bourges, envoyé spécial

Les Rencontres Art::Labo qui se sont déroulées à Bourges le premier week-end de février ont permis de questionner les limites de notre futur proche. Problèmes écologiques, économiques, technologiques et biologiques étaient ainsi disséqués entre ateliers, présentations, débats, installations, expositions et performances. L’univers des cultures numériques et du vivant se retrouvant ainsi dans un face-à-face « arts & sciences friction ». Tour d’horizon de cette journée fructueuse.

Human Tech Days

En préambule, rappelons que ces Rencontres Art::Labo s’inscrivaient dans le cadre des Human Tech Days, une série d’événements qui marque le mois du numérique en Région Centre-Val de Loire. L’objectif de cette manifestation étant de promouvoir les cultures numériques, de fédérer et valoriser les acteurs régionaux du numérique autour de nombreuses conférences, démonstrations et workshops en direction d’un public large, rassemblant initiés et néophytes, seniors et enfants. Une charte respectée par les Rencontres organisées par Art::Labo, réseau de recherche-création initié par 4 structures : Labomedia (Orléans), Lieu Multiple (Poitiers), Bandits Mages (Bourges) et Ping (Nantes).

Le lab du futur ?

C’est à l’Antre-Peaux, friche culturelle de Bourges désormais portée par la fusion des associations Emmetrop et Bandits-Mages, que se sont déroulées ces rencontres Art::Labo. Les media labs — fab labs, art labs et/ou hack labs, peu importe finalement l’appellation au regard des usages et de la philosophie de ces structures qui expérimentent le bricolage technique et artistique — sont devenus le symbole de la synergie art / science. Mais depuis l’apparition de ces lieux où s’élaborent « des pratiques laboratoires », le contexte a changé, les techniques ont évolué, les champs d’expériences se sont élargis, les problématiques se sont multipliées. Partant de cette situation, les rencontres inter-labs qui ouvraient cette journée ont tenté de répondre à cette question fondamentale : quel sera le lab du futur ?

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Rencontres Art::Labo des Human Tech Days #htd2020

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L’idée n’était pas d’éditer un manifeste, mais simplement de croiser les expériences, signaler des parcours, partager les questionnements, valoriser des pistes. À l’initiative d’Isabelle Carlier (Antre-Peaux), Catherine Lenoble (Productions Intérieures Brutes), Julien Bellanger (Ping) et Benjamin Cadon (Labomédia) — et avec d’autres intervenants parmi lesquels Marie Albert (responsable du projet européen S+T+ARTS pour French Tech Grande Provence), Emmanuel Guez (directeur de l’ESAD d’Orléans), Antoine Réguillon (directeur de l’ENSA de Bourges), Magali Daniaux & Cédric Pigot (artistes et éditeurs de UV Editions), Ewen Chardronnet (Makery), Aniara Rodado (artiste et curatrice) — un tour de table a dessiné en creux les contours de ce lab du futur.

Si l’objectif d’un tel lieu reste bien la mise en valeur de pratiques alternatives qui empruntent autant à l’art qu’aux savoir-faire techniques, pas seulement high-tech d’ailleurs, il convient en revanche de redéfinir certaines notions comme l’innovation, de ne pas se centrer uniquement sur le futur justement. Pour certains participants l’urgence est d’ailleurs au présent, pas au futur, surtout compte tenu de la situation socio-politique actuelle. Dans cet esprit, il conviendrait aussi d’en finir avec l’anthropocentrisme et l’entre-soi, faire en sorte qu’un fab lab ne soit pas (ou plus) un lieu totem. Pour cela, il s’agit s’ouvrir sur d’autres structures, d’autres pratiques, d’autres publics, d’autres technologies… Ne pas se restreindre à l’expérimentation pure. En finir avec la dictature des projets. En d’autres termes, un projet doit rester une intention (au sens strict), mais pas une finalité. De même, il faudrait s’affranchir de la novlangue des start-ups et du jargon de la communication guerrière libérale qui ont depuis longtemps colonisé le domaine de la culture. Et surtout privilégier la mise en réseau, penser le territoire différemment, s’ouvrir à la société civile dans son ensemble, à la rue…

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Today's lunch : Alchimies végétales by Déborah Incorvaia #humantechdays #sauflescailloux

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Décroissance

L’après-midi était consacré à des ateliers, pour la plupart participatifs, dans le creuset du questionnement sur l’anthropocène que le réseau Art::Labo explore depuis 2015. Dans cet esprit critique, Nicolas Maigret et Maria Roszkowska (Disnovation.org) proposaient un débat ouvert sur le thème de la post-croissance (Post Growth). Entouré d’un collectif, le public était invité à dialoguer, questionner et réagir sur les nombreux excès de notre monde marchand. Disposés sur des tables, des objets et des cartes illustraient les différents problèmes posés par notre société de sur-consommation et sa religion de la croissance infinie. Les discussions se structurant autour de quelques concepts novateurs pour faire face à la pénurie qui vient : informatique effondriste, énergie zombie, néga-technologie, défuturation… L’idée étant de prôner une prospérité sans croissance, de mettre en œuvre des ressources partagées, de renouer avec le principe de la septième génération; c’est-à-dire rompre avec l’esprit de prédation qui sous-tend la croissance économique, savoir préserver et prendre en compte les implications futures de l’agriculture intensive ou de l’utilisation des gadgets de l’électro-ménagers par exemple.

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"Post-Growth" par Disnovation aux rencontres Art::Labo des Human Tech Days #htd2020

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Dans le même esprit, Cédric Carles (Atelier 21) proposait une contre-histoire des innovations énergétiques. Une mise en lumière des choix de technologies, de supports et de matières premières faits par l’industrie. Des choix qui sont dictés avant tout par la logique du profit, au détriment souvent de la viabilité, de la pertinence de l’emploi et de l’impact écologique. Son intervention sur la possibilité de recycler les piles alcalines en les rechargeant étant particulièrement démonstrative de ces aberrations. À la suite de cette conférence, Cédric Charles invitait le public à venir témoigner et enrichir son programme de recherche autour d’anciennes inventions et procédés tombés dans l’oubli. De l’antiquité aux Trente glorieuses, les nombreuses fiches exposées témoignaient des multiples alternatives énergétiques rejetées par la société industrielle.

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Retour en images sur les #htd2020 à #bourges événement de @regioncentre_valdeloire , @crnumcvl chez @assoemmetrop, @banditsmages pour les rencontres Art::labo "Arts & Sciences Friction" ! Merci beaucoup à eux et #inpi #tresorsinpi qui a fourni des #brevets #inédits d'#inventeurs de la région ! Merci #schneiderelectricfoundation notre principale soutien #workshop #exposition #conference

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Recyclage & science-fiction

Autre initiative qui pointe également les limites des ressources naturelles et artificielles, celle de la plateforme Precious Kitchen développée par Hors-Studio, studio de design critique et spéculatif fondé par Élodie Michaud & Rebecca Fezard et Catherine Lenoble et soutenu par La Fabrique d’Usages Numériques. L’objectif est simple : créer des objets et des matières pour l’architecture d’intérieur et la scénographie à partir de chutes et de déchets de l’industrie. Les matériaux récupérés sont divers : bois, cuir, papier, plastique, néoprène… Pour l’atelier de cette journée, c’est de l’acétate de cellulose qui servait de matière première. Utilisé pour la fabrication des montures de lunettes, ces pièces de polymère multicolores, qui peuvent aussi être réduites en fibres, sont « cuisinées » (assemblés puis chauffés) par le public de manière à produire notamment de petits objets de déco pouvant se doubler d’un axe narratif. Pour l’occasion, c’est le roman de spéculative fiction d’Alain Damasio Les Furtifs qui avait été choisi pour prospecter ces nouvelles formes et récits. À la portée de tous, ne nécessitant pas un matériel très sophistiqué, cette démarche illustre bien la vocation de cette plateforme dédiée à la valorisation et au recyclage de ressources à l’échelle locale. Un portail en ligne doit prochainement être mis en ligne, inventoriant les ressources et les recettes pour tester la création de bio-matières et de matériaux de réemploi.

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Precious Kitchen aux rencontres Art::Labo @ Human Tech Days 2020 #htd2020

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La science-fiction est également source de réflexion pour l' »UrsuLaB » de la friche Antre-Peaux qui s’inspire directement, comme son nom l’indique, de l’écrivaine Ursula K. Le Guin et de sa théorie de la fiction-panier ; une contre-histoire féministe et pacifiste des paléo-techniques. Né de la volonté de l’Antre-Peaux et de l’ENSA, l’Ursulab est un laboratoire artistique dédié aux bio-médias. Pleinement opérationnelle en septembre prochain, cette structure animera un centre de ressources et de recherche, initiera une programmation d’ateliers et mettra en place des dispositifs de médiation. Dans cet esprit et en avant-première pour les rencontres Art::Labo, la restitution du workshop Bionic Sound Machines mené par l’artiste sonore Oscar Martín offrait une expérience singulière du rapport humain / non-humain au travers d’un dispositif de sonorisation de bactéries piégées dans des coupelles raccordées à des capteurs… Par ce dispositif, Oscar Martín se place sur un terrain hybride qui séduit par son étrangeté.

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#arts #sciences #numerique #lab #antrepeaux #humantechdays #rcvl

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Performances audio-visuelles

Le projet Unborn0X9 du collectif Future Baby Production (initié par Shu Lea Cheang et Ewen Chardronnet), est basé sur une autre forme d’hybridation, au plus près du corps, de l’humain et de la machine. Le projet est issu d’une réflexion sur l’arrivée de l’échographie sur les smartphones (écho-stéthoscopie) et fait suite aux résidences du collectif organisées par Makery en partenariat avec le living lab parisien echOpen qui vise à développer une version open source et à bas coût d’un écho-stéthoscope. Poussant la réflexion vers les enjeux de la « technicisation » de la gestation et alimentant le débat éthique sur la possible « dénaturalisation » de la vie, Unborn0X9 explore les fils spéculatifs entre échographie DIY et ectogenèse (grossesse extra-utérine), telle qu’évoquée il y a près de 100 ans dans Le Meilleur des mondes de Aldous Huxley. Le collectif présentait ici les résultats d’une semaine d’atelier qui vise la préparation d’une installation et d’une performance qui permettront à des performeurs et musiciens du collectif d’interagir avec des « fantômes fœtaux » – ces mannequins de fœtus ressemblant à ces utérus artificiels de la science-fiction qui servent pour l’entrainement à l’échographie du personnel médical. Le collectif a mené trois fronts pendant cette semaine : développement de l’interface audio convertissant les ultra-sons vers l’audible ; sculpture et tests échographiques des fantômes fœtaux en agar agar ; et collecte de témoignages sur les typologies de grossesse, du déni à l’avortement en passant par la procréation artificielle et le droit à la parentalité pour tous. La performance sera jouée à l’Antre-Peaux le 17 avril.

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A step of the project UNBORN0X9 by Future Baby Production will be presented at Science Gallery London from February 13 to June 28, 2020 at the "GENDERS, shaping and breaking the binary" exhibition. https://london.sciencegallery.com/seasons/genders/exhibition Photos of the development phase in Antre-Peaux (Bandits-Mages/UrsuLaB) in Bourges for Rencontres Art::labo « Arts & Sciences Friction » / Human Tech Days. https://www.humantechdays.fr/journee-culture-et-numerique-expo-concerts-ateliers/ Performances: Bourges, April 17; London, April 29! — UNBORN0X9 Future Baby Production UNBORN0X9 is an art installation and performance questioning the development of foetuses in artificial wombs outside of the body (ectogenesis) and the cyborg future of parenting. In collaboration with the echOpen living lab in Paris, which is developing a open-source ultrasound scanner for smartphone, Future Baby Production have created a performance centred around three artificial wombs. The performance hacks inaudible ultrasonic waves from the portable ultrasound device to produce an audiovisual and ultrasonic score that is interpreted by performers and musicians. Future Baby Production is an initiative by artists Shulea Cheang and Ewen Chardronnet. In 2016 the echOpen fablab at the Hôtel-Dieu hospital in Paris, which is designing a low-cost and open source portable ultrasound device, invited the two artists/authors to collaborate. This opportunity led to the UNBORN0X9 project. The name of the collective represents its aim to raise questions about the possible impact of low cost echo-stethoscopy on global health, access to healthcare and motherhood, and the relationship between science-fiction and science. A L'Antre-Peaux/UrsuLaB production in association with La Labomedia, echOpen, @makeryfr Production: Isabel-le Carlier & Antre-Peaux Technical Team: Benjamin Cadon (Labomedia), Jérôme Dubois (echopen), Vivien Roussel (fabrication) Sound Bourges: Gaël Segalen, Camille Dianoux, Jon Haure-Placé

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Le corps, et plus précisément la peau comme territoire de métamorphoses, était aussi au centre de l’atelier d’écriture et d’improvisation proposé par Chloé Lavalette et Mawena Yehouessi. Un workshop suivi en soirée d’une performance au texte très écrit de Chloé Lavalette, (la peau2). Cette conférence performée mêle impressions et réflexions sur la peau comme révélatrice de la fragilité du corps, comme marqueur social et racial, comme enjeu à la fois médical et métaphysique. Et les avancées dans le domaine scientifique, notamment les cultures et la « fabrication » de peau à destination des grands brûlés, sont aussi l’occasion de développer une fiction prospective sur des services d’abonnement à des bio-kits pour modifier radicalement son apparence…

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Chloé Lavalette, "(la peau2)" aux rencontres Art::Labo @ Human Tech Days #htd2020

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D’autres performances ont conclu cette journée, notamment celle de Shoï Extrasystole & Cyrille Courte, Planetarium interdite. Les deux artistes introduisaient la performance en expliquant comment ils avaient durant la semaine redonné vie à un système de projection de planétarium récupéré à la Station de Radioastronomie de Nancay, située non loin de Bourges. Le bloc reconfiguré de la machine ressemblant désormais à un Terminator était relié à structure métallique suspendue, telle une antenne braquée sur les étoiles, et le duo pouvait ainsi nous engager à écouter divers bruits du cosmos qu’il s’amusait à moduler et à combiner avec des visuels intrigants.

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Stop Extrasystole en pleine préparation de "Planétarium interdite" aux rencontres Art::Labo des Human Tech Days #htd2020

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Plus tard dans la soirée, Diego Liedo Lavaniegos s’est livré à une démonstration sonore abrasive avec générateur de sub-basse « greffé » sur son avant-bras… Ensuite, Nicolas Maigret a proposé une séance de Pirate Cinema : une sorte de cut-up vidéo, en temps réel, autour des films les plus téléchargés en P2P. Passant en revue les titres, genres, provenances et catégories, les extraits s’enchaînent dans un télescopage frénétique reflétant les grandes tendances de la cinéphilie populaire (porno, blockbusters, sports de combat…). Enfin, Yann Leguay a livré un set « post-industriel » et rythmé par les claquements électrostatiques d’un arc électrique amplifié, relié à un synthé modulaire et contrôlé par séquenceur et oscillateur, de manière à pouvoir en jouer comme d’un instrument à cordes.

Les Rencontres Art::Labo aux Human tech Days.

Transmediale de Berlin : jouer la dévastation comme si elle se déroulait dans un monde persistant

We Are Not Sick (John Longwalker & Geert Lovink) durant 'Sad by Design'. Adam Berry, CC NC-SA 4.0.

L’édition 2020 de Transmediale avait pour thème cette année les « réseaux ». Il s’agissait également de la dernière édition dirigée par Kristoffer Gansing qui passe désormais le flambeau à l’Irlandaise Nora O ’Murchú. Rob La Frenais a suivi le symposium « End to End » pour Makery.

Rob La Frenais

Le Berlin qui avait récompensé Poitras et Snowden en 2013 a toujours été le terrain des grandes luttes pour la liberté de l’information et de la confrontation entre les activistes et les grandes entreprises du numérique, Facebook, Google et Amazon, et l’édition 2020 du symposium n’a pas fait exception. Dans les heures de clôture de la conférence, on ressentait le grand désespoir face à l’effondrement de la neutralité du net, la lutte des activistes solitaires « conscients du réseau » contre les béhémoths des réseaux sociaux paraissant perdue d’avance et s’apparentant à la bataille pour transformer le monde face au réchauffement climatique. J’ai pu assister aux événements de la scène principale, mais comme toujours à la Transmediale, les horaires m’ont empêché de couvrir les événements parallèles.

La fin des fins

Le symposium commençait de manière énergique et prometteuse avec « The Where and Whens of Networks » et un appel enthousiaste à contester l’idée que l’Internet existe en dehors du temps et de l’espace. Modérée excellemment par Diana McCarty de Reboot FM à Berlin, la chercheuse Michelle M. Wright présentait les récits historiques du « Passage du milieu » – les routes coloniales de l’esclavage. Elle utilisait cette idée pour illustrer sa notion du temps et de l’espace comme un élément essentiel pour comprendre l’histoire. La plupart d’entre nous ont l’idée, générée par le récit classique des « racines », qu’il y a eu une époque précoloniale où les Noirs vivaient en Afrique, que le colonialisme est apparu et que les esclaves furent enlevés et emmenés en Amérique du Nord, puis libérés, puis ségrégés jusqu’aux années 60 et que maintenant nous devons faire face à un héritage post-colonial. Selon les études sur la condition noire de Wright, le tableau est beaucoup plus complexe, des esclaves et anciens esclaves vivent encore en Europe, dans les Caraïbes et ailleurs.

Diana McCarty durant Exchange #1: « The Wheres and Whens of Networks ». Adam Berry, CC NC-SA 4.0

Elle soulevait également le rôle compliqué de l’Allemagne et des Allemands noirs de sa période coloniale et faisait également remarquer que la Seconde Guerre mondiale avait impliqué non seulement des hommes noirs comme combattants, mais aussi des femmes noires à la fois sur le front intérieur et comme « ordinateurs » et d’autres rôles de soutien. Les histoires du colonialisme et de l’esclavage deviennent ainsi un réseau fondamental dans le temps et l’espace. Diana McCarty nous rappelait également différents itinéraires dans le temps et l’espace en mentionnant les liens entre Détroit et Berlin, d’abord avec la connexion Kraftwerk, puis avec le Festival Detroit-Berlin One Circle l’an dernier.

Felipe Fonseca, de Bricolabs au Brésil (déjà intervenu dans Makery), fournissait quelques commentaires utiles. Il était naïf de penser que les réseaux pouvaient donner du sens là où le sens était perdu. Ce qui compte le plus ce sont les liens sociaux – les réseaux pré-technologiques non seulement basés sur l’affinité – la musique, etc. – mais l’empathie. En utilisant les réseaux pour contourner l’industrialisation, on pourrait construire une sorte de « hopeful time machine » (« machine d’espoir à voyager dans le temps ») et redémarrer le système. Fonseca ne pouvait même pas imaginer un petit village où il n’y a pas de collecte de données. Alors, à qui appartiennent les données ? À l’heure actuelle, bien sûr, une grande partie du développement local mené par les labs en milieu rural est éclipsé par l’oppression plus large qui a lieu dans ce pays.

Felipe Fonseca durant Exchange #1: « The Wheres and Whens of Networks ». Adam Berry, CC NC-SA 4.0

Ulises Ali Meijas introduisait le terme « paranodal », où l’anticolonialisation réclame l’espace et le temps. Rejetant un monde dans lequel l’extraction et la collecte de données sont automatiques, il soulignait – comme de nombreux autres orateurs le firent plus tard – que l’idéalisme de réseau était mort. Il créait une analogie amusante avec les conditions d’utilisation de Google, que nous acceptons chaque fois que nous installons Google Chrome, à une déclaration historique – lue en espagnol, qu’aucun des orateurs ne pouvait comprendre – par les conquistadors du XVe siècle aux habitants indigènes du Amériques. En résumé, le texte dit : « Soumettez-vous ou nous détruirons vos villages et vous tuerons tous ». Dans le monde actuel de la nature bon marché, de la main-d’œuvre bon marché et des données bon marché, il comparait les babioles apportées par les Espagnols pour échanger de l’or aux applications dogface d’oreilles et langues de chien utilisées sur les réseaux sociaux pour extraire les données des utilisateurs.

Empires et écologies du Cloud

Où vit l’Internet ? Dans « Empires and Ecologies of the Cloud », Mel Hogan présentait quelques faits intéressants sur la manière dont les infrastructures de données provoquent également le changement climatique. Elle a effectué des recherches considérables pour entrer dans le monde secret des fermes de serveurs et des data centers. Il est difficile d’obtenir une mesure des émissions de ces endroits, mais apparemment, quelques recherches sur Google suffisent pour faire cuire un œuf. En d’autres termes, les données sont le nouveau pétrole. Pour alimenter une batterie de serveurs de taille moyenne, vous devez disposer d’un million de cyclistes produisant 100 watts par heure. Apparemment, seul un très faible pourcentage de fermes de serveurs utilise des énergies renouvelables.

Intéressé par les émissions causées par les personnes assistant à des conférences comme celle-ci, je lui posais des questions sur les émissions comparées entre, disons, les voyages en train et une conférence téléphonique impliquant 30 personnes. Elle estimait que c’était un point intéressant mais qu’il était difficile d’y répondre car les chiffres des émissions des fermes de serveurs et des data centers du monde entier sont un secret bien gardé. Bien que je sois arrivé en train, cela produit toujours des émissions. Je me demande si en marchant ou en faisant du vélo de Toulouse à Berlin, je produirais autant d’émissions qu’un appel Zoom pour assister à la Transmediale. Dans la discussion suivante, Teresa Dillon appelait à une riposte : « Nous devons faire tout le mal et toutes les perturbations possibles ». Mais comment ? Il existe des protocoles Internet pour résister aux perturbations. Pouvons-nous attaquer les centres de données ? Non. Mais des mouvements comme celui visant à stopper les expulsions du Royaume-Uni pourraient être un point de départ. Enfin, Bernard Stiegler traitait d’une question centrale – comment inverser le paradigme de la croissance éternelle qui nous mène à une catastrophe climatique – en introduisant la « déproblématisation du travail ». Pourquoi sommes-nous tous obligés de travailler alors que la planète nécessite moins de travail et moins de croissance ? Il relie directement décarbonisation et « déprolétarisation ».

La conférence performée « Next To Devastation » de Matthew Fuller et Olga Goriunova soulevait le problème de « la fin », soulignant que la catastrophe a commencé avec Christophe Colomb et se termine aujourd’hui par ce qu’ils appellent un « assèchement par le virtuel » (« parching of virtual »). Ils citaient la faune qui prospère maintenant dans la zone interdite de Tchernobyl, diverse mais présentant encore à ce jour des mutations. Ils exprimaient le ressenti de l’insolvabilité actuelle – une incapacité structurelle à régler le problème des dommages climatiques démarré pendant la guerre froide par l’économie générale de la dissuasion et qui produit ce qu’ils appelaient une « condition générale de turbidité » (generalised sludginess) semblable au jeu du « dilemme du prisonnier ». En fait, ils proposaient que les réponses puissent en effet provenir de la théorie des jeux, de traverser la crise écologique en usant de « formes transversales de pensée, de faire et de joies sombres », « transversal forms of thinking, doing and bleak joys », d’après le titre de leur livre. La dévastation devient un continuum qui peut être joué comme dans un monde persistant. En réponse, Luiza Prado de O. Martins présentait la vision du monde des chamans indigènes et leurs idées pour reporter la fin du monde, levant littéralement les bras dans leurs rêves pour maintenir le ciel. Elle citait un événement récent à São Paulo où le ciel est littéralement tombé dans la rue, des cendres des forêts tropicales brûlantes étant soufflées vers la ville par des vents forts. Enfin, Nelly Y. Pinkrah nous rappelait que la planète finira par guérir même si elle peut d’abord nous détruire, nous les humains.

Luiza Prado de O. Martins durant ‘The Councils of the Pluriversal: Affective Temporalities of Reproduction and Climate Change’. Adam Berry, CC NC-SA 4.0

Déplateformisation

Dans « Deplatformatisation and the Ethics of Exclusion », Eva Haifa Giraud parlait du compost. Cet autre réseau, organique cette fois, implique des enchevêtrements de non-humains, prospères à la vie collante des limaces. Les humains s’enchevêtrent également dans des réseaux organiques, mais les matières de leurs sols sont différentes, à base de toilettes et systèmes de drainage. Citant la vétérante activiste climatique Starhawk, elle décrivait l’infrastructure pratique des camps de protestation avec des par l’emprunt de caddies de supermarché pour soutenir et nourrir les manifestants. Son activisme alimentaire contrait les arguments académiques contre les nouveaux récits sur le compost : « Le compost ne vient pas de nulle part… les infrastructures en assument la responsabilité collective. » Elle citait également les critiques du véganisme par Donna Haraway, déclarant que ce type de retrait favorisait la politique individualiste par opposition au changement collectif. Citant le livre The Tyranny of Structurelessness de Jo Freeman, elle soulignait que le pluralisme peut entraîner l’exclusion. Je lui demandais si l’on pouvait envisager cet argument à propos des actions sauvages d’Extinction Rebellion d’octobre dernier, où des activistes étaient montés puis avaient arrêté une rame du métro londonien qui traversait pourtant un quartier pauvre de la ville où les gens luttent pour trouver des emplois à bas salaire et sans contrat ? Elle approuvait et était également critique de ce type d’actions.

Vint le moment des alternatives aux béhémoths des réseaux sociaux. Roel Roscam Abbing et Aymeric Mansoux proposaient une présentation cohérente sur le cluster décentralisé et démocratique de médias sociaux Fediverse. Mis en place selon un cryptage élevé, il permet à tout le monde de pouvoir choisir d’utiliser l’un des « nœuds » spécialisés dans différents domaines, du partage de vidéos au travail du sexe, tels que Mastodon, Peertube et Funkwhale. Bien sûr, il y a des problèmes et les créateurs ont dû agir contre le harcèlement en ligne et les Alt-right et les trolls qui l’utilisent. Selon leurs propres mots, « Fediverse est ouvert à tous mais tout le monde n’est pas le bienvenu ».

Roel Roscam Abbing et Aymeric Mansoux durant Exchange #4: ‘Deplatformization and the Ethics of Exclusion’. Adam Berry, CC NC-SA 4.0

We Are Not Sick

Central au débat, nous engageant à concentrer nos esprits sur les problèmes réels des manières de nous connecter, fut le sermon presque religieux, ou, dans leurs mots la « blague théorique », « Sad By Design » de We Are Not Sick (Geert Lovink et John Longwalker). Avec un projecteur douloureusement puissant navigant la salle et aveuglant le public, s’en suivait une orgie de nihilisme web à coup de slogans mélancoliques comme « Désolé, je suis mort », « Joyeuse dépression à tous » ou encore « Épuisé par le monde en ligne ». Des images proposait un homme éreinté dans une position semblable à celle du Christ cloué sur un logo Facebook ressemblant à un crucifix et des images de personnes sniffant des « j’aime » comme de la cocaïne. Nous pouvons donc à peu près supposer que Lovink et Longwalker veulent que nous quittions tous Facebook et Twitter. Dans la discussion qui suivait cependant, ils indiquaient clairement qu’ils ne préconisaient pas le « romantisme déconnecté européen », les notions de « vraie vie » et de « vraies » communautés. En réalité les scientifiques et les psychologues employés par les géants des réseaux sociaux ont déjà pris en compte cette impulsion. Alors que faire ? Ils préconisent d’utiliser Fediverse, mais quelque chose de plus radical pourrait être nécessaire pour « s’ouvrir et parler de la dépendance, du désordre mental – beaucoup de gens détestent leurs applications mais ne peuvent pas les supprimer ». Encore une fois, il était suggéré d’adopter des stratégies militantes pour le climat et de bloquer les data centers et les fermes de serveurs. Dans une certaine mesure, le fond de tout cela est la grande histoire des cultures alternatives du net de l’époque post-1989 et des années 1990 et qu’on pouvait retrouver dans l’exposition de la Tansmediale « The Eternal Network ». C’était même porté à une forme de ridicule extrême dans Revision: List Server Busy. Full Digest Rescheduled de David Gaulthier, qui transformait l’archive entière des listes Nettime, Crumb, Empyre, Spectre et Syndicate en livres papier soigneusement reliés aux minuscules caractères nécessitant un microscope pour être lus.

Installation ‘The Eternal Network’, Luca Girardini. CC NC-SA 4.0
David Gaulthier’s ‘Revision: List Server Busy. Full Digest Rescheduled’. Rob La Frenais, CC NC-SA 4.0.

Dans « Neural Network Culture », Stephanie Dick décrivait les temps où des personnes, souvent des femmes, furent des « ordinateurs » pré-machine. Au début du développement de l’IA, « des personnes furent un jour l’unité de mesure de la machine », cartographiant l’intelligence humaine avec des machines conçues pour être comme des joueurs d’échecs ou des mathématiciens. Le scientifique Hao Wang conteste cette approche et déclare que les machines devraient ressembler davantage à des travailleurs et être des opérateurs sans imagination traitant des données à des vitesses de plus en plus élevées. Mais cette approche signifie que l’apprentissage automatique des mégadonnées hérite du biais social, où les ensembles de données sont traités par les paramètres que nous définissons.

J’ai pensé à cette histoire en regardant After Scarcity de Bahar Noorizadeh dans l’exposition par ailleurs plutôt mince et dominée par les années 90, « The Eternal Network ». Cet excellent essai vidéo de science-fiction retrace les tentatives de l’Union soviétique de construire une économie entièrement automatisée. Le gigantisme industriel et agricole centralisé était contrôlé simplement par des « ordinateurs » humains – des bureaucrates qui, à un moment donné, représentaient le quart de l’ensemble de la main-d’œuvre. Après la mort de Staline, certains scientifiques soviétiques ont réalisé que la cybernétique n’était pas une pseudo-science bourgeoise comme on le considérait précédemment, mais pouvait en fait être utilisée pour contrôler efficacement l’offre et la demande de biens en l’absence d’une économie de marché. Ce film utilise efficacement un mélange de types de représentation de données et de multiples slogans nous font traverser l’histoire de ce projet raté (les bureaucrates réalisèrent qu’ils allaient se retrouver sans emploi). Pendant ce temps, dans l’ouest décadent, ARPANET se développait dans une collaboration inhabituelle entre la science et l’armée et nous connaissons tous le reste de l’histoire.

Bahar Noorizadeh, ‘After Scarcity’ (Trailer):

 

Katharine Jarmul décrivait ses stratégies de « adversarial hacking » sur le capitalisme de surveillance dans lesquelles les images de reconnaissance visuelle d’une tortue pourraient être reclassées comme fusil, par exemple. Et si tout le monde se mettait à donner, par exemple, la même adresse « arsloch.de », à ces irritants formulaires d’accès Internet que nous devons tous remplir pour avoir accès au wifi public ? Ou si nous portions tous la même perruque et le même manteau pour les caméras de reconnaissance faciale ? Elle nous appelle, nous les humains, à faire de notre mieux pour « empoisonner » les systèmes d’IA dans notre vie quotidienne. Pendant ce temps, Tega Brain décrivait des tueurs de drones contrôlés par IA utilisés pour lutter contre les moustiques et concluait que l’indétermination des relations entre les systèmes naturels ne pouvait pas être prédite par l’apprentissage automatique (machine learning).

Au cours du débat final, la nouvelle directrice Nora O’Murchú présentait ses orientations de programme. Les futures Transmediale reflèteront la préoccupation collective face aux catastrophes climatiques, initieront une action collective et y feront face par de nouvelles infrastructures physiques pour aborder les réseaux. Faisant remarquer que le contexte de cette Transmediale était le jour du Brexit – un certain nombre d’entre nous se sont réunis à la porte de Brandebourg à minuit pour chanter en chœur un provocant Hymne à la joie – elle soulignait les préoccupations de l’Irlande face aux déclarations de « reprise du contrôle » du Royaume-Uni et déclarait que le retrait de l’UE sape directement le processus de paix.

Nora O Murchú durant la discussion de clôture ‘End to End’. Adam Berry, CC NC-SA 4.0

L’Internet comme Hyperobjet

Jussi Parikka s’intéressait davantage à l’émergence des discours sur le net dans les années 90, mettant l’accent sur le « quand et où » du réseau, comparant les réseaux passés aux canaux et télégraphes du 19ème siècle. Il proposait une épistémologie mondiale et une compréhension nuancée des réseaux à travers les sexualités et les espèces, affirmant que la neutralité des réseaux émerge d’une histoire décoloniale. Il ne s’agit pas de savoir comment cela fonctionne mais comment cela s’est décomposé. Dans les formes complexes d’activisme, comment pouvons-nous être radicalement publics ?

Rosa Menkman comparait ses données personnelles à un refuge sur une montagne dans une tempête de neige, citant le commentaire de Jorge Borges sur le personnage de L’Idiot de Dostoïevski, qui voyait les choses sur d’infinies échelles de référence, plus qu’en super-résolution. Il nous faut faire des compromis pour voir quoi que ce soit, une lentille, un filtre, un biais. Sans cela nous faisons face à des aberrations, il est impossible de faire la distinction. Mais si nous avons besoin de différencier, nous avons également besoin d’être conscients des biais et de nous entraîner à penser à travers les vecteurs. Au cours de sa résidence de 2 mois au CERN, elle a appris à « passer de compétences en compétences et à devenir une super-utilisatrice des réseaux ». Elle a conclu qu’il y avait trop de données, trop de paramètres. La connaissance est plus fluide.

Le directeur sortant Gansing déclarait qu’il n’existait pas de « chose » qui soit un réseau, la chose la plus proche étant l' »hyperobjet » de Timothy Morton. Nous vivons en parallèle de la dévastation, mais les données brutes en elles-mêmes restent intangibles. Le savoir secret de l’analyse des dommages climatiques doit être révélé. Geraldine Juárez concluait en déclarant que « les histoires de résistance existent bel et bien, mais les pouvoirs qui gèrent les infrastructures gagnent encore et toujours. » Un membre de l’audience a alors demandé : « Comment la Transmediale peut-elle servir le public autant que le fait le Chaos Computer Congress ? Faut-il proposer des ateliers pratiques pour aider à traverser les temps difficiles qui viennent ? » C’est ainsi que l’avenir de la Transmediale a été tracé. J’ai senti que cette forme de « net discourse » se déclarait finalement hors jeu.

Le théâtre Volksbünhe. Rob La Frenais, CC NC-SA 4.0.
Pause lors du symposium de la Transmediale. Rob La Frenais, CC NC-SA 4.0.

Le symposium se tient maintenant dans l’imposante Volksbühne, la nature tentaculaire et chaotique de la façon dont ce festival se répandait auparavant dans le labyrinthe brutaliste des années 60 de la Haus de Kulturen De Welt, attirant les Berlinois et les visiteurs, m’a manqué. Cette fois, il fallait un pass et un bracelet pour entrer dans le bâtiment, ce qui décourageait l’aspect communautaire de la Transmediale, autrefois un objectif social à cette époque de l’année pour Berlin. Le HKW, en revanche, lorsque j’ai visité l’exposition, semblait triste et vide. Peut-être que le temps de la vie toujours nomade des internautes vêtus de noir qui affluent régulièrement ici est-il révolu.

En savoir plus sur la Transmediale 2020.

Découvrez les 80 premières labellisations « Fabriques de territoire »

Détail de la carte des 80 premiers lauréats de l'AMI "Fabriques de territoire"
la rédaction

C’est depuis le Konk ar Lab de Concarneau dans le Finistère que Jacqueline Gourault, ministre de la Cohésion des territoires et des Relations avec les collectivités territoriales, et Julien Denormandie, ministre chargé de la Ville et du Logement, ont annoncé ce lundi 3 février la liste des 80 premiers labellisés de l’Appel à Manifestation d’Intérêt (AMI) « Fabrique de territoire ». Lancé en juillet 2019 l’AMI « Fabriques de territoire » a pour objectif « d’accompagner et d’accélérer la dynamique de développement des tiers-lieux dans les territoires » de métropole et d’outre-mer. L’ambition de l’État est de financer à hauteur de 45M€ sur trois ans le fonctionnement de 300 « Fabriques » : 150 « Fabriques de territoire » hors des grands centres urbains et 120 « Fabriques de territoire » et 30 « Fabriques numériques de territoire », dans les quartiers prioritaires de la politique de la ville.

Les labellisés « Fabrique de territoire » seront financés à hauteur de 75 000 à 150 000 euros sur 3 ans, à raison de 50 000 euros par an maximum. Les 30 « Fabriques numériques de territoire » bénéficient d’un financement supplémentaire de 100 000 euros.

Parmi les lauréats on retrouve des fablabs, hackerspaces et tiers-lieux dont Makery a pu déjà parler. Parmi ceux qui obtiennent le label « Fabrique numérique de territoire » pour leur action en quartier prioritaire on saluera le Konk ar Lab – déjà cité – du quartier de Kerandon à Concarneau, l’Electrolab de Nanterre, La Machinerie d’Amiens ou encore l’association Ping dans le quartier du Breil à Nantes. Dans les lauréats « Fabrique de territoire » on remarquera le Collectif Mu à Paris, le Fun Lab de Tours, la Friche Belle de Mai à Marseille, La Condition Publique à Roubaix ou Les Imaginations Fertiles à Toulouse.

La carte des 80 premières villes et quartiers où résident des lauréats de l’AMI « Fabriques de territoire ». DR.

La liste complète des 80 premiers labellisés st disponible sur le site de la Mission Société Numérique.

Les prochaines dates de dépôt pour les labellisations sont les 30 mars, 30 juin, 30 septembre pour 2020, et 30 mars, 30 juin et 30 septembre pour 2021.

L’activisme artistique «à la féminine», rencontre avec Cécile Babiole

Détail de l'affiche de l'exposition "Hadali et Sowana, Cyborgs & Sorcières" © Espace Multimédia Gantner

Roberte la Rousse, Wikifémia, Computer Grrrls, les expositions «Hadaly et Sowana : Cyborg et Sorcières» à l’Espace Gantner du Territoire de Belfort et « Reconfiguration des particules » au Bel Ordinaire à Pau, cette pionnière des cultures numériques est sur tous les fronts de l’activisme artistique «à la féminine».

Maxence Grugier

Makery a saisi l’occasion de la fin de l’exposition « Hadaly et Sowana, Cyborgs et Sorcières » à l’Espace Multimédia Gantner de Bourogne sur le Territoire de Belfort et de l’ouverture de « Reconfiguration des Particules » à l’espace d’art contemporain Le Bel Ordinaire à Billère dans l’agglomération de Pau pour s’entretenir avec cette artiste singulière pour qui la techno-critique (et la critique tout court), le détournement, l’appropriation et la réappropriation, l’autonomisation, mais aussi l’humour, sont essentiels.

Cécile Babiole. DR.

Makery : Parlons d’abord de l’exposition « Hadaly et Sowana, Cyborgs et Sorcières »…

Cécile Babiole : J’ai répondu l’an dernier à une demande de Valérie Perrin, directrice de l’Espace Multimédia Gantner, qui m’a proposé de travailler en tant que commissaire sur un évènement qui tournerait autour de L’Eve Future de Villiers de L’Isle Adam. C’est un livre que j’avais lu dans les années 90 et que j’avais apprécié à l’époque. Écrit en 1886, il a une approche originale de la technologie, c’est une des premières œuvres où apparaît par exemple le terme « androïde » (ou andréïde) dans son acception actuelle, etc. et cela rejoignait mes centres d’intérêts de l’époque, cela faisait le lien avec mes projets qui tournaient autour du rapport au corps dans un environnement technologique, ce genre de choses… (un peu comme quand je travaillais au sein du groupe de musique expérimentale Sensors Sonics Sights avec Atau Tanaka autour des nouvelles interfaces homme-machine pour produire du son). Mais en le relisant je me suis aperçue à quel point l’ouvrage était misogyne, sexiste et même raciste ! Il s’agit de l’histoire de Lord Ewald, un jeune homme amoureux d’une cantatrice très belle – mais idiote. Afin de la remplacer dans le cœur de son ami, l’ingénieur et inventeur Thomas Edison va alors fabriquer une réplique, une « andréïde », Hadaly, qui ressemble physiquement à la jeune femme, mais qui lui est intellectuellement supérieure ! On y trouve tous les thèmes misogynes : les femmes par nature sont imparfaites, mais « heureusement » elles sont perfectibles, grâce à des génies masculins ! Je me suis dit qu’il serait intéressant de partir de la base de ce texte pour riposter et créer une exposition qui élargirait la vision réductrice de la technologie telle qu’elle figure dans le roman et qui affirmerait : « la technologie n’est pas seulement l’apanage d’ingénieurs qui recréent les femmes (naturellement défectueuses) selon leurs fantasmes, mais aussi un ensemble de savoirs et de pratiques partagé par les femmes (sorcières, sages-femmes, guérisseuses, etc) et mis au service de la survie et du soin de la communauté depuis toujours. »

Retour sur l’exposition « Hadaly et Sowana, Cyborgs et Sorcières » à l’Espace Multimédia Gantner :

Du coup, l’exposition aurait été différente si elle avait eu lieu après votre première lecture dans les années 90, non ?

C’est vrai qu’à l’époque nous étions beaucoup moins préoccupés par ces questions. Même si j’ai toujours été féministe, ce sont des points que j’ai un peu délaissés, parce que comme beaucoup de gens qui ont la chance de faire des choses qui leur plaisent, je ne me sentais pas forcément victime. J’ai « oublié » d’être féministe pendant quelques temps donc (rire). Mais en relisant le livre, j’ai réalisé à quel point la vision de la technologie et des femmes qui y est proposé, est malheureusement actuelle ! On y trouve tous les stéréotypes qui ont cours aujourd’hui encore. Il faut aussi préciser que le livre est non seulement misogyne, mais aussi raciste. Ceci étant, on ne peut pas jeter la pierre uniquement à De l’Isle Adam, c’était l’époque qui voulait ça. C’était les idées en vogue alors, la fin du XIXème, la pleine époque de la colonisation, etc. Le problème c’est qu’on en retrouve beaucoup qui perdurent à l’heure actuelle. Donc, oui en effet, si j’avais été invitée à créer cette exposition dans les années 90, cela aurait été beaucoup moins critique, plus « cyber » certainement, plus enthousiaste et plus naïf.

Ce qui est intéressant également, c’est que vous unissez cyborg, l’être technologique par excellence que nous connaissons bien, aux sorcières, des personnes qui détiennent un savoir ancestral plutôt relié au passé et à la terre…

Ce n’est pas tout à fait moi qui en aie eu l’idée. Ce côté sorcière dont tu parles, est déjà présent dans le livre. En effet, c’est Sowana, un autre personnage du roman, une spirite, amie de Edison, qui insuffle une âme à l’andréïde Hadaly, laquelle devient ainsi une « vraie » femme. Il y a donc bien une sorte de sorcière, une spirite ici, dans l’œuvre originale. L’Eve Future est aussi intéressant pour cela. Le livre rappelle qu’à l’époque, des gens comme Edison, ingénieurs, inventeurs, étaient à la fois épris de rationalisme extrême, et en même temps très inspirés par tout ce qui était magie, spiritisme, etc. Il faut savoir que le vrai Edison, inventeur du phonographe, avait l’idée tout-à-fait sérieuse de réaliser un téléphone pour parler aux morts ! La dimension magique est donc là, avec cette approche occulte étrange. Je me suis donc appuyée sur ces deux thèmes, déjà présents, pour « Cyborgs et Sorcières ».

Affiche de l’exposition « Hadali et Sowana, Cyborgs & Sorcières » © Espace Multimédia Gantner

Finalement, les sorcières étaient les femmes de savoir de l’époque, jusqu’à il y a peu encore on les torturait et on les stigmatisait. Or, aujourd’hui le regard masculin sur les femmes investies dans les technologies, une autre forme de « magie », de science en tout cas, n’a pas vraiment changé : elles sont toujours stigmatisées, ostracisées, présentées comme « des geeks », des filles sérieuses à lunettes qui passent tout leur temps sur leurs ordis, etc.

Cela n’a pas changé, les femmes sont critiquées, peu reconnues, invisibilisée, dans beaucoup de milieux, scientifiques, techniques, mais aussi dans les arts, dans la musique etc. Et je me souviens l’avoir ressenti dans les années 80 quand je jouais dans un groupe de musique industrielle (NOX, avec Gérome Nox, Laurent Pernice, Arno, ndlr). Bref, la persécution des sorcières est emblématique d’une société patriarcale qui refuse que des femmes détiennent certains savoirs c’est-à-dire du pouvoir. Et d’ailleurs la figure de la sorcière comme symbole de l’empowerment des femmes ne date pas d’aujourd’hui, déjà les féministes des années 70 s’en étaient emparées avec par exemple la revue Sorcières créée par Xavière Gauthier en 1975.

NOX : Gerome Nox & Cecile Babiole – Théâtre Mouffetard, Paris. © Ph Bertramo

Alors justement, cette approche techno-critique et critique tout court, cette passion du détournement, de l’appropriation, de la réappropriation, de l’empowerment, donc, c’est essentiel dans votre démarche non ?

Pour l’exposition « Hadaly et Sowana », j’ai réuni des artistes qui réinventent les figures de la cyborg ou de la sorcière, comme autant de symboles de puissance, de résistance, d’ironie et d’utopie. Elles sont toutes d’origines et de générations différentes pour apporter un point de vue diversifié, et non-binaire. C’était par exemple important qu’il n’y ait pas que des Européennes blanches (et il faut préciser qu’il y a aussi des hommes dans l’exposition). C’est pour cela que j’ai invité Lynn Hershman Leeson, qui est la doyenne si l’on veut, et une pionnière américaine des arts médiatiques, aux côtés d’Aniara Rodado, une artiste colombienne d’une quarantaine d’années, qui lutte contre le « Witch washing » (c’est-à-dire la récupération médiatique et commerciale des sorcières) ou encore une artiste plus jeune, Tabita Rezaire, qui est franco-guyano-danoise, artiste et thérapeute et qui dénonce le caractère occidentalo-centré d’internet. Elles étaient présentées ici avec Suzanne Treister, Albertine Meunier, Annie Abrahams, Camille DucellierGwenola Wagon, Stéphane Degoutin, Agathe Joubert, Lola Perez-Guettier, Caroline Delieutraz, Kaori Kinoshita & Alain Della Negra, Julie Morel, ou feu-Christine Tamblyn.

L’exposition est aussi placée sous l’égide de la pensée de la philosophe et zoologue Donna Haraway, en particulier du fameux Manifeste Cyborg.

Donna Haraway est importante pour moi. Son travail a nourri « Hadaly et Sowana » dans sa réactualisation du féminisme par le biais des pratiques artistiques – ou autres – numériques, la façon aussi dont elle refuse le binarisme entre vivant et machine, humanité et environnement. Il y a d’ailleurs ce très intéressant documentaire de Fabrizio Terranova, Donna Haraway: Story Telling for Earthly Survival, où on la voit donner un exemple très parlant de sa théorie du cyborg. Elle est sur un campus et elle remarque que tous les jeunes gens ont des dents parfaitement droites. Et elle s’interroge : comment l’orthodontiste décide-t-il que son travail redressage des dents est achevé ? Où s’arrête l’humain, où commence le cyborg ? ». Je trouve son approche drôle et rafraîchissante. Elle sait trouver les bonnes analogies pour parler aux gens de son travail de philosophe.

A ce propos, pour l’exposition j’ai également sélectionné toute une série de livres, dont les grands textes de Haraway traduits en français. C’est important pour moi que les gens puissent s’approprier les idées qui sont à la base d’un évènement. La pensée de Haraway sur papier n’est pas forcément facile à comprendre tout de suite. Elle brasse beaucoup de références, elle mélange de la science-fiction avec de la théorie pure et dure… mais je pense toujours qu’il est important de soutenir la médiation, et j’ai aimé réunir cette bibliographie pour aider à diffuser les idées qui sous-tendent l’expo.

Tabitha Rezaire, « Inner Fire, Pimp Your Brain » © Tabitha Rezaire

Pour revenir au féminisme et pour aborder votre intérêt pour le langage, pouvez-vous nous parler de Wikifémia, la série de performances de Roberte la Rousse, que vous menez avec Coraline Cauchi, comédienne et Anne Laforet ?

Cela fait une dizaine d’années que je m’intéresse à la langue (déjà étudiante j’ai fait des études de linguistique et de lettres). J’ai réalisé des pièces sur la langue écrite, le processus de la lecture, mais aussi l’oralité, l’argot, les disfluences etc. Et aussi une pièce qui mettait en scène la parole de femmes de mineurs en Alsace, Les voix suspendues, qui s’est doublé d’un docu pour Arte Radio. Et puis avec Anne Laforet nous avions envie de faire un projet cyberféministe, et nous avons décidé de créer le collectif Roberte la Rousse, il y a bientôt 4 ans. Notre nom, Roberte la Rousse se réfère aux deux dictionnaires français bien connus. Notre caractéristique c’est que nous parlons en française, c’est-à-dire entièrement à la féminine. Nous avons créé des règles de grammaire, un dictionnaire, un outil de traduction automatique et nous nous sommes mises à traduire des textes. Nous avons tout d’abord traduit Le Votant (titre original : Franchise, une nouvelle de Asimov) que que nous écrivons « A votée » avec un « e », puisque selon nos règles, « les participes passées avec l’auxiliaire « avoir » étantes arbitrairement à la masculine en française patriarcale, elle faut donc utiliser arbitrairement la féminine en française ».

Extrait d’une nouvelle de science fiction de Isaac Asimov, traduite et lue en françaisE par Roberte la Rousse dans le cadre du projet artistique et critique de réappropriation de la langue française « En française dans le texte » (2017) :

 

Ensuite nous avons pensé à en faire une performance. Mais comme nous ne sommes pas comédiennes nous avons fait appel à Coraline Cauchi, qui est orléanaise, comédienne et metteuse en scène. Ça a été le premier élément d’un ensemble de propositions artistiques et critiques, que nous appelons En française dans la texte à travers lequel nous dénonçons le sexisme de la langue française et de sa grammaire. Se posait ensuite la question : que traduire maintenant ? Rapidement il nous est apparu que traduire en française des textes littéraires poserait des problèmes de droit moral et aussi de droit tout court. Aussi nous avons décidé de nous attaquer intéresser à Wikipédia. Notre intérêt pour Wikipédia est motivé par le fait qu’il s’agit d’un lieu essentiel de production et de diffusion du savoir (c’est le 5ème site la plus consulté sur Internet et la premier site non commercial). Mais bien que basé sur un principe de neutralité, la production du savoir sur Wikipédia ne l’est pas tout à fait. Par exemple, en 2019, parmi les biographies présentes sur la version francophone de Wikipédia, 17% sont consacrées à des femmes et entre 10% et 30% seulement des contributeurs à Wikipédia sont des femmes. Et si vous allez sur l’article consacré à George Sand, par exemple, vous vous rendrez compte qu’elle n’est pas traitée comme ses collègues masculins. Victor Hugo bénéficie de pages bien construites et argumentées sur son œuvre, Sand, qui est sa contemporaine et qui écrivait des best-sellers avec plus de succès que lui n’a qu’une liste de ses ouvrages sans aucune analyse et l’accent est principalement mis sur sa vie amoureuse, sa relation avec Chopin et ses autres amants. C’est ce genre de biais qui nous gênait et nous a donné l’envie de travailler sur la matière de Wikipedia et de nommer le projet Wikifémia.

Notre travail dans ce cadre c’est mettre en avant des biographies de femmes remarquables, critiquer l’approche parfois sexiste et hétéro-centrée des fiches et biographies présentes et contribuer à faire qu’il y ait plus de femmes représentées sur Wikipédia, pour laquelle nous sommes également contributrices en tant que Roberte la Rousse. A ce titre, nous travaillons aussi avec Les Sans Pages, une association qui a pour but de combler le fossé entre les genres. Dans notre projet Wikifémia nous mettons donc en scène des performances, qui alternent des extraits d’articles traduits « à la féminine » auxquelles viennent s’ajouter nos notes, nos commentaires et nos critiques. Nous le faisons sous forme spectaculaire, avec Coraline Cauchy dans des théâtres, et aussi dans des galeries, juste Anne et moi, en déambulation, de façon plus légère.

Cécile babiole et Anne Laforet, la duo de Roberte la Rousse. DR.
Anne Laforet, Coraline Cauchy et Cécile Babiole lors d’une représentation de Roberte la Rousse à l’Houlocène de Bourges. DR.

Ces préoccupations de la place des femmes dans le paysage culturel, mais aussi dans le monde technique et technologique, sont aussi au cœur de « Computer Grrrls », l’exposition de cet été qui auscultait la place des femmes dans la culture numérique, et où vous étiez invitées Anne et vous…

« Computer Grrrls » est un évènement qui est né à l’initiative de Marie Lechner, qui est responsable de programmes artistiques à la Gaîté Lyrique. Elle y a invité vingt-trois artistes et collectifs internationaux pour délivrer un regard critique sur les technologies numériques et la place des femmes. L’exposition présente et revisite l’histoire des femmes et des machines, en esquissant des scénarios pour un futur plus inclusif. Dans ce cadre, nous étions invitées avec Anne à présenter une performance Wikifémia, Computer grrrls sur la place des femmes dans l’histoire de l’informatique justement ! Nous présentions aussi une installation interactive permettant de naviguer à travers des biographies de femmes remarquables telles qu’elles figurent dans les articles de Wikipédia. Ce programme, permettait d’avoir une visualisation documentée d’un réseau de 400 femmes liées de près ou de loin à l’histoire de l’informatique : programmeuses, mathématiciennes, hackeuses, etc. Bien sûr, cela ne représente pas toutes les femmes dans ce domaine, Wikipédia n’a retenu que les plus médiatisées !

« Computer Grrrls » à la Gaîté Lyrique. © ABSOLT
« Reconfigurations des particules » au Bel Ordinaire à Pau. © Patrice Martins de Barros/Bel Ordinaire

Vous avez également une actualité puisque vous êtes co-commissaire de « Reconfiguration des Particules », une exposition qui se tient actuellement au Bel Ordinaire, et jusqu’au 31 mars 2020. Pouvez-vous nous en expliquer la genèse et les tenants et aboutissants ?

Depuis une dizaine d’années, je fais partie d’un collectif d’artistes-commissaires, Le Sans Titre, avec Cécile Azoulay et Julie Morel. Ensemble nous avons réalisé plusieurs expositions sur différentes thématiques. Parmi lesquelles « Le Territoire, la Carte » au Bel Ordinaire à Pau, il y a trois ans, autour de l’idée de « la mise à plat », au sens aussi bien de décortiquer une œuvre, que de littéralement la « mettre à plat » physiquement, l’aplatir. Nous y avons présenté notamment Tabula rasa, une installation qui mettait en place une mégalopole miniature et minimaliste composée de 500 petits parallélépipèdes de carton blanc qui attendaient de se faire écrabouiller par le public le soir du vernissage lors d’une performance collective. Aujourd’hui, toujours au Bel Ordinaire, nous avons réalisé « Reconfiguration des Particules », une exposition autour de la matière conçue comme corpusculaire, particulaire, etc., placée sous l’égide de La Broyeuse de Chocolat de Marcel Duchamp interprétée comme une métaphore de ce qu’est la matière, soit « un état de granulat ». L’autre idée qui nous a influencées est très bien présentée par le film de Gwenola Wagon et Stéphane Degoutin, Cyborg dans la brume, dont le propos est en partie : « la Seine-Saint Denis c’est l’endroit où l’on a inventé le béton armé et aussi le lieu qui héberge le plus de Data Centers ». Du coup, on se dit que des particules concrètes (comme concrete, le béton en anglais) et des flux de particules d’informations il n’y a qu’un pas. C’est cette granularité commune à la matière et aux données qui constitue le thème de l’exposition.

En savoir plus sur Cécile Babiole.

« Reconfiguration des Particules » est visible à Pau au Bel Ordinaire jusqu’au 31 mars 2020.

Volumes, de Place des Fêtes à Mouzaïa, le pari de l’écosystème

L'espace co-working de Volumes © Stefano Borghi

Volumes, niché dans le 19ème arrondissement de Paris, est un espace collaboratif regroupant co-working, makerspace et foodlab à destination de professionnels du champ créatif et numérique. Le tiers-lieu s’engage aujourd’hui vers un second espace rue de Mouzaïa, au pied du métro Pré-Saint-Gervais.

Arnaud Idelon

Petite rue en dévers de la bouillonnante Place des Fêtes, il faut sonner à la porte d’un immeuble de petite taille pour pénétrer dans cette cour dallée où graphistes, makers, éditeurs, cuisiniers et autres indépendants terminent une pause cigarette, improvisent une réunion à l’air libre ou passent leurs appels.

L’impression première avant de pousser la porte de Volumes Coworking est celle d’une agitation constante. Sentiment confirmé à l’intérieur : sur la gauche une salle de réunion occupée par trois personnes en plein brainstorm, symétrie parfaite dans la cuisine à droite (le FoodLab) occupé par de petites grappes de travailleurs en réunion au pied levé. Plus loin, après les ateliers privatifs, on pénètre dans l’open space où une trentaine d’indépendants, studieux, s’affairent silencieusement pianotant derrière leurs écrans. On devine presque l’écho des machines du makerspace, au fond de la salle, avec les imprimantes 3D, la fraiseuse numérique et d’autres machines qu’actionnent des étudiants de l’ENSA Paris-Malaquais dans le cadre de leur semaine intensive de fabrication numérique.

L’entrée discrète de Volumes © Stefano Borghi
Pause déjeuner au FoodLab de Volumes © Stefano Borghi
Les volumes de chez Volumes © Stefano Borghi
Lors de l’atelier de l’ENSA Paris-Malaquais. DR.

Volumes : expérimentation, impact et croissance organique

Volumes, niché dans le 19ème arrondissement, est un espace collaboratif regroupant espace de coworking, makerspace et foodlab. Porté par six associés aux profils et compétences diverses, Volumes est un lieu de travail également centre de gravité pour le quartier avec ses open days des ateliers du lundi, ou ses ventes de paniers bios quand ce ne sont pas les usagers du FoodLab qui ouvrent leurs portes à des gourmands beta testeurs ou à des particuliers pour des cours de cuisine. Francesco Cingolani, architecte et co-fondateur de Volumes, raconte qu’un coworker s’est installé à 50 mètres d’ici et y a acheté son appartement, du fait de la présence de son futur lieu de travail : Volumes. Une certaine idée de l’ancrage territorial. Créé il y a quatre ans dans la continuité d’un projet d’aménagement d’un place publique en Norvège sur lequel Francesco Cingolani était le maître d’ouvrage, Volumes naît du désir d’un lieu physique favorisant l’implication des habitants, un « lieu où les citoyens pouvaient plébisciter, faire remonter leurs envies, besoins et potentiels usages. » Depuis, Volumes met au cœur du projet l’expérimentation constante tandis que le lieu mute en fonction des usages des résidents. « On voulait que les gens viennent chez nous et expriment leurs besoins, et qu’à partir de cela on fasse évoluer le projet. Pendant 4 ans, on a fait les choses de manière organique (on ne savait pas qu’il y aurait un food lab au départ) » raconte ainsi Francesco, pour qui la recherche de l’impact territorial du projet est primordial.

Très vite, Volumes se dote alors d’une cuisine professionnelle partagée permettant à des traiteurs émergents, partisans d’une approche locale du sourcing de leurs produits, d’affiner leur offre, de tester la viabilité de leur modèle économique et d’enregistrer les premiers retours des usagers de Volumes, des voisins conviés aux événements portes ouvertes ou encore aux participants aux cours de cuisine qui se déploient ici en soirée. Pour intégrer l’espace de co-working, les travailleurs déboursent entre 25 euros la journée et 390 euros le mois (pour un bureau fixe), et bénéficient de tarifs préférentiels si domiciliés à moins d’un kilomètre de Volumes. Le makerspace est accessible pour des résidences mensuelles aussi bien que des petits travaux à l’heure.

Le FoodLab, centre névralgique de Volumes © Stefano Borghi
Design culinaire au FoodLab. Cocktail lumineux par Yuan Yuan Studio. © Stefano Borghi

Au total, l’espace abrite une cinquantaine de designers, architectes, urbanistes, éditeurs, artisans, makers, chefs ou encore graphistes, experts en civic tech ou en dataviz, une petite dizaine de makers résidents (Damien Coquet, Milkywood, Unwasted, Ublik, Raphaël Emine (céramiste), Stéphane Malka Architecture, Deltaboard) et cinq traiteurs indépendants (des confections éco-responsables de PLUCHE aux cocktails haut de gamme de Nighthawks…) qui participent à la vie du lieu et à son ébullition constante dans les traces de l’hyperactif Francesco et de la vision qu’il déploie : l’ancrage d’outils productifs en cœur de ville. Avec, souligne Francesco, une attention particulière au faire ensemble et à la mixité des publics, la production n’étant peut-être qu’un prétexte pour construire la ville de demain. « Notre volonté c’était que produire des choses ça a une valeur économique, mais aussi celle de créer du lien, de la convivialité. Notre vision de la ville productive, c’est production, écologie, mais ce qui nous anime c’est surtout créer de la rencontre et de lien grâce à l’outil de production. On a pas créé un lieu pour créer un lieu, on a créé un lieu pour changer la ville. » Et alors que les sollicitations se multiplient pour dupliquer ailleurs un modèle qui a fait ses preuves, Francesco tient à ce que la dimension expérimentale et organique du projet puisse continuer à teinter la croissance de Volumes. « Est-ce que ça nous intéresse de lever 10 million d’euro et de monter 5 lieux ? Cela ne correspondait pas trop à nos contenus et valeurs. On a cherché d’autres voies et aujourd’hui c’est celle de l’écosystème territorial qui prévaut. » Aujourd’hui, le projet d’agrandissement de Volumes passe ainsi par l’animation d’un second lieu à quelques centaines de mètres de la ruche de Place des Fêtes, mais surtout par des synergies avec d’autres projets voisins. « Grandir, c’est aussi transformer la gouvernance de Volumes, passer en fonctionnement plus inclusif pour nos usagers et faire fructifier et valoriser tout l’écosystème qu’on a construit en cinq ans. »

Sous les toits à Volumes © Stefano Borghi
En été on se réunit aussi à l’extérieur © Stefano Borghi

Un second lieu à Mouzaïa : brutalisme, convivialité et hybridation

A la suite d’un appel à projet de la RIVP (Régie Immobilière de la Ville de Paris) pour sélectionner les opérateurs d’un espace de co-working, Volumes investira ainsi une nouvelle adresse – Rue de Mouzaïa – non loin de ses bases à compter de septembre 2020 pour un projet pérenne. Deux numéros, deux bâtiments et des années d’histoire. Le 66 de la Rue de Mouzaïa est un ancien atelier de fabrication de machines à coudre conçu par Pierre Sardou et Maurice Chatelan, reconverti en bureaux puis en centre d’accueil pour l’armée du Salut. Le passé industriel du site est sensible sur l’architecture actuelle. Jouxtant le 66, le 58 est l’un des derniers vestiges à Paris intra-muros de l’architecture brutaliste, imaginé par l’architecte Claude Parent, l’un des grands noms de ce courant faisant l’éloge de la rugosité du béton et de ses lignes pures.

Ancien squat d’artistes (Le Bloc), le site regorge de fresques de street art qui en ont fait un des hauts lieux de visite underground de la capitale ces dernières années. Les deux bâtiments sont ainsi concernés par un plan de renouvellement urbain qui place au cœur l’héritage du site et la pluralité des activités, en prévoyant d’accueillir, à l’automne 2020, un CROUS, de l’hébergement d’urgence, des ateliers d’artistes et un espace de co-working, géré par Volumes. Dans la continuité de ses activités Place des Fêtes, Volumes y ouvrira un espace de travail partagé dont l’orientation est pensée davantage corporate (séminaires d’entreprises, bureaux privatifs pour entreprises) sur le positionnement thématique actuel (alimentation, fab city, tiers-lieu, open innovation). L’architecture est confiée aux studios Wao (membres du réseau Fab City Grand Paris) tandis que le projet Re-Store (déjà l’objet d’un article dans Makery) intègrera une logique de réemploi dans le design intérieur de l’espace. Le grand défi sera, de l’aveu de Francesco, de travailler en partenariat avec les autres entités présentes sur le site et d’imaginer ainsi des synergies. Le FoodLab, par exemple, intégrera un programme d’autonomisation par la cuisine pour les résidents accueillis sur le site par et notamment au sein du centre d’hébergement d’urgence géré par l’Armée du Salut. « Ce qu’on sait faire c’est faire dialoguer les parties, et créer une énergie mutualisée entre acteurs » formule ainsi Francesco, qui a négocié pour que le hall d’entrée du bâtiment soit animé par Volumes. « C’est l’espace où l’on va pouvoir toucher la communauté d’étudiants, les artistes, les hébergés d’urgence. »

Le bâtiment Mouzaïa © RIVP

Du multi-site à l’écosystème, renforcer l’impact territorial des projets

D’un site à l’autre, la croissance de Volumes l’engage à réfléchir sur les modalités de son développement, avec, au coeur, la notion d’écosystème. « Le projet de Mouzaïa n’est qu’une excuse pour amorcer un travail plus large sur le territoire de constitution et de formalisation d’un écosystème qui existe mais qui est très fragmenté aujourd’hui » annonce ainsi Francesco, citant la plateforme de recherche et d’expérimentation Fab City Grand Paris regroupant créateurs, architectes, designers, agriculteurs urbains autour d’une ville en transition vers un modèle productif et circulaire et fédérant des acteurs du Grand Paris comme Volumes, Woma, Ars Longa, Vergers Urbains, Homemakers, Noise la Ville, CivicWise, La Paillasse, le collectif MU ou encore OuiShare. De Place des Fêtes à Mouzaïa, la période est propice à la gestation de synergies entre acteurs du territoire, voisins ou moins voisins, autour de l’idée d’un territoire en transition (numérique, sociétale, écologique) et dont le Nord Est parisien est un terreau fertile eu égard au nombre d’acteurs et d’expérimentations.

Volumes est un acteur central de la plateforme de recherche et d’expérimentation Fab City Grand Paris © Ewen Chardronnet

L’ancrage territorial du projet Volumes passe ainsi par le renforcement du réseau de proximité initié de manière informelle avec ses voisins Woma ou plus formelle avec le réseau Fab City Grand Paris, et de le faire atterrir sur des lieux physiques de rencontre et d’expérimentation. « Le fait d’avoir un lieu de rassemblement et de proximité est central. Le numérique ne diminue pas le besoin de proximité et nos cinq ans d’expérimentation ne font que le confirmer » explique ainsi Francesco, partie prenante de deux projets européens au carrefour du design et de la fabrique de la ville (le projet Distributed Design Market Platform qui fédèrent le mouvement maker autour du design distribué et à l’échelle européenne, et le projet Reflow dédié à la résilience urbaine et la coopération multi-acteurs dans la fabrique de la ville). Un autre projet européen, récemment remporté par le consortium Centrinno vise à développer des outils pour le maintien de petites entreprises artisanales et productives en cœur de ville et impulsera avec Volumes un incubateur foodlab tourné vers l’économie sociale et solidaire (ESS) et les circuits courts (produits cultivés à Paris sur les sites de Vergers Urbains).

Réunion à Volumes autour du projet Mouzaïa © Ewen Chardronnet

Dans cette volonté de mise en réseau, Volumes bénéficie d’un alignement des astres géographique et calendaire avec l’émergence d’un projet voisin avec lequel initier échanges et coopérations. Le projet de tiers-lieu Oasis 21 est initié par l’association Colibris entre autres partenaires, dans la Halle aux cuirs, ancienne usine de tannerie nichée au cœur de la Villette et aujourd’hui lieu de stockage des différentes institutions culturelles du parc. Suite à un appel à projet de l’établissement public du Parc de la Villette lancé il y a deux ans, la coopérative Oasis 21 accèdera à l’automne 2020 à 1500m2 de l’ancienne usine qui sera reconvertie en bureaux partagés pour des structures au carrefour de l’engagement écologique et citoyen. De la rencontre entre Volumes et Oasis 21 naît une volonté, selon Cédric Mazière d’Oasis 21, de « créer une communauté ancrée dans l’ESS avec cette couleur écologique et citoyenne. » Entre ces structures qui apprennent à se connaître, la mutualisation et la complémentarité président à leur rapprochement et à des projets en commun. « Aujourd’hui, les communautés sont visqueuses. Il faut raisonner en termes de réseau à l’échelle d’un territoire plutôt que dans un esprit concurrentiel. C’est beaucoup plus intéressant pour tout le monde » résume ainsi Cedric Mazière. L’occasion aussi pour Volumes de se consacrer à la recherche et à la création de contenu en faisant un pas en arrière sur la gestion de lieux, qui pourra être transférée à Oasis 21.

Francesco et Cédric imaginent une offre commune entre les deux lieux – des formations, événements et conférences – permettant de mutualiser un emploi de coordination et d’animation de la communauté. Si la proximité géographique entre ces deux projets amenés à se rapprocher joue beaucoup, la proximité en termes de valeurs communes et de champs d’expérimentation proches sont au cœur de cette vision d’un écosystème grand parisien fédéré autour de la nécessité d’une ville plus résiliente, inscrivant la production en cœur de ville au sein de territoires apprenants et innovants, tirant parti des forces actives des acteurs en présence. « Créer un réseau d’acteurs productifs interconnectés en un écosystème c’est la vision de Fab City Grand Paris que nous défendons » explique Francesco, « il faut densifier et rendre visible ces réseaux ».

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