Marcher les questions : un lent voyage en costume trois pièces

Walking the Meseta in Castile y León (after rescuing a man suffering from heatstroke). © Monique Besten

Au début de cette année, Rewilding Cultures a lancé une conversation pour repenser la mobilité et l’échange culturel en proposant une bourse. Monique Besten en a été l’une des bénéficiaires. Elle partage son expérience.

Monique Besten

Quel est mon territoire ? Quel est le vôtre ? Que signifie l’appartenance ? Qu’est-ce que vous possédez vraiment ? Où se trouve le sauvage ? Comment écouter les voix non humaines ? Quel est le pouvoir de la lenteur ? La meilleure façon de répondre à ces questions est de les vivre et, pour ce faire, j’ai entrepris un voyage lent avec des moyens simples à travers le nord de l’Espagne, de ma maison à Barcelone jusqu’à la Fonderie en Galice. J’ai passé six semaines principalement à pied, me déplaçant attentivement à travers le monde pour rencontrer des personnes, des lieux, des êtres non humains, afin de trouver de nouvelles histoires et de nouvelles questions.

La Fonderie de Galice est un espace à but non lucratif destiné aux artistes, écrivains, artisans et autres créateurs qui cherchent à travailler en dehors des limites institutionnelles du marché et de l’université. Contre l’abstraction et la marchandisation du travail créatif et intellectuel, le lieu souligne que la pensée critique est un mode de vie enraciné dans l’engagement des uns envers les autres et envers l’environnement. La Fonderie est un projet collectif et auto-géré, où tout le monde est le bienvenu et où chacun utilise et prend soin d’un espace partagé de manière non hiérarchique. J’ai reçu le soutien de Rewilding Cultures, un projet qui veut repositionner le sauvage après le COVID et se concentrer sur l’inclusion et l’écologie dans le domaine de l’art, de la science et de la technologie : « Nous ne pouvons pas revenir au statu quo, surtout en termes de pollution et de problèmes d’inclusion importants non résolus. Nous devons redonner vie à la nature dans des conditions adaptées au présent et à l’avenir. »

J’ai marché dans le costume d’affaires trois pièces que je portais quotidiennement depuis un an et que j’ai brodé de questions que les gens m’ont posées en m’interpellant sur les médias sociaux ou en me rencontrant en train de marcher en costume. Le costume confère à la marche un aspect performatif et, à chaque nouveau projet de marche en costume (celui-ci est le numéro 8), une nouvelle signification est ajoutée à l’ensemble de l’œuvre. Il aborde l’écologie, la politique, les questions de genre, le capitalisme, l’extérieur contre l’intérieur (comment nous traitons les apparences), l’histoire de la marche et bien d’autres choses encore. En marchant les questions, j’en ai collecté de nouvelles et j’ai engagé des conversations avec les personnes que j’ai rencontrées. Il y avait cependant une question centrale à la marche : « Comment habiter un territoire ? ». Ce n’était pas la question la plus importante. Toutes les questions étaient aussi importantes les unes que les autres et chaque question était liée aux autres d’une manière ou d’une autre.

Broderies sur le costume. © Monique Besten

Quel est le nom de vos voisins ? Qu’est-ce que le succès ? A quel moment est-ce suffisant ? Comment fait-on pousser les choses ? Qu’est-ce qui compte le plus ? Quelle est la frontière que vous ne franchirez jamais ? J’avais quelques réponses, mais il n’est jamais plus important de trouver des réponses que de vivre les questions : « Vivez maintenant les questions. Peut-être en viendrez-vous à vivre peu à peu, sans vous en rendre compte, un jour lointain, l’entrée dans la réponse.» (Rainer Maria Rilke, Lettres à un jeune poète).

Je suis parti avec, ou dans une question. L’homme à qui j’ai demandé de me prendre en photo après être sortie du couloir de ma maison pour aller dans la rue par une chaude journée d’été de la deuxième semaine de juillet m’a dit : « Ne fait-il pas trop chaud pour marcher ? »  « Oui », ai-je répondu, « et si nous ne faisons pas attention, il fera bientôt trop chaud pour vivre ». Je ne savais pas alors que juillet 2023 allait être le mois le plus chaud jamais enregistré sur Terre – et probablement le plus chaud depuis environ 120 000 ans. C’était sans aucun doute la journée la plus chaude que j’aie jamais vécue lorsque, une semaine plus tard, je me suis promenée dans Aragon par 46 degrés. La nuit, la température ne descendait pas en dessous de 30 degrés et les moustiques étaient impitoyables. La terre était sèche, sauf dans les régions où l’on produisait des fruits et où l’eau coulait comme si elle était en quantité illimitée. Les fruits sont immangeables : ils sont cueillis alors qu’ils ne sont pas encore mûrs et arrivent dans les supermarchés encore durs comme de la pierre, car ils peuvent ainsi être vendus plus longtemps. La main-d’œuvre est essentiellement composée d’immigrés : Je les ai vus être transportés dans des wagons découverts vers les champs, vêtus de pulls, manifestement habitués à des températures encore plus élevées que celles d’ici.

La première semaine, il a été difficile de se frayer un chemin dans le réseau routier qui traverse la partie la plus densément peuplée de la Catalogne. L’Espagne a été le dernier pays d’Europe occidentale à connaître le dépeuplement et les vestiges d’une infrastructure ancienne sont encore présents, mais comme dans tous les pays, les zones entourant les grandes villes sont dominées par les voitures, les autoroutes et les voies ferrées. J’ai marché dans le lit des rivières, le long des autoroutes, j’ai traversé des villages, je suis parfois revenu sur mes pas et j’ai fait des détours lorsqu’il devenait impossible de rester sur une route très fréquentée. L’absence de planification faisait partie de l’entreprise. Dans une société où tout est question de progrès, d’atteindre des objectifs le plus rapidement possible, de prendre des raccourcis et de viser le plus grand gain, le fait d’être lent, d’improviser, de faire avec ce que le monde met sur votre chemin, de prendre le temps, est perçu comme un acte révolutionnaire. Marcher en costume d’affaires a également été interprété de la sorte, bien que la première fois que j’ai marché en costume, ce n’était pas parce qu’il s’agissait d’un symbole capitaliste : c’était parce que j’avais lu que lorsque les gens ont commencé à porter des costumes, ils étaient – et sont toujours – appelés costumes de marche trois pièces, souvent portés comme vêtements de loisir. Je voulais savoir si ce qu’on appelle un costume de marche trois pièces était encore adapté à la marche et il l’est, si vous ne craignez pas qu’il soit taché et usé. Dans les premières pages de Walden, Thoreau écrit : « Sans doute ne devrions-nous jamais nous procurer de nouveau costume, si déguenillé ou sale que soit l’ancien, que nous n’ayons dirigé, entrepris ou navigué en quelque manière, de façon à nous sentir des hommes nouveaux dans cet ancien. » Ce qu’il y a de mieux dans le fait de porter le costume, costume et uniforme, c’est que je peux être n’importe qui avec et que cela invite d’autres personnes à s’approcher de moi et à commencer des conversations.

Lors d’une longue promenade dans le monde, tout a la même valeur. Se promener dans une ville est aussi important, aussi instructif, aussi sauvage que se promener dans une forêt. Une rencontre avec une personne n’est pas plus profonde qu’une rencontre avec une plante ou une pierre. Les morts sont là autant que les vivants. Le bien et le mal sont des termes abstraits, tout comme le beau et le laid. Il est impossible d’éviter la civilisation – même lorsque vous vous trouvez dans la partie la plus reculée et la plus intacte du monde, elle fait toujours partie de vous, un humain qui a été élevé d’une manière spécifique – mais vous pouvez être là, ou du moins essayer, selon vos propres termes. Contournez les règles, écoutez ce que vous dit votre instinct, évitez d’être efficace au sens capitaliste du terme, agissez lentement et sans planification, interagissez avec des êtres non humains. Soyez la nature que vous êtes. Chaque instant est vécu, demain n’est pas une préoccupation, une semaine est une éternité.

L’un des nombreux pigeonniers aux formes les plus étonnantes de Castile y León. © Monique Besten

Quelques rencontres mémorables, mais il y en a eu beaucoup chaque jour : des cigales bruyantes dans les arbres au milieu d’une grande ville, Lolita, 86 ans, qui marchait avec le pas et le sourire d’une petite fille, un groupe de sangliers curieux qui m’ont fait grimper dans un arbre au milieu de la nuit, des plantes de calendula le matin après une chute douloureuse, un homme qui gagnait sa vie dans la rue et qui partageait son déjeuner avec moi, des vautours volant en rase-mottes au-dessus de ma tête par plus de 40 degrés, une petite grotte avec vue sur la mer lors de la dernière nuit passée à l’extérieur, des enfants reconstituant la course des taureaux, l’habitat des Néandertaliens, d’innombrables galets créant le son le plus magnifique là où une rivière rencontre la mer, un homme gentil qui m’a ouvert sa maison et qui s’est avéré croire que les animaux n’ont pas de sentiments et que le changement climatique n’existe pas, un cerf qui a croisé mon chemin à la périphérie d’une grande ville alors que j’étais submergé par la quantité de panneaux de signalisation pour les pèlerins de Compostelle et que je me demandais si j’avais pris la bonne décision en suivant ce chemin, une employée de magasin qui m’a offert des pêches juteuses, un petit étang par une chaude journée, un parc dédié à la mémoire des villages abandonnés, un groupe de pèlerins passant une demi-heure sur leur téléphone pour trouver le meilleur restaurant dans un village que l’on peut traverser en 10 minutes, des montagnes qui me surveillent, les habitants d’un bar de bord de route qui m’accueillent comme une amie, une renarde qui s’approche si près que je pourrais presque la toucher.

J’ai traversé la Catalogne, l’Aragon, la Navarre, la Rioja, la Castille et le Léon, les Asturies et la Galice. La plupart des nuits, j’ai dormi dehors, dans des forêts, des vergers, de vieilles granges, des champs ; il y a eu des soirs où j’étais fatiguée et où je cherchais un endroit avec un bon lit ou un camping avec des douches chaudes et un sommeil tranquille, mais je pouvais résister au paysage et je me suis retrouvée à marcher, pour pouvoir me réveiller avec des oiseaux qui volent dans les arbres et une vue sur les montagnes et pour chercher des plantes et des fruits sauvages pour le petit-déjeuner.

Dormir dans une ferme abandonnée, Asturias. © Monique Besten

Il n’a jamais été question d’arriver quelque part, mais à un moment donné, j’étais presque à destination. C’est l’un des moments les plus étranges d’une longue marche, après avoir traversé des montagnes et des plaines, rencontré des centaines de personnes, dormi dans les endroits les plus confortables et les plus inconfortables, et puis un matin, il ne reste plus que 36 kilomètres, 25, 13, 7, 3, 5, 3 (comment diable ai-je pu prendre un mauvais virage dans les deux derniers kilomètres ?) et voilà, j’y étais, dans une ancienne usine sidérurgique au milieu d’une petite vallée.

D’une certaine manière, cela ne m’a pas semblé différent que d’arriver à un autre endroit après une journée de marche. Je suppose que j’ai accompli quelque chose en arrivant à un endroit après avoir parcouru environ 1400 kilomètres, dont environ 700 à pied. Pourtant, la distance est une question secondaire, il ne s’agit pas de réaliser une marche, un voyage lent, c’est seulement une façon d’être. D’être à, d’être dans, d’être près de, d’être sous, d’être tout simplement. Désormais j’étais ici, pour rencontrer de nouvelles personnes et participer à un programme d’une semaine sur le thème « Territoire au-delà de l’État et de la propriété ».

Après l’arrivée à The Foundry. © Monique Besten

Entre les conférences et les ateliers sur les différentes façons de vivre ensemble, les relations symbiotiques entre la nature et les systèmes humains, la fermentation, la voiture en tant que principal moteur et incarnation de l’Homogenocene, les présentations des résidents ukrainiens de la Fonderie, le travail en commun dans le jardin, les projections de films et les présentations de livres, j’ai partagé les premières impressions de mon voyage.

Le plus important, c’est la marche elle-même, ce spectacle subtil dans lequel les gens que j’ai rencontrés étaient autant mon public que je l’étais le leur. Ce qui reste, ce sont beaucoup de traces invisibles et des histoires sur le temps que nous avons passé ensemble, qui sont mémorisées et peut-être racontées dans d’autres contextes. Quelques histoires, pensées et images ont été publiées sur le blog consacré à ce projet – principalement pendant la marche, de sorte que j’étais présente à la fois ici et maintenant, mais aussi partout, toujours à travers le world wide web – et des écrits plus approfondis seront publiés à l’avenir. Le projet a été nominé pour le prix Marŝarto 2023 pour l’art de la marche exceptionnel (les gagnants seront annoncés en 2024).

Plus d’informations et d’articles ici : https://asoftarmour8.blogspot.com/

Monique Besten est bénéficiaire d’une bourse de mobilité octroyée dans le cadre du projet de coopération Rewilding Cultures cofinancé par le programme Europe créative de l’Union européenne.

Résidence de recherche sur les cellules Grätzel à Hackteria : rencontre avec Shih Wei Chieh (2/2)

Shih Wei Chieh et son installation artistique DSSC "The Mind of A Greenhouse" à Awareness in Art, Zurich. Avec l'aimable autorisation de R.E.C.

L’artiste et chercheur en design taïwanais Shih Wei Chieh était en résidence de septembre à novembre au hackerspace Bitwäscherei à Zurich. Au cours de sa résidence, Shih Wei Chieh a poursuivi ses travaux de recherche sur les cellules solaires à pigment photosensible, un système photoélectrochimique inspiré de la photosynthèse des plantes qui, lorsqu’il est exposé à la lumière, génère de l’électricité. Les cellules de ce type sont parfois appelées cellules Grätzel, en référence à leur concepteur, Michael Grätzel, de l’École polytechnique fédérale de Lausanne. La Suisse semblait donc être la destination toute trouvée pour le Taïwanais. Makery a voulu en savoir plus sur son parcours et ses nouveaux projets. Seconde partie de l’interview.

Ewen Chardronnet

Makery s’intéresse depuis quelque temps aux projets de l’artiste taïwanais Shih Wei Chieh. Initiateur de l’atelier Tribe Against Machine, un événement déjà phare dans le monde des e-textiles makers, compagnon de longue date du réseau Hackteria dans le Pacifique, Shih Wei Chieh exerce maintenant ses doigts de magicien dans le domaine des cellules Grätzel… Sa visite européenne en tant que hacker-in-residence à Bitwäscherei à Zürich était l’occasion de faire connaissance avec ce designer inspiré et inspirant. Et de lui demander quelles étaient ses recherches en Suisse.

Dans la première partie, nous avons parlé de vos projets d’avant Covid, j’ai également entendu parler de votre projet « Having Friends in the Future » pendant la pandémie, pouvez-vous nous en dire quelques mots ?

J’ai travaillé sur un appel d’offres gouvernemental ouvert du National Taiwan Craftsmanship Research and Design Institute (NTCRI) pendant la période du COVID de 2019 à 2021. Après avoir organisé une exposition sur mon propre projet de teinture au laser et sa relation avec la culture des fibres naturelles locales en 2019/2020, le NCAF m’a demandé d’organiser une autre exposition. Having Friends in The Future était censé être un programme de résidence d’artistes physique orienté vers l’art e-textile au départ. J’avais prévu d’inviter les artistes e-textiles Afroditi Psarra et Audrey Briot à NCAF. Malheureusement, le Covid est arrivé et nous avons dû nous adapter aux restrictions, le programme est donc devenu un programme de résidence en ligne. L’objectif de cette résidence était d’inventer un échange entre la culture artisanale traditionnelle taïwanaise et les techniques de l’e-textile. Nous avons rassemblé 23 artistes, les participants étant pour la plupart des membres de Hackteria Open Source Biological Arts Platform, du summer camp e-textile des Moulins de Paillard et du Electronic Textile Camp (ETC) (voir partie 1, ndlr), plus quelques nouveaux visages. Finalement, nous avons collaboré à la réalisation d’un swatchbook, livre composé de petits échantillons des œuvres de chaque artiste. Les livres ont ensuite été expédiés aux 23 participants comme symbole de la collaboration.

Le swatch book de HFF2020 exposé au National Craftsmanship Research and Design Institute. Avec l’aimable autorisation de l’artiste

Vous avez commencé à travailler sur les cellules solaires à pigment photosensible, ou cellules Grätzel, pourquoi vous êtes-vous intéressé à cette technique ?

Ma fascination pour les cellules solaires à pigment photosensible (dye-sensitized solar cells – DSSC) a commencé lors du camp 2018 de Tribe Against Machine à Taïwan. L’étincelle est venue du projet de textile solaire de Trisha Andrew et Marianne Fairbanks, sur lequel je suis tombé par hasard via le réseau e-textile. Motivé par leur travail, j’ai décidé de me lancer dans la création de ma propre version de DSSC. Pour des raisons plus personnelles, j’ai trouvé les DSSC intrigantes en tant que technologie permettant de teindre avec des colorants naturels et de créer des motifs par sérigraphie. Le travail avec les propriétés de la lumière, évident dans les projets de teinture au laser, a toujours suscité mon intérêt. Cette curiosité a persisté et évolué au fur et à mesure que ma compréhension des propriétés de la lumière s’est approfondie. Je crois fermement qu’en continuant à me plonger dans l’apprentissage des applications photoniques, je me rapproche d’un niveau qui me permettra de m’intéresser activement à la science de la conscience, et à la science neuronale. Même si je reconnais que je suis encore loin d’avoir atteint ce stade, mon parcours d’apprentissage continu alimente mon optimisme quant à la possibilité de plonger dans ces domaines profonds.

J’ai cru comprendre que vous souhaitiez expérimenter des idées vraiment ambitieuses, telles que des cellules solaires sous forme de fibres ? Pouvez-vous nous en dire plus ?

Travailler avec de l’électronique flexible a toujours été l’une de mes principales pratiques. Je pense que je ne peux pas l’expliquer car c’est devenu une habitude, une tradition personnelle, depuis mes précédents projets de wearables. C’est aussi un moyen de me connecter à d’autres passionnés dans des communautés plus larges.

Expérience de frittage à chaud par UV pendant la résidence. Avec l’aimable autorisation de l’artiste
Le prototype de textile DSSC de Shih Wei Chieh réalisé pendant la résidence. Shih Wei Chieh a expérimenté le frittage de TiO2 sur de la fibre minérale à 450ºC.

Mes recherches et expériences sur le textile solaire en sont encore au stade préliminaire et ne sont pas vraiment innovantes d’un point de vue scientifique, il s’agit surtout de reproduire des résultats obtenus à partir d’articles. L’orientation pratique va vers les processus à basse et haute températures, non-toxiques, mais cela reste au niveau DIY. Pendant la résidence au Hacker Lab à Hackteria, par exemple, le frittage UV à chaud pour la couche poreuse de TiO2 dans les cellules solaires à pigment photosensible et le frittage de la couche poreuse de TiO2 sur des fibres minérales montrent des résultats positifs pour la fabrication de la photo-électrode des cellules solaires. L’autre orientation importante du projet consiste à créer un film conducteur transparent avec des nanofils d’argent, ce qui est également crucial pour la fabrication de dispositifs solaires flexibles. Les nanofils d’argent sont utiles pour de nombreuses applications telles que les dispositifs photovoltaïques ou les lentilles de contact intelligentes. C’était donc un moment très précieux pour découvrir leurs propriétés avec un équipement scientifique adéquat et des personnes expérimentées autour de vous.

Vous parlez également d’ordinateurs tissés avec des circuits intégrés photoniques, j’aimerais en savoir plus !

Il s’agit d’une méthodologie pour générer des œuvres d’art qui contribuent à la discussion conceptuelle de notre projet axé sur la culture textile ancienne. La trajectoire qui va de l’histoire de la mémoire à cordes de l’ordinateur de guidage Apollo (AGC) à l’informatique contemporaine sert de modèle récurrent sur la scène de l’e-textile. Des collaborations passées au projet actuel « H.Om.E » Project avec mes partenaires Satoru Sugihara, Maria Jose Rios et Ricardo Vega, notre exploration a grandi dans les conversations informelles entre plusieurs communautés éloignées avec lesquelles nous nous sommes engagés, l’Atayal de Taiwan, le projet de serre à Qinghai et le projet I_C dans le désert d’Atacama (voir partie 1, ndlr).

DSSC plus grand avec photo-électrode sérigraphiée. Avec l’aimable autorisation de l’artiste

Je vois la valeur esthétique de la redéfinition du « chez-soi » en revisitant notre environnement avec des perspectives plus larges. La notion d’informatique optique a évolué à partir de l’histoire d’AGC et s’est croisée avec le projet antérieur d’architecture de earthship à Qinghai, donnant naissance au concept d’informatique intégrée à l’architecture solaire textile. En termes plus simples, le circuit intégré photonique (PIC) est envisagé comme un outil d’archéologie conceptuelle, nous permettant de représenter visuellement l’idée philosophique de traduire le temps historique en un élément quantifiable et comparable.

L’installation A(g)ntense a été conçue par le concepteur informatique Satoru Sugihara pour examiner la possibilité d’intégrer des algorithmes en essaim et des algorithmes d’optimisation de structure. Elle a été exposée à l’exposition Blindspot Initiative à Los Angeles en 2014. Droits réservés.

L’objectif crucial est de décentraliser notre identité des affiliations politiques régionales, afin d’être pertinents dans un contexte plus large, ce qui ne peut pas être fait par la méthode anthropologique. Une application informatique optique tissée devient instrumentale pour faciliter d’autres discussions, un récit, en incorporant des données climatiques comme matériaux philosophiques, en envisageant, peut-être, un earthship solaire tissé vivable et avec sa propre conscience. Je serai heureux de vous tenir au courant !

Quel était l’objectif de votre résidence à Zurich ? Qu’en avez-vous tiré ?

Outre ma recherche d’applications pratiques solaires, mon prototype DSSC le plus réussi ne produit actuellement qu’environ 2,5 mA par centimètre carré. L’intérêt de ce séjour a davantage résidé dans les possibilités de collaboration avec des scientifiques et les visites du laboratoire de microscopie électronique à balayage de l’ETH (Polytechnique de Zurich, ndlr). Cette expérience a été pour moi une formation précieuse qui m’a permis de comprendre comment les scientifiques travaillent avec les nanomatériaux. Comprendre les applications et les objectifs conventionnels, ainsi que les protocoles établis pour synthétiser les nanomatériaux, a été pour nous artistes une expérience rare et précieuse. Elle soulève des questions pertinentes sur la relation entre l’art et la science, et sur la manière dont ces deux domaines peuvent et doivent collaborer efficacement.

L’équipe Hackteria visite le laboratoire de microscopie électronique à balayage de l’ETH / Polytechnique de Zurich pendant la résidence. Avec l’aimable autorisation de l’artiste
La présentation de Daiki Kanaoka de FabCafe à Bitwäscherei. Avec l’aimable autorisation de l’artiste

Du point de vue organisationnel, cette résidence de hackers organisée par des amis pourrait être difficile à étendre. Nous avons intelligemment utilisé toutes les ressources disponibles en coordonnant cette résidence avec une autre exposition et un workshop organisés par le Regenerative Energy Community (R.E.C) et We Are Awareness in Art (AIA), sous le nom de Energy Giveaway Humus Punk Library. Un autre workshop a également eu lieu au Fablab de Lucerne lors d’un atelier « Medizintechnik DIY« , organisé par Marc Dusseiller. Cette approche a permis d’alléger la pression financière liée à l’organisation de résidences indépendantes. Bien que ce fut une expérience fantastique pour les artistes de travailler avec des scientifiques en toute liberté et avec un accès total aux connaissances, je me demande comment nous pourrions répéter le modèle sans aucun financement, hébergement gratuit dans des canapés et des bénévoles pour aider. D’un autre côté, je pense qu’il s’agit d’un modèle formidable qui diffère des résidences organisées par les instituts et les centres d’art, qui s’accompagnent toujours d’exigences et de demandes politiques. La propriété de la communauté joue également un rôle important. Pendant la résidence, j’ai rencontré de nombreux membres de la communauté de Bitwäscherei, dont les rôles sont très variés, comme un chimiste avec une formation de musicien, un artiste avec un diplôme scientifique ou un ingénieur avec une connaissance approfondie de l’histoire de l’ordinateur analogique. Cette dynamique est relativement rare à Taïwan, où les rôles professionnels ont tendance à être plus singuliers et où les scientifiques ne servent généralement pas d’autres domaines. Cette différence pourrait être liée à l’environnement économique local ou à des différences culturelles.

Workshop du DSSC à Awareness in Art. Avec l’aimable autorisation de R.E.C.
Workshop de cartes heuristiques animé par Femke Snelting et Martino Morandi. Avec l’aimable autorisation de R.E.C.

Vous avez été actif dans le réseau HlabX de Hackteria. Quelle inspiration puisez-vous dans la méthode de « workshopology » développée dans ce réseau ? Quels sont les principaux obstacles et comment voyez-vous l’avenir ?

De 2017 à 2021, j’ai assumé activement le rôle d’organisateur, en cherchant constamment à établir des liens entre les réseaux que je connaissais et les institutions à Taïwan. Au fil du temps, je me suis retrouvé à contempler la distinction entre les « réseaux internationaux » et le « système artistique taïwanais », bien que je me sois rendu compte des pièges potentiels de les définir sans le respect et l’objectivité nécessaires. Il est devenu évident que l’accent devrait être mis sur le développement de meilleurs protocoles pour relier les scènes mondiales et locales, en favorisant les opportunités d’expériences partagées et de collaborations sans distinctions rigides.

Ma principale source d’information provient des réseaux auxquels je participe, où l’enseignement s’intègre parfaitement à mon expérience quotidienne. Généralement initiés par des rassemblements dynamiques, les participants se connectent, partagent leurs intérêts et leurs connaissances. Par la suite, des échanges continus d’idées et d’informations ont lieu sur des plateformes telles que Telegram ou les réseaux sociaux. Je trouve que ces réseaux invisibles ou « souterrains », ainsi que les connexions inter-hiérarchiques qui les composent (plus de participants avec des professionnels différents), sont sous-évalués et sous-estimés. La connaissance circule ouvertement, transcendant les structures hiérarchiques.

Dans l’industrie artistique et la formation, on a tendance à accorder une importance excessive à la pensée utilitaire, ce qui crée un fossé entre l’apprentissage et la vie. Si la pensée utilitaire est acceptable dans l’industrie artistique, elle ne doit pas dominer le processus de développement de l’éducation. C’est là que les systèmes alternatifs jouent un rôle crucial, en fournissant des connaissances dans des contextes culturels plus larges. La débat porte peut-être sur la manière de formaliser un système ou une plateforme d’apprentissage décentralisé, en développant les réseaux organiques dans une optique de durabilité.

Performance audiovisuelle au laser à Lifepatch, 2018. Avec l’aimable autorisation de l’artiste

Quels sont vos projets futurs ? Le prochain chapitre de vos recherches sur les cellules Grätzel ?

Comme je le disais, pour la partie conceptuelle, dans le projet H.Om.E, nous allons développer une architecture conceptuelle tissée qui peut servir l’environnement local. Les systèmes solaires feront certainement partie de la conception, et d’autres systèmes comme le filet collecteur de brouillard sont également discutés. Le système PIC est une partie très difficile et je pense qu’il s’agira de substrats en verre. La tâche principale consistera à chercher « quoi calculer ? » et comment incarner la relation philosophique entre 3 communautés situées dans 3 géographies déconnectées, avec un calcul conceptuel optique. D’un point de vue esthétique, le motif sérigraphié dans le verre solaire produira le calcul performatif en implémentant les portes logiques.

Sur le plan technique, je suis également très intéressé par l’amélioration de l’efficacité des cellules solaires. Je suis très curieux de savoir si je peux atteindre l’efficacité d’un produit commercial avec un laboratoire DIY. En outre, la fabrication de DSSC est une excellente formation pour la fabrication de cellules solaires de troisième génération. Je pense pouvoir passer des DSSC aux cellules organiques ou à la pérovskite, qui partagent la même technique de revêtement dans le processus de fabrication. Mais tout n’est que spéculation pour l’instant.

Lire la première partie de cette interview.

Documentation de la résidence de Shih Wei Chieh à Hackteria en septembre-novembre 2023.

Site internet de Shih Wei Chieh

De l’e-textile aux cellules Grätzel, rencontre avec le designer taïwanais Shih Wei Chieh (1/2)

Prototype de poncho pour une figurine "Adelita" développée par Shih Wei Chieh, avec Bandui Lab à Analco. Avec l'aimable autorisation de l'artiste

L’artiste et chercheur en design taïwanais Shih Wei Chieh était en résidence de septembre à novembre au hackerspace Bitwäscherei à Zurich. Au cours de sa résidence, Shih Wei Chieh a poursuivi ses travaux de recherche sur les cellules solaires à pigment photosensible, un système photoélectrochimique inspiré de la photosynthèse des plantes qui, lorsqu’il est exposé à la lumière, génère de l’électricité. Les cellules de ce type sont parfois appelées cellules Grätzel, en référence à leur concepteur, Michael Grätzel, de l’École polytechnique fédérale de Lausanne. La Suisse semblait donc être la destination toute trouvée pour le Taïwanais. Makery a voulu en savoir plus sur son parcours et ses nouveaux projets. Première partie de l’interview.

Ewen Chardronnet

Makery s’intéresse depuis quelque temps aux projets de l’artiste taïwanais Shih Wei Chieh. Initiateur de l’atelier Tribe Against Machine, un événement déjà phare dans le monde des e-textiles makers, compagnon de longue date du réseau Hackteria dans le Pacifique, Shih Wei Chieh exerce maintenant ses doigts de magicien dans le domaine des cellules Grätzel… Sa visite européenne en tant que hacker-in-residence à Bitwäscherei à Zürich était l’occasion de faire connaissance avec ce designer inspiré et inspirant. Et de lui demander quelles étaient ses recherches en Suisse.

Pouvez-vous vous présenter et nous parler de votre parcours ?

Je m’appelle 施惟捷 Shih Wei Chieh (en fait, le nom de famille est Shih, le prénom Wei-Chieh, mais je n’ai pas suivi la spécification occidentale – NDA). J’ai fait de la conception interactive au début des années 2000, alors qu’Arduino, Max/MSP, puredata, vvvv et Unity étaient encore nouveaux. Ma formation était donc en fait du design, pas de l’art, mais mon école ne nous formait pas à devenir des designers, elle nous laissait faire tout ce qui était créatif.

Shih Wei Chieh dans un atelier avec un professeur de tissage local pendant son programme de résidence à Oaxaca. Avec l’aimable autorisation de l’artiste

Vous êtes actif dans le domaine de la fusion de l’artisanat traditionnel et de la technologie contemporaine, pouvez-vous nous dire d’où vient cet intérêt ?

J’ai commencé à m’intéresser à la combinaison de la culture artisanale traditionnelle et de la technologie moderne dans le cadre d’un programme de résidence artistique à Oaxaca, au Mexique. Avant cela, j’avais déjà commencé à m’intéresser à l’artisanat e-textile lorsque j’ai trouvé mes premiers fils conducteurs sur Adafruit. J’étais à la recherche d’un moyen de créer un nouvel art avec de nouveaux matériaux, et ces fils conducteurs présentent le potentiel de transformer toute l’électronique en textiles flexibles. J’ai été profondément étonné par leur flexibilité et leur conductivité. Tout en m’amusant sur le plan matériel, je cherchais en même temps la signification culturelle des contextes textiles.Dans ces premiers temps je n’ai pas cherché dans le système européen. Peut-être parce que constatant que tout le monde autour de moi était très impliqué dans une vision artistique européenne que j’ai décidé d’adopter une esthétique punk.

Cette résidence textile à Oaxaca a été un projet fondateur pour vous, pouvez-vous nous en dire plus ?

Je développais un projet axé sur la broderie de circuits à l’aide de fils conducteurs dès 2011. Ce choix a été motivé en partie par ma décision de participer à un programme de résidence à Oaxaca en 2013, une ville réputée pour sa riche culture textile. Lors d’une de mes journées portes ouvertes, j’ai eu le plaisir de rencontrer Leo et Clarissa, les créateurs de Bandui Lab. Ce couple dynamique est spécialisé dans la conception de dessins animés et de jouets. Ils m’ont invité à collaborer à leur initiative, qui vise à préserver la culture ancienne aztèque en transformant la mythologie et les traditions populaires en figurines en bois. Cette expérience m’a montré que les projets artistiques peuvent être beaucoup plus que des œuvres exposées dans des cubes blancs ou des créations faites pour gagner des prix artistiques, et avoir un impact réel sur des projets sociaux. J’ai l’impression que c’est peut-être la raison pour laquelle j’ai pris l’habitude de travailler en voyageant avec des outils, entre différents réseaux artistiques internationaux au-delà de mon île natale de Taïwan.

Atelier Bandui Lab dans le village aztèque d’Analco, Oaxaca. Avec l’aimable autorisation de l’artiste

Vous avez utilisé la technique Charlieplexing, pouvez-vous nous en dire plus et nous expliquer comment vous l’avez utilisée ?

Il s’agissait d’une idée un peu décontractée, ou plutôt d’une idée de fainéant ! Je cherchais des moyens de minimiser les travaux de point de croix et de broderie pour réaliser mon projet portable « I Am Very Happy, I Hope You Are Too ». Dans le processus, je suis tombé sur un circuit Charlieplexing en ligne qui est une méthode pour obtenir plus de sorties LEDs avec relativement moins de fils d’E/S de mon Attiny85. Bien que je n’ai finalement pas implémenté le Charlieplexing dans ces masques particuliers, l’expérience m’a permis de reconnaître une corrélation potentielle entre les structures des matrices électriques et les motifs textiles au moyen de messages codés, et résonnait avec mon intérêt pour l’histoire du développement des techniques informatiques dans la technologie textile.

Plus d’infos et de photos sur les ateliers du Bandui Lab.
« I Am Very Happy I Hope You Are Too », le résultat de la résidence de Shih Wei Chieh à Oaxaca en 2013. Crédit photo : https://www.takukasuya.com
Une matrice led qui emploie la méthode Charlieplexing réalisée par Adrian Freed dans le cadre du camp d’été e-textile 2017. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Vous avez initié l’événement Tribe Against Machine à Taïwan, pouvez-vous nous dire quels en étaient les objectifs et nous expliquer ce que sont les textiles traditionnels Atayal ?

Suite à ma résidence à Oaxaca, j’ai participé à un summercamp e-textile organisé par Mika Satomi et Hannah Perner-Wilson aux Moulins de Paillard en France de 2015 à 2017. Cette expérience m’a permis de rencontrer de nombreux passionnés d’e-textile et de brillants esprits. En 2017, intuitivement, j’ai initié l’organisation d’un summer camp à Taïwan, en invitant ces personnes et en les connectant avec une communauté Atayal appelée Lihang Workshop, dirigée par Yuma Taru. J’ai nommé l’événement « Tribe Against Machine (TAM) », pour incarner un concept rebelle contre l’art commercial et les systèmes académiques. Bien que nous nous soyons engagés dans l’organisation sans considérations académiques ou anthropologiques profondes, l’événement s’est avéré remarquablement réussi au niveau humain.

Cet événement s’est étalé sur deux ans et a été financé par la Fondation nationale pour la culture et les arts (NCAF). L’intégralité du fonds a été allouée à l’invitation d’artistes indigènes, de membres de l’atelier de Lihang et à la couverture de 50 % des billets d’avion internationaux. Je suis particulièrement reconnaissant à mes collaborateurs pour leur dévouement, ils ont travaillé bénévolement. Je remercie tout particulièrement mes collaborateurs et amis, Foison Arts et Maker Bar à Taipei, pour leur soutien inestimable pendant cette période.

Camp d’été d’E-textile aux Moulins de Paillard, 2015. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.
Tribe Against Machine 2017. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.

Il y avait aussi un projet de  » wearable zine « , pouvez-vous expliquer ?

C’était le thème conceptuel de Tribe Against Machine 2017, afin de fournir un cadre qui inspire les participants à générer des idées sur la façon de contribuer à la préservation culturelle par le biais de prototypes textiles intelligents fonctionnels. Nos discussions se sont concentrées sur la notion d’autonomisation des tâches de préservation originales en les reformatant numériquement avec de nouveaux matériaux, tout en respectant le format traditionnel du textile Atayal. En outre, l’objectif était d’intégrer ces nouvelles connaissances dans les pratiques quotidiennes des participants, afin de combler le fossé entre l’ingénierie électrique et le tissage traditionnel, pour ainsi dire, de la même manière que j’ai brodé des circuits avec des fils conducteurs chez les villageois aztèques d’Oaxaca. J’ai considéré que l’encadrement du projet était une stratégie intelligente qui s’est avérée efficace. Cependant, si l’on considère l’initiative dans une perspective à long terme, je pense qu’une formation cohérente en génie électrique reste nécessaire et essentielle pour la durabilité à la fois de l’événement et du mouvement plus large.

Le zine portable « Fu Zhih » était le cadre de l’atelier de TAM. Il avait pour but d’encourager les participants à réinventer le textile traditionnel en adoptant une nouvelle perspective matérielle.
Tissage de la fibre optique avec un métier à tisser semi-automatique. Crédit photo : Audrey Briot

Vous êtes ensuite passé à un projet de serre au Tibet, puis à un projet à Atacama ? Il semble que vous aimiez explorer des endroits reculés, pouvez-vous nous en dire plus ?

Après avoir organisé TAM pendant deux ans, nous n’avons pas pu poursuivre le projet faute de fonds. J’ai rencontré un Tibétain, Rinpoche Tsansar Kunga, à Taïwan par l’intermédiaire d’un de mes amis qui essayait de l’aider à numériser une série d’écritures calligraphiques tibétaines provenant de son père décédé. J’ai discuté avec lui chez lui à Taichung et il m’a dit qu’il dirigeait depuis des années un orphelinat caritatif appelé Tashi Gatsen dans le comté de Yushu, dans la province de Qinghai. Après cette rencontre, j’ai visité l’école 3 fois en 2018 pour essayer d’organiser un summer camp dans cette communauté, et j’ai fini par participer à un projet de serre initié par un ingénieur météorologue, Wiriya Rattanasuwan, pour aider les élèves de l’école Tashi Gatsen à cultiver leurs propres légumes et remplacer ceux importés à grands frais d’autres provinces de Chine. Comme je n’ai aucune expérience dans la construction d’une serre, j’ai consulté Wiriya et quelques autres amis pour organiser mon action et la conception à Qinghai. Finalement, nous avons construit le premier prototype à Yushu, dans la maison de Tsangsar Kunga, mais malheureusement, le projet a dû être arrêté juste après l’arrivée de la pandémie début 2019, et je ne suis plus jamais retourné dans la communauté.

Construction de la greenhouse.

En ce qui concerne Atacama, j’ai reçu une invitation de Maria Jose Rivers à rejoindre son I_C Project, financé par l’Atacama Large Millimeter/submillimeter Array (ALMA). Maria m’avait découvert en ligne il y a plusieurs années, mais ce n’est qu’en 2021 que nous avons finalement collaboré à distance. Le projet I_C vise à renforcer la culture et l’identité andines au Chili en associant les anciennes traditions textiles aux données astronomiques modernes.

Compte tenu de ma connaissance limitée de la civilisation andine et du vaste champ de recherche, Maria m’a suggéré de commencer mon exploration par la constellation obscure des Incas. J’ai donc consacré du temps à l’étude de ce sujet. J’ai fini par élaborer un système de représentation visuelle de la culture de la constellation sombre à l’aide de données provenant de la bibliothèque Gaia. J’ai symboliquement traduit la région de la constellation sombre inca en motifs textiles intricables.

Sept constellations sombres incas dessinées à l’aide de l’outil polygone en coordonnées galactiques d’après la littérature de la visualisation de l’archive Gaia. Avec l’aimable autorisation de l’artiste
Impression textile convertie à partir des données des constellations sombres incas dans la bibliothèque Gaia. Avec l’aimable autorisation de l’artiste
Œuvre de María José Ríos et Ricardo Vega dans le cadre du projet I_C, qui associe l’astronomie ancienne et les textiles. Le motif est converti à partir de données sur le système solaire au Chili et tissé à Barcelone. Plus d’infos.

Lire la deuxième partie de cet entretien.

Documentation de la résidence de Shih Wei Chieh à Hackteria en septembre-novembre 2023.

Site internet de Shih Wei Chieh

Field Notes : en Laponie, recalibrer ses mesures et observations de l’environnement

Petit chemin dans le Grand Nord. © Elsa Ferreira

Depuis 2011, Bioart Society organise une résidence artistique de groupe dans une station biologique en Laponie. Cette année, l’événement a duré deux semaines pendant lesquelles la vingtaine d’artistes présents ont pu s’imprégner de la nature alentour. Une immersion dans le Grand Nord, sans objectif de production, pour percevoir différemment les référentiels de nos paysages et du changement climatique en cours.

Elsa Ferreira

A Kilpisjärvi, à la frontière de la Finlande, la Suède et de la Norvège, les paysages sont faits de monts et de lacs. En septembre, il neige déjà et les cascades forment des stalactites. Le vent est froid, la végétation aux couleurs de l’automne est rase et les aurores boréales qui se fraient un chemin à travers les nuages sont spectaculaires. Ici, les gens se baignent dans des lacs de plusieurs dizaines de kilomètres carré et de quelques dizaines de degrés tout au plus après s’être fait suer dans des saunas en bois de quelques mètres carrés à la chaleur brûlante.

Randonnée vers Saana, l’une des montagnes les plus iconiques de la région. © Elsa Ferreira
Les splendides paysages enneigés de Kilpisjärvi. © Elsa Ferreira

C’est dans cet environnement majestueux et exigeant que Bioart Society organise tous les deux ans sa résidence, Field Notes. Cette année, pendant deux semaines pour la première fois, 23 artistes, penseurs, chercheurs, scientifiques se sont rejoints. Chacun était réparti en trois groupes, qu’ils avaient choisis dès leurs candidatures. En plus des activités de groupe, des cours magistraux étaient donnés par des invités présents à distance : parmi eux, Jussi Eronen, professeur des écosystèmes socio-écologiques à l’université de Helsinki, Oula Seitsonen, archéologue et géographe officiant à l’université d’Oulu, Leena  Valkeapää, artiste environnementale, collaboratrice à la Bioart Society depuis 2009 et installée dans le Grand Nord depuis plus longtemps encore, ou encore Liisa-Ravna Finbog, universitaire Sami, artiste et autrice.

Le thème global, ouverture d’un cycle de plusieurs années autour de ce sujet à la Bioart Society, est The North Escaping – l’échappée du Nord. « C’est un sujet très actuel et important, présente Erich Berger, chercheur, artiste, curateur et ancien directeur de la Bioart Society. Il n’est plus temps de discuter de la possibilité d’un changement climatique, il faut désormais que l’on examine ce que cela provoque pour nous. Il y a toujours un tropisme sur la façon dont l’environnement change mais on s’intéresse moins à ce que cela crée chez les gens et leur relation à l’environnement, à leur identité, à leur vie quotidienne. » Ici, dans ce Grand Nord où le changement climatique est plus rapide qu’ailleurs et met en péril les modes de vie traditionnels des Samis, peuple autochtone de cette région polaire, on peut observer ces relations changeantes. A condition de bien savoir regarder, mesurer, percevoir.

C’est à ça que se sont employés les dizaines d’artistes, sous l’impulsion des trois « hôtes » Erich Berger, Till Bovermann et Elizabeth McTernan, des artistes familiers de cet environnement venus accompagner leurs groupes. Le mot d’ordre spontané des trois groupes est devenu « attunement » – en français accorder, harmoniser, adapter. Une remise à niveau de nos outils de perception afin de réajuster notre regard sur l’environnement qui nous entoure, nos relations à lui et ses enjeux.

Rendez-vous à la frontière. © Elsa Ferreira
Méditation en groupe au bord du lac de la station biologique. © Elsa Ferreira

Erich Berger et le groupe TALE : repenser le temps profond

« Nous avons besoin d’une littératie du temps », pense Erich Berger, qui mène une thèse consacrée à ce sujet. Pour Field Notes, il propose à son groupe de travailler autour de cette notion et de quitter le « « temps superficiel » des temporalités centrées sur l’homme, dans le but d’entrer dans le « temps profond » et de traverser et d’explorer des temporalités « autres que » et « plus qu’humaines » », décrit-il sur la page de présentation. Modifier son rapport au temps, c’est aussi changer sa capacité à percevoir les changements, explique-t-il. « On a l’impression que l’environnement est stable et évolue peu. Mais c’est faux. Il est en fait très dynamique, mais à une autre échelle. » Alors que l’humanité entre dans une phase où nous sommes des « acteurs géologiques dont les actions ont des conséquences sur des échelles de temps qui vont bien au-delà des temporalités dans lesquelles nous opérons habituellement », expose-t-il, il nous faut comprendre d’autres manifestations et cadres temporels.

Une nécessité plus urgente encore que les acteurs de la Silicon Valley et de la big tech embrassent de plus en plus le temps long pour former une philosophie du longtermisme – un dérivé de l’altruisme efficace selon lequel il convient de considérer le bien-être et la survie du plus grand nombre sans distinction de temps. Ainsi, il serait justifiable de sacrifier des milliers de personnes si cela bénéficie à des millions d’autres dans 2000 ans. « Je ne veux pas répondre au longtermisme mais j’y pense beaucoup », admet Erich Berger. Pour lui, il s’agit d’une « implémentation fasciste du concept de temps, une idéologie qui se concentre sur le potentiel de l’humanité sur le dos du présent ». Former une meilleure compréhension du temps permettrait de s’armer contre ce type de pensées, pense-t-il.

Pour partir à la recherche de ce temps profond, Erich Berger et les six membres de son groupe se rendent dans des lieux où se manifestent des temporalités autres que le présent. Ainsi par exemple de la « Vallée du temps », endroit où les paléocontinents Baltica et Laurentia sont entrés en collision il y a quelques 400 millions d’années. « D’une certaine façon, on peut dire que c’est la frontière entre l’Europe et l’Amérique », taquine Berger. Sur place, des vestiges géologiques de cette époque. Les artistes ramassent des échantillons, font des lectures en pleine nature ou se mettent en résonance avec leur environnement – le fameux « attunement ». Ils auscultent le passé, mais aussi le futur. Pour se projeter, le groupe utilise la narration pour se projeter et imagine par exemple leur disparition. « Nous avons imaginé la façon dont nous pourrions mourir, comment nos restes seraient manipulés ou préservés, quand et par qui nous serions retrouvés, à quelle conclusion ces entités pourraient aboutir. Cela peut sembler morbide, mais c’était très amusant. Il ne s’agissait pas de la mort mais de produire des véhicules de pensée sur la façon dont le temps se manifeste », explique Erich Berger.

Le groupe TALE dans la Vallée du temps. © Elsa Ferreira
Session d' »attunement ». © Elsa Ferreira

Till Boverman et le groupe Wait and Hear : se refréner d’agir

Professeur d’art sonore à l’Université de musique et des arts de Munich et ingénieur informatique de formation, Till Boverman participe aux événements Field Notes depuis une dizaine d’années. « Ça a eu un impact profond sur ma pratique artistique », retrace-t-il. Dans cette région de Kilpisjärvi, il a étudié les « Micromondes », des espaces significativement différents du reste du paysage organique, souvent couverts de mousses et entourés d’eau. Dans sa pratique artistique, il développe des méthodes pour explorer ces espaces, par la photographie, le field recording ou le live coding. Une façon « de rencontrer l’autre », explique-t-il.

C’est dans cette même attention au quasi-imperceptible qu’il a développé le concept qu’il porte pour cette édition de Field Notes, une « exploration ouverte basée sur l’écoute », décrit-il dans sur la page du projet. « Tout en passant du temps sur le terrain et en analysant de manière critique notre environnement, nous-mêmes et notre interrelation avec les différentes formes que prend Kilpisjärvi, nous essaierons de résister le plus longtemps possible à l’envie de nous engager immédiatement. Au lieu de cela, nous nous rassemblerons sur les collines pour écouter le vent, les pierres et l’eau. Nous observerons l’agitation de cette ville frontalière et tous ses conflits sociaux et culturels. Enfin et surtout, nous interagirons avec les différentes parties prenantes enchevêtrées les organismes eux-mêmes », décrit-il de son groupe Wait and Hear – « Attends et écoute ». « Très souvent, la meilleure façon de faire est de ne pas faire, résume Till Boverman de cette idée empruntée au philosophe slovène Slavoj Žižek. Notre espèce humaine a tendance à agir aveuglément et à apporter des solutions rapides qui souvent sont mauvaises. Nous choisissons une approche douce, patiente, où nous attendons que quelqu’un ou quelque chose nous parle. »

Écouter le vent. © Elsa Ferreira
Écoute horizontale. © Elsa Ferreira

Pour appréhender la complexité des écosystèmes alentour et leurs interdépendances, les artistes s’adonnent donc à l’immobilité, au non-agir, à l’écoute et à l’attente. Ils s’allongent sur les pierres, écoutent le vent et se rendent dans des lieux chargés d’histoire : la frontière des trois nations ou le long de la barrière destinée à empêcher les rennes de passer dans certains lieux, une affaire hautement politique et sensible sur ce territoire Sápmi. Ils écoutent aussi l’inaudible à l’oreille nu grâce à des microcontacts et des enregistreurs.

La frontières des trois nations. © Elsa Ferreira
Le long de la clôture à rennes. © Elsa Ferreira

A la fin du camp, le groupe – comme chacun des trois groupes – organise une soirée pour le reste du camp. « Nous avons tellement exploré l’écoute, il était évident pour nous que nous voulions partager cette expérience somatique ». Le groupe organise un cercle de murmure, où chacun doit passer à l’autre une phrase en la chuchotant. « C’était très drôle, tout le monde entendait quelque chose de différent », relate l’artiste. Les artistes invitent les participants à une méditation au bord du lac, pieds nus malgré les six degrés, ils impriment des photos, accrochent des questions, installent une harpe éolienne reliée à des arbres par des microphones de contacts, hissent un drapeau en bioplastique… Finalement, le groupe termine la soirée par un autre cercle de murmure. « Cette fois-ci, la phrase a fait le tour quasiment inaltéré. C’était une évolution intéressante. »

Elizabeth Mc Ternan et le groupe Andscapes : superposer les paysages et leurs histoires

Avant de s’intéresser au « Andscapes », concept de l’architecte paysagiste Martin Prominski qu’elle a découvert par hasard, Elizabeth Mc Ternan s’est penchée sur le calcul. En 2017, dans une résidence de dix jours à la station biologique de Kilpisjärvi, elle a travaillé avec un mathématicien pour s’interroger sur « ce que veut dire compter, collecter des données et la subjectivité de cet exercice. »

Andscapes s’inscrit dans cette continuité de remise en question des outils de mesure. Le concept a été fabriqué pour « dépasser les dualismes dépassés de la ville par rapport à la campagne, ou de la culture par rapport à la nature » et pour conceptualiser « une pratique intégrative dans l’Anthropocène » », décrit Elizabeth Mc Ternan sur la page de son projet. Pour elle, il s’agit de « trouver une approche non standardisée au paysage au regard du changement climatique », explique-t-elle. Dans cette quête, sa porte d’entrée sont les outils utilisés pour observer et mesurer le paysage. « On reconnaît que chaque outil apporte des associations, des récits, des attentes. Le concept de Andscapes met l’accent sur le « and » dans le paysage. Il reconnaît qu’il n’y a pas de vue globale du paysage mais plutôt des couches superposées, de multiples récits et vérités qui se chevauchent et ne s’effacent pas les uns les autres. »

Cette vision s’incarne pendant les marches du groupe dans le paysage de la région. Accompagné de Leena Valkeapää, artiste finlandaise installée à Kilpisjärvi, le groupe peut observer l’absence de trace de la culture Sami. « La culture Sami est d’une certaine manière invisible, présente l’artiste au milieu d’un lieu chargé d’une histoire invisible à celui qui ne sait pas. Il est très facile de l’oublier si on le veut. » « C’est une pensée qui est vraiment restée avec moi, réagit Elizabeth. C’est triste mais potentiellement puissant. Les éléments culturels que Leena soulignait étaient totalement invisibles pour moi. Le seul fil conducteur, lorsque vous ne pouvez pas lire ce paysage, ce qu’il vous reste, c’est la narration. C’est le pont entre la visibilité, l’invisibilité, l’oubli, le souvenir. La narration elle-même est un outil, très concret, qui contient beaucoup d’informations. »

Leena Valkeapää montre sur cet arbre les traces de deux éléments culturels du lieu, visibles via la végétation : le niveau de la Neige et la présence des rennes. © Elsa Ferreira

Un outil concret et politique. Là encore, Leena Valkeapää raconte l’histoire du storytelling mis en place par l’office du tourisme finlandaise autour des montagnes Maala et Saana, deux géants qui seraient tombés amoureux. Pour fabriquer un sentiment d’authenticité, il est raconté que la montagne est sacrée pour les Samis, ce qui est faux. « C’est comme si on leur avait dit : votre narratif n’est pas assez fort, il n’y a pas cet élément de David et Goliath, cette apothéose », commente Elizabeth Mc Ternan. L’artiste prend l’exemple de la chaîne himalayenne, dont les montagnes individuelles n’avaient pas de nom, « car elle faisait partie d’un tout. Ce sont des valeurs européennes que nous avons apportées en les nommant. » Le Mont Everest est ainsi nommé après George Everest, géographe britannique, arpenteur général des Indes Britanniques (contre son gré). Le Pic Hawley après la journaliste américaine Elizabeth Hawley (contre son gré également). « Nous sommes tous responsables de la création de ces narrations. Il faut faire attention, on peut construire ou détruire un futur. Les gens qui racontent ces histoires le font pour protéger les montagnes, ces espaces, mais il ne faut pas oublier de consulter les gens qui les habitent et s’assurer que ces histoires ont du sens pour eux. »

Saana et Malla, deux géants qui ne sont jamais tombés amoureux. © Elsa Ferreira

 

Bioart Society fait partie du réseau Feral Labs et du projet de coopération Rewilding Cultures co-financé par le programme Europe Créative de l’Union Européenne.

Une nouvelle version de notre carte des labs

Capture d'écran de la carte des labs Makery

Makery lance une nouvelle version de sa carte des labs ! Propulsée par l’outil libre GoGoCarto, enrichie de nouvelles fonctionnalités, elle permet d’avoir des informations précises sur les lieux du DIY et de l’innovation sociale, partout en Europe, et au-delà dans le monde entier. Tous les labs, makerspaces, tiers-lieux présents sur notre ancienne carte y sont référencés, à ce jour plus de 1000. Maintenant nous avons besoin de vous pour mettre à jour les informations de vos labs, ou bien y référencer votre structure ! Explications en détail.

la rédaction

Au printemps 2024, Makery fêtera ses 10 ans. Pour préparer ces célébrations – et parallèlement à une phase de consolidation de notre plateforme afin de sécuriser nos archives qui nécessitera dans les prochaines semaines une courte rupture temporaire de service – nous sommes ravis et fiers de proposer une nouvelle version de notre carte ! Mettez à jour vos informations ou enregistrez-vous si ce n’était pas le cas jusqu’à présent !

Une carte unique en anglais

Nous avons fait le choix d’une seule carte, contrairement à ce qui existait précédemment sur notre site. Notre nouvelle carte a vocation à devenir un outil de référence au niveau européen (et pourquoi pas mondial), nous avons donc opté pour l’anglais uniquement.

Mais si l’interface de la carte et ses outils, ainsi que le formulaire qui permet de référencer un lab, sont en anglais, rien n’interdit de renseigner les informations de votre lab en français, ou dans une autre langue.

Une recherche avancée et une fiche d’informations pour chaque lab

Nous avons implémenté des fonctionnalités de recherche plus avancées que précédemment, avec notamment  trois grandes catégories pour définir un lab : les espaces de travail qu’il contient, les activités qui y sont pratiquées, et les services qu’il propose. De nombreux choix sont possibles dans chaque catégorie. La recherche permet également de chercher par mots-clés, et par localisation (si vous tapez « Indonésie » dans le champ de recherche, la carte se centrera sur cette zone). Vous disposez également d’un bouton dans le champ de recherche qui vous géolocalisera automatiquement et affichera la carte de la zone dans laquelle vous vous trouvez.

On retrouve les catégories auxquelles appartient un lab sur sa fiche, ainsi bien sur que ses informations de contact (adresse, email, site, téléphone, horaires d’ouverture), la superficie du lieu, son type de gestion (association, entreprise, etc.), ses éventuels labels et réseaux d’affiliation, une description libre, optionnellement une photo.

Exemple de fiche d’infos d’un lab

Créez et gérez facilement les informations de votre lab

Pour créer un lab

Cliquez sur le bouton « Add A Lab » en haut à droite. Vous serez dirigé vers la page du formulaire à compléter. Vous devrez ouvrir un compte (email + mot de passe, ou bien compte Gmail, Facebook ou Lescommuns.org), puis compléter le formulaire. Par la suite, vous pourrez modifier les informations de votre lab en vous connectant à ce compte.

Pour modifier les infos d’un lab

Si votre lab est déjà sur la carte (vous « réclamez la propriété » du lab) : Ouvrez la fiche d’information du lab en cliquant sur son marker. En bas de la fiche d’information, cliquez sur le bouton « Suggest changes ». vous serez dirigé vers makery.gogocarto.fr Vous devrez ouvrir un compte, puis vous aurez accès aux informations du lab que vous pourrez modifier.

Par la suite, une fois votre compte créé et que votre lab y est rattaché, vous pourrez modifier ses informations à votre gré, en vous connectant à votre compte sur makery.gogocarto.fr.

A noter : Toutes les informations que vous entrez que ce soit lors du processus de création ou de celui de modification d’un lab, sont soumises à une modération. Elles seront dans un premier temps « en attente de validation » par un membre de l’équipe de Makery. Nous nous réservons le droit de refuser la publication, et de modifier certaines informations de votre fiche (par exemple si vos textes sont trop longs, nous les raccourcirons). La modération sera effectuée une fois par semaine.

Pour supprimer un lab

Si vous avez connaissance d’un lab qui n’existe plus, vous pouvez le signaler en cliquant sur le marker du lab pour ouvrir sa fiche d’informations, puis cliquer en bas sur le bouton « Report an error ». Un mail sera envoyé à un modérateur de Makery, qui supprimera le lab après vérification.

Le formulaire pour créer un lab sur la carte Makery

Aidez-nous à maintenir une carte à jour et bien renseignée

Lors de l’import des données de nos anciennes cartes, nous avons dû conserver seulement quelques informations de base. Nous avons dû attribuer à chaque lab un choix « par défaut » pour chacune des 3 grandes catégories : ainsi tous les labs actuellement sur la carte contiennent un espace de travail « fablab », une activité « digital fabrication », et un service « assistance, mediation ». Bien sur, ce n’est pas vrai pour tous les lieux.  Alors à vous de modifier votre fiche pour renseigner précisément les caractéristiques de votre structure ! Et pour cela, commencez par consulter la nouvelle carte des labs Makery : https://www.makery.info/map-labs/

Mobilité dans la maternité : une expérience personnelle

Craig, Michaela, Clarinda (in water) and Aaron with baby Oren, by the lake.

Shona Robin MacPherson est une artiste, curatrice et chercheuse basée à Glasgow. Elle est aussi la lauréate de la bourse de mobilité de Rewilding Cultures. Grâce à ce soutien, elle a pu se rendre à une résidence d’artiste en Finlande avec son nouveau-né et son partenaire. Pour Makery, elle discute des défis de sa mobilité dans la maternité.  

Shona Robin MacPherson

Texte et photos par Shona Robin MacPherson

En avril 2023, alors que j’étais (lourdement) enceinte de mon premier enfant, j’ai posé ma candidature pour la bourse de mobilité Rewilding Cultures. Il était très important pour moi à ce moment-là, à l’aube de la maternité*, de maintenir une mobilité et un sens de mon identité créative/pré-maternelle. J’ai découvert que j’avais obtenu la bourse de mobilité Rewilding Cultures alors que mon bébé n’avait que trois jours. J’étais ravie, bien que dans le brouillard des nuits blanches et des raz-de-marée hormonaux. Cependant, j’ai commencé à mettre les choses en place pour m’assurer que je pourrais voyager avec mon bébé, par exemple en recherchant comment demander un passeport pour un nouveau-né.

J’ai demandé une bourse pour pouvoir me rendre dans le nord de la Finlande et rencontrer mon collectif Those Who Possess Dirt (TWPD) et visiter la maison de résidence Mustarinda. Au moment de la résidence, mon bébé aurait trois mois et je serais accompagnée de mon partenaire pour me soutenir.

Le studio de Mustarinda avec Oren dans un berceau.

TWPD est un collectif de recherche fondé en 2020 qui se compose actuellement des artistes/curatrices Shona Robin MacPherson, Clarinda Tse et Ruby Eleftheriotis. Anciennement basé à Glasgow, TWPD est maintenant réparti entre Glasgow et la Norvège. Nous démêlons les possibilités de parenté multi-espèces et de partage des connaissances par le biais de dialogues interdisciplinaires, d’enquêtes in situ et d’une écoute incarnée et empathique des voix plus qu’humaines, afin d’imaginer un avenir de coexistence non hiérarchique.

Mon partenaire, bébé Oren et moi-même sommes arrivés en Finlande par un vol d’Édimbourg à Helsinki, puis un autre vol jusqu’à Oulu, puis d’Oulu à Kajanni en train, puis de Kajanni à Hyrynsalmi en bus. En tant que voyageuse solitaire, j’aurais opté pour une approche de voyage à faible émission de carbone en voyageant lentement, mais je n’ai pas pu trouver un moyen réalisable sans faire de nombreux transferts et prendre de nombreux et longs moyens de transport, ce qui aurait été pénible pour mon bébé.

Nous avons été accueillis par Kryštof Kučera au marché de Hyrynsalmi (il avait gentiment apporté un siège auto pour bébé depuis la République tchèque). Nous avons ensuite été conduits (dans la voiture électrique de Mustarinda) sur la dernière partie du trajet entre Hyrynsalmi et la maison de Mustarinda. Il est alors devenu évident à quel point nous étions loin de chez nous. La forêt est devenue plus dense et les routes plus rugueuses, les panneaux de signalisation et le marquage au sol sont devenus moins évidents, lorsque nous sommes finalement arrivés à notre destination, une vieille école en bois d’apparence solide située à la lisière de la forêt. C’est le 1er septembre que nous sommes arrivés à la maison Mustarinda, où nous avons rencontré Michaela Casková, notre gouvernante avec Krystof pendant le mois de septembre.

Des champignons dans la forêt.
Le sauna de Mustarinda.
Oren dans la forêt après un changement de couches.

De nombreuses questions se sont posées à moi pendant mon séjour à Mustarinda, concernant le repos et la récupération, le travail, la pratique artistique, les réseaux de soutien, alors que je commençais à entrer dans le monde avec ce nouveau paradigme de soins désormais intrinsèquement tissé dans ma vie. Les tâches simples que j’entreprendrais habituellement lors d’une résidence et que je ferais sans y penser, comme aller au studio le matin, rencontrer d’autres artistes le soir, faire de longues promenades, lire, etc. deviennent beaucoup plus difficiles et presque impossibles sans soutien, surtout à ce stade précoce de la maternité où un bébé a besoin de tant de choses uniquement de sa mère qui l’allaite.

Dans ma candidature, j’avais l’intention de passer trois semaines en résidence à Mustarinda avec le soutien de mon partenaire et du collectif, mais mon partenaire a dû retourner au Royaume-Uni après une semaine. J’ai alors passé un certain temps sans le soutien de ma famille immédiate, bien que j’aie été aidée par les autres membres du collectif. J’ai découvert qu’il y avait certaines tâches pour lesquelles je ne voulais pas trop m’appuyer sur quelqu’un d’autre (comme les réveils à 4 heures du matin) et j’ai donc commencé à avoir des difficultés sans mon partenaire. J’ai décidé de raccourcir légèrement le voyage et de rentrer une semaine plus tôt pour éviter d’être trop épuisée. Ces deux semaines m’ont semblé suffisantes pour profiter de l’expérience, mais sans mettre trop de pression sur moi et mon bébé dans ces premiers jours.

De retour chez moi, j’ai maintenu la communication avec le collectif et la résidence en partageant des images, des textes, des captures d’écran, des notes vocales, etc. et j’ai même réussi à écouter les présentations des autres artistes qui ont eu lieu l’avant-dernière semaine, Clarinda ayant enregistré l’audio par note vocale pour moi. C’était une façon très agréable de garder le contact et d’une certaine manière, j’ai eu l’impression de continuer d’être dans les alentours de Mustarinda.

Je me suis trouvée avec beaucoup de questions, plutôt que des réponses, qui me donnent envie de poursuivre ma réflexion, mes recherches et mes projets.

Des questions telles que : à quoi devrait ressembler le congé de maternité d’une artiste ? On a l’impression que le travail d’un artiste ne s’arrête jamais, mais il est peut-être parfois important de faire une pause. Comment une mère artiste peut-elle être soutenue dans cette démarche sans être isolée et sous-représentée dans le monde de l’art ? À quoi cela devrait-il ressembler ? Quels types de structures peuvent soutenir les mères artistes ? Quelles sont les exigences d’une résidence d’artiste pour la rendre accessible aux mères artistes ? Quelle est l’importance de faire l’expérience de la nature au cours de ces années formatrices ? Comment pouvons-nous imprégner la nature sauvage dans l’éducation des enfants ?

Rétrospectivement, le fait que j’aie pu assister à Mustarinda avec mon collectif et mon nouveau-né me semble être un moment très important et une grande réussite. J’ai l’impression qu’il s’agit d’un point de départ inspirant pour la maternité, un point de départ qui est entrelacé avec la créativité et la nature sauvage et qui n’est pas isolé à la maison comme c’est trop souvent le cas dans les premières années de la maternité.

Auto-portrait avec Oren.

Des remerciements infinis à Clarinda et Craig pour les repas savoureux, et à Ruby, Krystof, Michaela et Aaron pour s’être occupés de nous. Et dans le flux des amis et des résidents : Anastasia, Aurora, Ada, Ulla, Myumi, Hannah, Tiina (et Miksi !) pour ce temps passé ensemble, la magnifique maison Mustarinda comme point d’ancrage.

Merci également à Spilt Milk Collective pour son mentorat et son soutien, ainsi qu’à Alexandra Carter pour ses conseils sur la résidence en Finlande avec un bébé.

* Les termes « maternité » et « mères » sont utilisés dans cet article pour décrire toute personne qui s’identifie comme une mère.

Shona Robin MacPherson est bénéficiaire d’une bourse de mobilité accordée dans le cadre du projet de coopération Rewilding Cultures cofinancé par le programme Europe créative de l’Union européenne.

 

Alizée Armet et les plantes fantômes des mondes abîmés

Alizée Armet à Ars Electronica 2023. vog.photo CC BY-NC-ND 2.0 Deed

L’artiste basque Alizée Armet présentait cet automne sa création “Ghostly plants of damaged worlds” au festival Ars Electronica de Linz en septembre, la semaine passée au Digital Art festival de Sofia, et sera dans l’exposition « I Told You It’s Alive » de l’Institut Kersnikova de Ljubljana en Slovénie du 28 novembre au 2 février prochain. Makery a voulu en savoir plus sur ce travail au titre intrigant.

Ewen Chardronnet

Cet entretien a été réalisé au festival Ars Electronica en septembre 2023 et s’est poursuivi en ligne ce début novembre.

Pouvez-vous vous présenter ?

Mon nom est Alizée Armet et je suis artiste chercheuse. J’ai rédigé une thèse au sein de l’Université du Pays Basque à Leioa (Upv-Ehu), dans la section art et technologie et dont le titre est “Art et technologie au XXIe siècle. De la machine de vision à l’Intelligence artificielle” et qui est axée sur la capacité visuelle que l’on peut attribuer à l’intelligence artificielle et à l’influence donnée aux pratiques artistiques. J’y développe notamment une recherche artistique ayant donné lieu en 2019 à une résidence dans le cadre de la troisième édition de l’International Exchange Program for Artists entre les résidences NekatoEnea de Hendaye et Basis à Francfort. Je proposais un dispositif neurofeedback et réalité virtuelle dans lequel le visiteur porte un casque neurosciences et un casque de réalité virtuelle. A travers ce jeu d’appareillages il peut bouger une balise insérée dans l’univers numérique – forme réalisée par photogrammétrie d’une place de Francfort. Les neuro-scientifiques Jelena Mladenovic et Léa Pillette de l’INRIA de Bordeaux ont accompagné ce projet. C’est important de le dire car cela a déclenché les bases de ce que je crée maintenant. Avant, ma pratique était très tournée sur ces questions de rapport nature-science, et était beaucoup plus de l’ordre de la représentation. Depuis peu je me suis beaucoup orientée vers les biomédias (concernant la définition de « biomédia », nous renvoyons plutôt le lecteur à l’essai Biomedia publié par Eugene Thacker en 2004 ou encore aux écrits de Jens Hauser, qu’à la récente exposition eponyme du ZKM dont la définition proposée par Peter Weibel dévie de celle développée par les premiers – ndlr).

En 2021 j’ai  obtenu la bourse de production « Cultures Connectées » offerte par la Nouvelle-Aquitaine.  Cette opportunité à favoriser une collaboration avec Patxi Bérard et Denis Geral, des ingénieurs de l’ESTIA, une école d’ingénieurs de la côte basque. Pour ce projet nous avons réfléchi à une installation artistique présentant de la réalité augmentée collaborative, donnant lieu à une exposition au festival palois Accè)s( Cultures Électroniques en octobre 2022. Le sujet est les méga feux des massifs forestiers en Nouvelle-Aquitaine. Au travers de mes recherches ma vigilance s’est beaucoup heurtée aux vidéos amateurs trouvées sur les réseaux sociaux issues d’accidents et qui tombent dans la fascination pour le sublime de l’accident. Mon propos est donc, par la collaboration, et en s’inspirant également des échanges avec les mycorhizes, de porter un autre regard sur l’accident ou son phénomène, en ayant une précaution de tous les autres, et pas seulement le rapport individuel au téléphone et au sublime de l’accident.

Pouvez-vous nous décrire votre projet pour l’European Media Art Platform ?

L’année dernière, j’ai été sélectionnée par le dispositif EMARE-EMAP. J’ai pu faire une résidence au sein de l’Institut Kersnikova à l’automne 2022 et clairement (l’artiste souligne – ndlr) j’ai compris que je devais arrêter d’être dans la représentation, et bien plus expérimenter le matériau des organismes. Le sujet que je leur ai proposé est d’explorer les plantes albinos. Certaines d’entre elles ont des capacités de phytoremédiation. Elles ne peuvent pas se nourrir d’elles-mêmes du fait de leur manque ou absence de chlorophylle. Elles ne réalisent pas la photosynthèse, mais passent par une relation symbiotique avec certains mycorhizes qui leur apportent les échanges nécessaires. Elles peuvent elles-mêmes filtrer les métaux lourds par leurs racines et leurs tiges, et en discutant avec des chercheurs en amont, j’ai compris que les plantes albinos sont plus à même de grandir dans un sol acide. J’aborde ce travail sous la perspective de la spéculation, du soin et de l’attention, mais mon intérêt est aussi de réfléchir aux gestes techniques comme à ceux de l’innovation. La spéculation me permet d’explorer cette question des sols contaminés aux métaux lourds, car pour moi, les plantes ne sont pas uniquement des objets, mais nous orientent vers une réflexion sur notre propre condition humaine. Je veux dire sur la résilience et la mutation. Ces plantes singulières ont su trouver des tactiques de survie, ou simplement de vie.

Installation, détails et poster légendée de Ghostly plants of damaged worlds à Ars Electronica 2023. Courtesy of the artist

Donc la plante qui pousse sur un sol a priori hostile, pour nous en tout cas, ne l’est pas pour elle ? Comme vous la nourrissez dans votre installation ?

Dans les faits, ce sont des apports nutritionnels issus des mycorhizes qui favorisent cette survie. Pour la majorité des scientifiques, le sujet reste aujourd’hui un mystère. Les chercheurs savent reconnaître comment ces plantes survivent mais restent perturbés par le mystère de leur apparition. Il nous faut continuer à considérer qu’un sol hostile reste hostile : ces plantes ne poussent pas aussi vite que les autres, elles ne sont pas grandes, leur fragilité est exposée. Dans mon installation j’ai intégré des mycorhizes. L’apport nutritionnel est constitué d’une base de dextrose et de vitamines, qui va être transformée par les mycorhizes en aliments beaucoup plus digérables pour les plantes. Les racines ont besoin de phosphore par exemple, ce que peuvent leur fournir les mycorhizes.

Et dans la nature, comment vivent-elles ?

Pour désigner ces relations entre plantes/arbres et mycorhizes, il existe différents termes. Le biologiste français Marc André Selosse a qualifié par exemple la relation parasitaire de certaines plantes aux mycorhizes de « Mycohétérotrophie ». Pour toutes les plantes, la « Mycotrophie » est l’ordre général relationnel, mutualiste, avec les mycorhizes. Chez les plantes vertes, Il existe également la « mixotrophie » où la photosynthèse est exploitée par les deux parties. La mychohétérotrophie est une relation parasitaire dès lors que la plante dépend presque entièrement du mycorhize.

Dans ma recherche je me suis intéressée au cas particulier des séquoias albinos. Les arbres albinos fonctionnent par « mycohétérotrophie » au sein d’autres séquoias normaux dit « mycotrophes ». On parle de mycohétérotrophie totale, ou obligatoire, lorsqu’une plante non photosynthétique, c’est-à-dire une plante largement dépourvue de chlorophylle ou dépourvue d’un photosystème fonctionnel, tire toute sa nourriture des champignons qu’elle parasite. On parle de mycohétérotrophie partielle lorsqu’une plante est capable de photosynthèse, mais qu’elle parasite également des champignons pour se nourrir. Il existe également des plantes, comme certaines espèces d’orchidées, qui sont non photosynthétiques et obligatoirement myco-hétérotrophes pendant une partie de leur cycle de vie, et photosynthétiques et facultativement myco-hétérotrophes ou non myco-hétérotrophes pendant le reste de leur cycle de vie.

Cette étrangeté est ma première inspiration. Les sequoia albinos poussent dans certaines zones de la côte ouest des États-Unis, en Orégon, dans l’Etat de Washington et en Californie comme dans le Muir Woods National Monument et le Humboldt Redwoods State Park dans le nord de l’état. Dans mes recherches j’ai fini par prendre contact avec Zane Moore, un doctorant en biologie de l’université de Californie travaillant sur la question, pour à la fois mieux comprendre son fonctionnement et espérer avoir quelques pousses pour commencer mon projet. Zane Moore et Tom Stapleton, un herboriste agrégé, ont créé ensemble une forme de réserve où ils peuvent à la fois protéger ces albinos et poursuivre leurs recherches autour des séquoias chimériques. Cette réserve est une forme de labo-serre que j’aimerais visiter et il me reste évidemment à trouver le contexte pour y aller.

Feuilles de sequoia albinos. Adobe Stock

Quelle espèce avez-vous utilisé en Europe ?

Je voulais faire venir des pousses de sequoia albinos de Californie, mais c’était compliqué. Je me suis demandée s’il n’y avait pas d’autres espèces européennes. C’est en comparant différentes espèces que je me suis rendue compte que les plantes dites variegata sont celles qui se rapprochaient le plus de mon objectif. La biologiste Mélanie Roy, qui fait ses recherches en Amérique Latine, m’a rédigé une liste potentielle de sujets d’étude. Le Mesembryanthemum cordifolium ‘Variegatum’, focoïde à fleur en cœur anciennement connu sous le nom d’Aptenia cordifolia ‘Variegata’ a fait ses preuves.

L’installation présente un assemblage de barres métalliques sur lequel reposent des instruments scientifiques de détection et de visualisation. En haut de l’installation sont posées deux pompes automatiques d’irrigation et deux solutions liquides dans lesquelles on retrouve, soit une solution nutritive, soit une infusion de sol pollué provenant de Jesenice en Slovénie. Trois pots sont également exposés dans lesquels sont présentées les plantes et les mycorhizes. Les différents instruments visibles sont des capteurs pH et un microscope.

Je travaille sur ce projet depuis un an. La partie la plus récente est l’ajout d’un guéridon médical sur lequel repose tout cet assemblage. Cette même partie est une nouvelle réflexion sur laquelle je travaille actuellement : comment puis-je mettre en action la maintenance nécessaire au déroulement de cette pièce ? Régulièrement je fais des prélèvements et des essais quant à la teneur en métaux lourds et à la présence potentielles en nutriments. Je collabore avec Jakob Grčman, ingénieur de l’Institut Kersnikova pour créer un capteur mobile de métaux lourds pour l’intégrer à la pièce. Je suis également en contact avec des spécialistes pour évaluer les plantes et leur teneur en métaux lourds.

Prélèvements en zone contaminée à Jenesice, Slovénie. DR.
Expérimentation en vivarium, Institut Kersnikova, Ljubljana. DR.
Jakob Grcman et le testeur de métaux lourds à Kersnikova. DR.

Une dernière question, comment s’est passée la résidence en Slovénie ?

J’ai adoré. Jusqu’à présent je pouvais avoir parfois beaucoup de doutes sur ma pratique. Est-ce que c’était bien « conforme » ? Avec les moyens donnés par l’Institut Kersnikova et son lab Biotehna cela m’a donné un pied à l’étrier. Cette idée d’atelier laboratoire m’a vraiment donné de l’inspiration sur comment créer dans d’autres types d’environnements. Depuis j’ai complètement changé mon atelier à la Villa Madeleine à Boucau, je l’ai modifié à la suite de cette résidence. J’avais déjà eu la chance d’avoir une imprimante 3D financée par la DRAC Nouvelle-Aquitaine avec laquelle je produisais déjà des choses, mais j’ai créé ma propre serre, mon propre vivarium, etc. J’ai fait du bidouillage et créé mes propres outils. Je vois même ce projet comme un avant-propos de ce qui va venir après.

Entretien pour European Media Art Platform (français, sous-titré anglais) :

Le site internet de Alizée Armet.

Alizée Armet était résidente European Media Art Platform (EMAP) à l’Institut Kersnikova en 2022 et sera dans l’exposition collective EMAP « I Told You It’s Alive » dans la galerie Kapelica et le Rampa Lab de l’institut du 28 novembre au 2 février. Son œuvre a été présentée en septembre à Linz au festival Ars Electronica 2023 ainsi qu’à Sofia en octobre pour le Digital Art festival.

A familiar veil : les microorganismes qui portent nos souvenirs

Photographie microscopique du biofilm prise par l’artiste sous loupe binoculaire à la station marine de Concarneau. © Taylor Smith

Depuis 2022, l’artiste Taylor Alaina Liebenstein Smith explore les propriétés du biofilm marin et travaille à y révéler des souvenirs comme sur un film photographique vivant. Pour Makery, elle raconte.  

Taylor Smith

A familiar veil est à la fois un triptyque vidéo et un projet plus vaste, débuté au cours d’une résidence art-science à la station de biologie marine du Muséum National d’Histoire Naturelle (MNHN) à Concarneau en février 2022. Le projet a commencé sous forme d’une collaboration avec le Professeur en microbiologie marine Cédric Hubas. Il s’est ensuite déplacé à Kilpisjärvi, en Finlande, à Sandøya, en Norvège, et à Strückhausen, en Allemagne : des paysages ruraux qui ont une importance personnelle pour moi et mes ancêtres : humains et plus qu’humains. Dans chaque lieu, des souvenirs humains (sous forme de texte ou d’image) ont été collectés auprès des habitants, puis « révélés » sous forme photographique vivante grâce aux micro-organismes photosensibles prélevés dans ces mêmes lieux. Au sein du triptyque vidéo, une poésie visuelle de ce processus de revivification de la mémoire est accompagnée par les voix de quatre femmes issues de quatre générations différentes, qui racontent leurs souvenirs respectifs. Chaque souvenir est raconté in-situ, dans son paysage d’origine : français, finlandais, allemand ou norvégien. Au sein du triptyque vidéo, ces paysages se retrouvent ainsi reliés entre eux au travers des femmes et des microorganismes photosensibles qui les habitent.

Le projet s’est terminé avec une série d’ateliers au Marinarium à Concarneau et une exposition-conférence au site central du Muséum National d’Histoire Naturelle à Paris. 

Photographies argentiques des archives de A familiar veil : une participante d’un atelier de révélation de la mémoire au Marinarium de Concarneau avec l’œuvre vidéo A familiar veil, Part I et son souvenir en cours de révélation dans le biofilm en arrière-plan. © Taylor Smith

Le biofilm comme métaphore de la mémoire : matériel mais insaisissable 

La main d’une participante tentant de saisir le biofilm, atelier de révélation de la mémoire au Marinarium de Concarneau. © Taylor Smith

« Biofilm » est le nom très large attribué à une matrice collective de microorganismes (parfois photosensibles). Il est une métaphore vivante de la mémoire vive : il incarne à la fois la matérialité indéniable de la mémoire et son insaisissabilité. En tant qu’humains, nous sommes condamné.e.s à voir le monde à travers le voile de notre mémoire subjective et fugace : le maillage d’histoires qu’elle tisse en puisant dans la réalité matérielle des paysages qui nous entourent. Au-delà de notre mémoire, nous vivons, existons, grâce à un autre voile que nous ignorons : celui tissé par les microorganismes. Ce voile vivant recouvre toute surface intérieure et extérieure de ces mêmes paysages, ainsi que de nos corps, et se mêle ainsi inextricablement au voile de notre mémoire.

Ce projet peut donc être conceptualisé comme un portail voilé : une ouverture toujours partielle à la communication inter-espèces, ou plus largement à la biosémiotique, via une approche intuitive, sensible, matérielle, corporelle… qui doit passer par nos yeux et nos mains  avant de pouvoir aller jusqu’au cerveau.

Pour mieux expliquer les racines scientifiques du projet, je tente de définir le biofilm, dont mon collaborateur Cédric Hubas est spécialiste. En biologie, en effet ce mot est très large : Cédric se concentre principalement sur des biofilms dits « épibenthiques » et « transitoires » de la zone intertidale, ou les biofilms fugaces des vasières, qui s’accrochent à la surface de la boue en marée basse, pour partir en fumée en marée haute.

Tout aussi difficile à saisir par des mots que par nos mains, le biofilm est à la fois matériau et matrice vivant qui se trouve toujours dans un état d’entre-deux : solide/liquide, jour/nuit, individu/communauté, aquatique/terrestre. Il s’agit d’une couche de vie composée de microorganismes, rassemblés entre eux grâce à la colle naturelle de protéines et lipides « EPS » dans un filet symbiotique. Parfois il est collé à une surface : un rocher, nos tuyaux, nos os… parfois il flotte librement dans la mer.

Faire apparaître des images grâce à la photosensibilité du biofilm

Détail de la révélation photographique d’un texte issu d’un souvenir d’un des participants dans le biofilm, atelier de révélation de la mémoire, Marinarium de Concarneau. Un tapis brunâtre est formé par les diatomées (micro-algues brunes) aux endroits où le négatif est noir. C’est là où elles se retrouvent à l’abri de la lumière, et doivent donc monter vers la surface pour la chercher. Un autre tapis bleu-gris (la couleur de la vase) apparaît aux endroits où le négatif est transparent. C’est là ou la lumière transperce le négatif pour toucher les diatomées, les incitant ainsi à se plonger dans la vase pour se cacher. Le contraste entre les deux tapis brunâtre et gris transpose l’image du négatif en positif : en l’occurrence, le souvenir du participant. © Taylor Smith

À l’origine de la vie il y a 3,5 milliards d’années déjà, divers biofilms aquatiques ont commencé à évoluer lentement et subtilement. Ils ont fini par s’ancrer sur les rochers, et former une croûte marine : le stromatolithe, puis terrestre : le biocrust, ou biocroûte. Le biocrust, cette « peau vivante de la terre » toujours composée d’êtres photosensibles (lichens, cyanobactéries…) illustre les traces terrestres de nos ancêtres aquatiques. Faute de racines, au cours de la longue histoire de notre planète, les biofilms ont été constamment arrachés, dispersés par l’eau, reformés, ou sinon, endurcis pour devenir biocrust.

Face aux menaces du changement climatique, biofilm et biocrust demeurent communautés de nombreuses espèces bio-indicatrices. Ils recouvrent toujours notre planète comme une peau lumineuse, un film photosensible qui capte les empreintes de tout le reste— y compris des activités humaines destructrices.

Un peu comme le fameux deep scattering layer, qui migre en synchronie depuis les profondeurs de l’océan vers la surface la nuit, puis redescend le jour, les diatomées (les micro-algues photosensibles qui composent le biofilm étudié par Cédric) migrent également sur ce rythme circadien à leur propre petite échelle. Elles montent et descendent au sein de la matrice du biofilm sur ce cycle fiable de vingt-quatre heures mais, entre-temps, les variations plus aléatoires de lumière naturelle ou artificielle modifient leur parcours. Elles sont photosensibles : c’est à dire, elles passent leurs vies à révéler et à effacer des images. Nous tentons ainsi d’intervenir avec la lumière au moment propice du cycle, afin de faire apparaître ses images cachées, ainsi que pour y projeter les nôtres.

Détail d’une boite de petri : un souvenir (texte) de mon arrière grand-mère révélé dans un biofilm issu des bactéries photosensibles de sa tombe familiale à Strückhausen, Allemagne. © Taylor Smith
Photographies argentiques des archives de A familiar veil : double exposition des révélations photographiques aux laboratoires et pendant les ateliers, station marine de Concarneau. © Taylor Smith
Photographies argentiques des archives . © Taylor Smith
Photographies argentiques des archives. © Taylor Smith

Moulage en agar agar et scan 3D

Afin de développer mes recherches avec Cédric, j’étais accueillie en résidence à la station marine du Muséum National d’Histoire Naturelle à Concarneau, pour quatre séjours entre février 2022 et septembre 2023. Avec Cédric et son équipe, notamment Caroline Doose et Élisabeth Riera, j’ai abordé le rôle de ces êtres infimes et ignorés qui composent les biofilms comme créateurs d’images, en tentant de collaborer avec ces organismes pour intervenir subtilement in-situ, au travers des gestes micro-performatifs.

Je commençais par porter, par exemple, des négatifs photographiques sur lesquels étaient imprimées des traces de mes propres souvenirs, sous forme de textes et images, avec moi au sein de divers paysages, à la recherche des microcosmes habités par des biofilms photosensibles. Je m’arrêtais, par exemple, devant les cuvettes autour de la station marine et au sein des vasières du littoral breton. Grâce à la rencontre entre la lumière, le biofilm et les négatifs, des “micro-révélations” de ces souvenirs ont eu lieu. Je captais ces moments fugaces au travers de la vidéo et la photographie, afin de créer des œuvres plus pérennes.

Photographies argentiques des archives de A familiar veil : double exposition des moulages des diatomées. © Taylor Smith

Je répétais ces expériences in-situ dans d’autres paysages en Norvège, Finlande et Allemagne avec des souvenirs plus précisément liés aux paysages respectifs. Au travers de cette accumulation d’expériences et de mes recherches et conversations avec Cédric, Caroline, Élisabeth, et d’autres chercheurs de la station marine, le projet initial s’est élargi. J’ai commencé à mouler des cuvettes, les niches de la plage où je trouvais le biofilm, en agar agar : une poudre biodégradable issue des algues de la famille gelidium qui se transforme en gel solide lorsqu’elle est chauffée dans l’eau. L’agar agar était le matériel parfait pour ces moulages in-situ, car il saisit tous les détails minutieux d’un objet sans laisser la moindre trace polluante. Ces expérimentations ont capté l’attention d’Élisabeth Riera dans le cadre de ses recherches de nouvelles formes des récifs artificiels. Avec Élisabeth, nous avons commencé à scanner en 3D des objets naturels et synthétiques que le biofilm recouvre : algues, cuvettes, morceaux de bateaux qui s’enterrent dans les vasières et émergent à nouveau en marée basse. Avec l’imprimante 3D de la station marine, et grâce à une collaboration avec le Konkarlab (le fab lab de Concarneau), j’ai commencé à imprimer en 3D cette série d’objets mimétiques avec le PHA, un filament 3D biodégradable généré et composté par d’autres bactéries.

Photographie argentique des archives de A familiar veil : “memory holder” imprimé en filament PHA contenant la vase (et biofilm) près de la station marine de Concarneau. © Taylor Smith

Grâce aux modèles 3D open source, j’ai également commencé à imprimer des reproductions des frustules, ou les coquilles en silice (verre) qui protègent les diatomées, à une plus grande échelle. Comme l’on peut voir dans les photographies microscopiques MEB (microscope électronique de balayage), ces frustules prennent naturellement des formes de boite, aux motifs extrêmement précis. Lorsque je réfléchissais aux formes des sculpture-conteneurs du biofilm pour une série d’ateliers avec le public, je me suis inspirée des frustules. Rappelant des sarcophages ou des boîtes à souvenirs, ces memory holders, ou réceptacles mimétiques ont été réalisés à la fin du projet.

Photographie MEB d’une diatomée, station marine de Concarneau. © Aïcha Badou
Les enfants touchant les objets mimétiques en agar agar et PHA au cours d’un atelier au Marinarium. © Taylor Smith

En avril et septembre 2023, j’ai mené trois ateliers de « révélation de la mémoire » avec le grand public au Marinarium, le musée rattaché à la station marine de Concarneau. Les participants (enfants et adultes) ont été invités à m’envoyer un souvenir chacun.e, sous forme de texte, dessin, ou photographie. Je transformais ensuite chaque souvenir en négatif photographique, qui était posé par le participant au-dessus d’un des réceptacles biodégradables (moulé en agar agar ou imprimé en PHA) sous forme de frustule de diatomée contenant le biofilm. Ces conteneurs étaient posés en-dessous des LEDs, puis exposés à la lumière. Les participants ont pu ainsi voir apparaître, petit à petit, leur souvenir sur la surface du biofilm au sein du conteneur : soit reproduit à l’exact, soit réinterprété, soit effacé par les diatomées photosensibles. L’imprévisibilité de l’expérience contribuait justement à sa magie, et à la prise de conscience qu’il s’agissait d’une collaboration avec ces êtres vivants, et non pas de la simple illustration d’une technique photographique. 

Derrière le portail voilé du biofilm, nous retrouvons un miroir. La rencontre avec ces microorganismes nous renvoie à nous-mêmes, mais avec une conscience aiguë de la matrice infiniment complexe d’espèces qui constitue les paysages que nous habitons, et les souvenirs que nous y projetons. 

Détail des objets dans une vitrine que j’ai curaté pour l’exposition du projet au Studio Bioinspire-Muséum, Muséum National d’Histoire Naturelle, Paris : squelette d’une crustacée à côté d’une diatomée imprimée en 3D (PHA). © Taylor Smith

Une version longue de cet article est publié sur Roscosmoe.org

Visiter le site internet de Taylor Alaina Liebenstein Smith

Taylor Alaina Liebenstein Smith est récipiendiaire de la bourse de mobilité décernée dans le cadre du projet de coopération Rewilding Cultures co-financé par le programme Europe Créative de l’Union Européenne.

 

Devenir Non-Alien: manifeste provisoire pour un laboratoire des communs recombinants

Aliens in Green, Antre Peaux, Jan. 2019, Bourges, France

En 2017, quelques années avant la pandémie de SRAS-CoV-2, le collectif Planète Laboratoire proposait un manifeste des « communs recombinants » par les Aliens In Green. Makery le republie.

Ewen Chardronnet

Re-qualifier le laboratoire

Aliens in Green est un agent d’une planète devenue laboratoire. Le laboratoire est le lieu où ce qui n’est pas encore vient à l’existence et se matérialise. Avec la planète laboratoire, la biosphère est transformée elle-même en laboratoire, affectant ce que nous autres espèces issues du Cénozoïque, avons connu jusqu’alors.

Le futur n’est cependant pas encore fabriqué et les images en provenance du futur trouvent plusieurs voies de matérialisation. Certaines de ces images montrent un xéno-pouvoir qui suscite l’émergence d’entités radicalement nouvelles forçant l’évolution du vivant dans des directions non concertées entre espèces.

Au sein du xéno-laboratoire, et sur la base de notre aliénation d’hier, émergent et s’anticipent les dispositifs possibles de notre subordination ou de notre extermination future. À l’encontre de ce xéno-laboratoire, Aliens in Green envisage un laboratoire non-alien. Ce laboratoire du commun, lieu de rencontre et de constitution de communautés interspécifiques, est en continuité plutôt qu’en rupture avec la communauté d’êtres qui s’est expérimentée tout au long du Cénozoïque. Ce laboratoire est le lieu à venir où s’élabore la combinaison des formes vivantes, leur composition et leur articulation, qu’un saut ontologique voudrait nous faire occulter.

Cultiver un art des combinaisons

L’art des combinaisons vise d’abord à recomposer du commun dans un monde étrange. Cet art des combinaisons est art des symbioses, poussée commune vers la phusis, le «se-donner-une-forme en commun». La recombinaison génétique, les communications génétique, hormonale et chimique sont multiples et permanentes entre espèces. Si le sexe était le point pivot de la biopolitique classique liant ensemble les individus et les populations aussi bien que les citoyens et les États, le transfert agénéalogique des gènes, molécules, signaux, est peut-être ce qui nous permettra de comprendre la fabrique des nouveaux liens biopolitiques – entre les personnes et les licences, entre communautés d’utilisateurs humains et non humains, entre les polymorphismes et les politiques. Ces recombinaisons, immanentes à la société, doivent s’émanciper des standards propres au complexe bio-, chimio- et porno-industriel pour susciter des corps et des habitats se modifiant sous l’influence des êtres qui y vivent. C’est pourquoi la critique des xéno-hormones, des xéno-molécules, des xéno-gènes et des xéno-(éco ou bio)systèmes, la critique des xéno-pouvoirs qui en définissent les orientations et les devenirs, constituent le pendant nécessaire d’une politique des communs recombinants.

Cultiver un art de la composition

Une approche non anthropomorphique de l’intelligence ouvre le champ à de nouveaux lieux de composition sociale. Sortant d’une approche anthropomorphique ou cérébrocentrique de l’intelligence, reconnaissant que l’intelligence est répartie entre toutes les flux biotiques et les espèces, végétales, animales, fongiques ou bactériennes, les compositions sociale et politique changent radicalement. L’approche phyto-orientée reconfigure nos modes opératoires en visant à articuler la réflexivité et les modes de modélisation théoriques hérités de la culture anthropoïde occidentale à ces modes d’action.

La réflexivité par sa capacité de « rendre étranger », de mettre à distance, peut subvertir le processus de signification et nous permettre de nous représenter ce qui est irreprésentable. Une approche non anthropomorphique des affects permet également d’articuler les médiations entre corps et signifiants autrement qu’à travers identités et espèces, et d’appréhender les flux d’affects interconnectant et co-constituant des corps de différentes sortes.

Cultiver un art de l’articulation

Le concept d’articulation est important pour approcher la mise en laboratoire du vivant et de l’écosystème, dans le capitalisme, si on veut ne pas simplement réduire la critique aux seules approches économiques ou de rapports de classe. Les concepts de devenir-alien et de devenir-non-alien permettent d’articuler des mondes de façon à ce que leurs antagonismes potentiels soient neutralisés. Ils ont pour but d’articuler ou de coordonner les différents récits mettant à jour l’esprit anti-terrestre du capitalisme et réalisant les communs biosphériques.

En bref, ils permettent de construire des récits et dispositifs contre-hégémoniques, des solidarités trans-spécifiques, à la fois politique, épistémologique, technique et stratégique permettant la convergence des luttes anti-systémiques.

Aliens in Green, Human Tech Days, Houlocene, Antre Peaux, Jan. 2019, Bourges, France

 

Aliens in Green est un projet du collectif La Planète Laboratoire. En 2023-2024 Makery commissionne La Planète Laboratoire pour le programme More-Than-Planet, co-financé par l’Union Européenne.

Lisez notre tribune antérieure du collectif La Planète Laboratoire.

Autriche : rencontrez les forgerons du festival Schmiede

Du 13 au 23 septembre, le festival Schmiede s’est déroulé à Hallein, en Autriche, réunissant des artistes, des hackers, des codeurs, des vidéastes et bien plus encore. Makery y était et dresse leurs portraits.

Roger Pibernat

Schmiede est un lieu doté d’une énergie énorme et puissante. Si cette énergie était mal utilisée, ou si elle devenait incontrôlable, il en résulterait des dégâts. Schmiede doit être un lieu très sûr. Et c’est exactement ce que l’on ressent : de la sécurité. Un endroit sûr où les artistes de toutes sortes, de toutes origines et de tous intérêts peuvent développer leurs œuvres et leurs idées sans se soucier d’autre chose que de la tâche qu’ils ont à accomplir. Ils n’ont même pas besoin de se concentrer sur le résultat, c’est le processus qui compte. C’est un endroit très confortable pour développer des idées, pour essayer des choses, pour échouer. Bien que la Werkschau (l’exposition qui présente le travail des artistes le dernier jour du festival) ait pour but de présenter des œuvres et qu’il soit sous-entendu qu’il doit s’agir d’œuvres achevées, il n’y a pas de mal à ce que les artistes n’y participent pas. Ou de montrer des travaux en cours. Cela enlève toute pression sur les âmes créatives et leur permet de s’exprimer sans crainte, en les laissant interagir les unes avec les autres, en alimentant l’énergie créative en retour et en générant un flux contagieux que j’ai rarement vu ailleurs.

Les forgeurs de Schmiede

Il n’est pas facile de maintenir cette énergie à la fois fluide et contenue. Tout comme les Smiths (forgerons) sont des maîtres dans leur art, les organisateurs de Schmiede (qui signifie la forge en allemand) ne sont pas moins bons dans le leur. Rüdiger Wassibauer (il préfère qu’on l’appelle Ruediger) est le Schmied, le gardien du terrain. Eva Perner est l’organisatrice en chef, accompagnée des membres de l’équipe Eleonor Nobili, Alex Grüner et Dominik Schönauer. Des bénévoles apportent également leur aide pour des tâches spécifiques, en fonction des besoins. Tous les participants de Schmiede semblent savoir comment les choses doivent se passer. Il y a peu de règles, mais personne, parmi les dizaines de personnes rassemblées ici, ne semble vouloir en enfreindre aucune. La machinerie de Schmiede est très bien huilée. Les organisateurs sont là, mais on remarque à peine qu’ils sont les gardiens de l’ordre, et pourtant l’ordre règne, et tout fonctionne. Ils sont les mains qui maintiennent l’explosion créative dans les limites, sans l’éteindre. Les artistes eux-mêmes semblent très conscients de cet équilibre instable et sont prêts à le maintenir. Cette année, le thème de Schmiede était : Blood.

 La galerie des objets oubliés

Bruno Peláez (@brurioso) est un artiste vidéo mexicain basé à Barcelone. Il s’agissait de sa 12e édition de Schmiede. Il vient toujours sans projet et laisse le flux décider de ce qu’il fera. Son art est généralement constitué d’éléments qui apparaissent ou qui sont présents pendant la Schmiede, ce qui le rend plus personnel pour les autres Smiths. Cette année, il s’est associé à Katha Schaar, productrice et éditrice berlinoise, pour créer la Gallery of Objects Left Behind, une collection d’objets qui sont apparus autour de Schmiede et sont restés là, oubliés, pendant quelques jours, pour devenir ensuite des œuvres d’art. Ils ont produit un audioguide déclenché par des codes QR.

Digital Detox

Jakob Steininger (@jaqobue) est un étudiant autrichien qui suit le master Timebased Media. Il s’est imposé un programme de désintoxication numérique pendant toute la durée du festival, au cours duquel il ne s’est autorisé à utiliser aucun appareil connecté à l’internet, bien qu’il ait été autorisé à regarder les écrans des autres. Il est resté connecté au monde extérieur grâce à un vieux téléphone portable, l’un de ceux dont le clavier est numéroté. Dans sa vie normale, il interroge sans cesse Google sur tout et n’importe quoi. Pour surmonter son anxiété liée à l’absence de réponse, il a mis en place un stand Google analogique, où il écrivait des questions sur des bouts de papier, demandant à d’autres Smiths d’écrire les réponses. Le cœur de la connaissance collective. Pour traiter le syndrome de sevrage du scrolling, il a conçu et construit une machine analogique à partir de bois découpé au laser, de papier et de cellophane, afin de pouvoir faire défiler quelque chose avec son pouce.

Le langage du lien et le pouvoir de l’art

Jatun Risba (@jatunrisba_sensoryecology) était l’un des résidents cette année du programme AkademieAIR, un programme de co-écriture d’un livre. Jatun est artiste transmédia slovène et se déplace actuellement d’une résidence artistique à l’autre. Leur contribution au livre portera sur « l’exploration microbiologique et artistique des similitudes moléculaires entre le sang humain et la chlorophylle des plantes ». À Schmiede, ils ont d’abord travaillé sur le « langage du lien », un langage trans-espèces qui « étend la notion d’identité à tous les êtres ou entités humains, non humains et plus qu’humains ». Plus tard, ils se sont associés à María Contreras pour créer une installation avec le sang menstruel que Jatun avait collecté au cours des derniers mois. Leur histoire personnelle est étroitement et intensément liée au sang, qu’ils utilisent souvent dans leurs œuvres. Ils se sont guéris de la sclérose en plaques par la danse déchaînée dans les espaces publics et d’autres pratiques artistiques radicales. Le sang menstruel a été fréquemment utilisé dans les œuvres de Jatun comme substance d’offrande rituelle liée à la guérison et à la transmutation.

Art vidéo menstruel

María Contreras (@mariamiel14) était l’une des autres résidentes du programme AkademieAIR. Cette artiste audiovisuelle et anthropologue colombienne est actuellement basée à Lisbonne. Son projet pour le livre porte sur Secrecy of Blood (le secret du sang), où elle entend « réfléchir à l’ambivalence du symbolisme du sang menstruel – entre le sacré et le dégoût – dans les cultures industrialisées ». Toujours fortement liée à ses propres saignements, elle propose une vision critique de la menstruation d’un point de vue à la fois biologique et socioculturel. À Schmiede, elle a fait équipe avec Jatun pour créer une installation puissante avec du sang menstruel et des légumes qu’elle a filmés pendant que Jatun effectuait des actions sur eux. Ils ont injecté le propre sang menstruel de Jatun dans des cornichons, des poivrons et des morceaux de poire pour les faire saigner. Ils ont également connecté des électrodes à des cornichons saignants, les faisant briller et exploser en leur faisant passer de l’énergie électrique. Enfin, au Werkschau, ils ont exposé les vidéos de ces actions sur le mur arrière d’un piédestal contenant davantage de sang menstruel sur un film plastique.

Data Nutrition Project

Kasia Chmielinski est technologue et enthousiaste ornithologue, installé aux Etats-Unis iel est d’origine cantonaise (Hong Kong) et polonaise. Iel a co-fondé le Data Nutrition Project, une initiative qui crée des outils pour atténuer les préjugés dans l’intelligence artificielle. Iel a abordé, lors d’un exposé présenté à Schmiede à d’autres Smiths, la question des ensembles de données zombies, des ensembles de données qui ont été utilisés pour former et tester des algorithmes d’intelligence artificielle uniquement parce qu’ils sont « propres » (techniquement) et « gratuits » (sans coût). Beaucoup de ces ensembles de données manquent d’informations sur la manière dont ils ont été créés et sur les raisons qui les ont motivés. Certains utilisent des données « volées », utilisées sans le consentement des personnes dont les données figurent dans l’ensemble de données. Ces données sont si largement utilisées depuis si longtemps qu’il est impossible de les empêcher d’apparaître de temps à autre ; il y a toujours quelqu’un d’autre qui les utilise. Pour atténuer cet effet, Kasia et ses collègues proposent un système d’étiquetage similaire à celui des aliments, d’où le terme « Nutrition » dans le nom. Les aliments sont étiquetés pour informer de l’utilisation de produits chimiques dans leur croissance et de leur origine. Les Data Nutrition Labels avertissent les utilisateurs des ensembles de données utilisés pour « nourrir » (former et tester) les algorithmes d’IA qu’ils utilisent, afin qu’ils aient au moins la possibilité de décider en connaissance de cause de les utiliser ou non. Les utilisateurs peuvent créer et ajouter leurs propres labels.

Complices

Kristina Gorke (@la_gorke) et Bernd Gutmannsbauer sont Accomplices, une association artistique qui organise toutes sortes d’activités, allant de lectures philosophiques à des concerts, des conférences artistiques, des recherches zoologiques, des imitations d’animaux, du théâtre musical, … Kristina (alias Deaf Bat) est une artiste et chanteuse d’opéra. Bernd (alias Anachromatic Chameleon) est docteur en philosophie et actuellement bibliothécaire dans une bibliothèque pour malvoyants et aveugles à Vienne. Il est également un influenceur grâce aux comptes de médias sociaux de Kristina, ce qui l’a rendu célèbre. À Schmiede, ils ont travaillé sur deux projets et une demande de financement (à remettre pendant la semaine de Schmiede). Le premier projet était Analog Sound : un concert de musique contemporaine et baroque et un DJ set avec des disques vinyles avec les Evil Art Musicians (autres forgeurs). L’autre projet était Accomplices Lab, qui a mené une série de leurs activités habituelles (lectures, imitations d’animaux, …). Ils se sont également impliqués dans le projet KaRaPoetry (ci-dessous).

Blockchains and Question Jams

Leonhard Marlo est un physicien théoricien et un programmeur de blockchain de Hambourg, en Allemagne. Lors de Schmiede, il a proposé un atelier sur la programmation de la blockchain, qu’il a codé en direct selon la volonté des participants, afin de construire un système de vote simple pour déterminer si Schmiede était cool ou non. Le vote n’a jamais eu lieu par manque de temps. Plus tard, il a préparé une installation pour le Werkschau autour de son Question Jam, avec lequel il voulait étudier l’asymétrie entre le questionneur et le questionné. Lors de ces jams, qu’il a enregistrées, il a posé des questions gênantes à d’autres Smiths qui, à leur tour, lui posaient des questions gênantes. Il a monté une vidéo avec ce matériel, en utilisant la voix de Jatun pour certaines parties, et l’a exposée sous la forme d’une installation vidéo le dernier jour de l’exposition.

KaRaPoetry et al.

Maxie Jost (@bla.punk) est une poétesse allemande, urbaniste convertie à l’humanisme. Elle a apporté sa machine à écrire mécanique à Schmiede, souhaitant l’utiliser comme une boîte à rythmes pour rapper des poèmes au fur et à mesure qu’elle les écrivait en écoutant de la musique. Les choses évoluent et elle installe la machine sur un support pour que d’autres Smiths puissent y taper leurs pensées poétiques, « un projet social autoproduisant les Bloody Protocolls ». Avec Thomas Kolar, Bernd et Christoph, ils ont organisé un KaRaPoetry pour le Werkschau. Les participants montaient sur scène et rappaient les poèmes projetés qui avaient été préalablement scannés, sous les acclamations d’une foule passionnée, jusqu’à ce que le buzz rouge se déclenche et arrête la musique au premier signe d’inexactitude.

Beatbox Queen

Thomas Kolar est un artiste viennois participant à Schmiede pour la huitième fois. Iel exerce dans le développement de logiciels et ancien champion du monde professionnel de Minesweeper (oui, le jeu video). Iel est aussi une reine du beatbox, qui transmet ses connaissances aux autres Smiths qui ont participé à l’atelier de beatbox qu’iel a organisé à Schmiede. « Si vous savez parler, vous pouvez faire du beatbox », a déclaré Thomas aux participants. Lors du spectacle KaRaPoetry qu’ils ont organisé avec Maxie, Chritoph et Bernd, Thomas a parfois fait du beatbox avec les karapoets, fournissant ainsi un fond musical à leur rap.

Textes et dessins par Roger Pibernat.

Le site internet de Schmiede

Schmiede fait partie du réseau Feral Labs et du projet de coopération Rewilding Cultures co-financé par le programme Europe Créative de l’Union Européenne.