Electric Wonderland summer camp, interview with Deborah Hustić

© Deborah Hustić.

Before the first ever Electric Wonderland summer camp for hackers and makers to happen first week of september in Fužine, Croatia, Makery interviewed Deborah Hustić from Radiona, the main organiser of the gathering.

Dare Pejić

Indeed in the first seven days of sun-kissed September the idyllic surroundings of Fužine, close to Adriatic’s main port town of Rijeka in the North of Croatia, will become a gathering place for hackers and makers that seek to combine Do It Yourself, electronic music instruments, design, robotics, biohacking and many more hands-on activities and discussions under the general theme « Emerging environments ». Makery discussed with Deborah Hustić, from Zagreb makerspace’s Radiona, about their new maker camp to be organised as part of the Feral Labs Network.

Can you tell us what Electric Wonderland will look like in few words?

Electric Wonderland is an international hacker/maker camp located in the small town Fužine near the coastal city of Rijeka. It’s an international scout center entitled Rakov Jarak (Crab Stream) with great possibilities. It offers camping in nature and all the necessary facilities to maintain a tech-based gathering for 7 days. The camp will thematise hybrid forms of expression with a lot of workshops from DIY music electronic instruments and devices, blockchain, smart city technology, biohacking, design thinking, DIY kitchen lab, robotics, paper art craft, solar energy and renewable energies – climate changes, recycling objects, citizen science, etc.

As Radiona is very fond of citizen participation, we will also do guerilla mini workshops/interventions for the local population in the town of Fužine in order to introduce maker culture in the context of art, science and technology. People will have an opportunity to join the workshops and lectures as they wish, bring their own projects for development, give a freestyle lecture, wander around the woods and lakes to explore the nature, enjoy great food, organise mini trips to the coast, hang around the camp, maintain the camping fire in the middle, enjoying or performing each evening at a concert/jamming in the camp, reading, doing nothing, exercising, hiking or cycling, helping to maintain the camp, just to name a few. No to mention exploring the local flora and fauna with biologists, artists and tech geeks.

Why the name Electric Wonderland?

The camp is located in the woods and surrounded by two lakes, so it’s literally a wonderland. We want to get lost ourselves in the idea of co-creation and creative re-thinking of technology, science and art combined with nature. Electric Wonderland is a very bucolic, pastoral comprehension of innovation, DIY/DIWO community combined with nature and biodiversity. Come and join us, delve into Electric Wonderland.

What is the general framework you provide to people so they feel comfortable and what kind of philosophy you want to promote?

Our philosophy is connecting unconnectable, creation and co-creation, participation, inclusion and constant digging through the labyrinths of the unknown. We like curiosities the same as we like to reinvent and reverse engineering of already known patterns. Keep it simple and just continue climbing :  » Nature will bear the closest inspection. She invites us to lay our eye level with her smallest leaf, and take an insect view of its plain. », says Henry David Thoreau.

This will be your first summer camp. Why did you choose Fužine and do you plan to connect with the local community?

As Croatia is a lovely country with amazing nature, but also a heavy touristic attraction as well, we realized the best way to have a great camp would be near a small township in the woods, 30 minutes from the Adriatic coast with facilities makers, hackers, artists and campers might need for seven days of co-creation. As Rijeka is going to be the European Capital for Culture 2020, we think the best way to engage the audience and create the best visibility for the camp Electric Wonderland and maker culture would be to involve the local community into the process of co-creation in order to discover citizens as artists and explorers.

Does the summer camp involve any artists in residence or any long-term partnerships with artists or institutions?

Yes, the summer camp will include two residential artists, one of them is Yuri Landman, the second one we are still keeping a secret for the second call. Our peers from Drugo more (Rijeka-based NGO) will also partner with us for the camp, so we plan to visit the city of Rijeka within the program in order to scatter our program a bit to the coastal and urban parts of Primorsko-goranska county. We will also include our peers from Green Energy Cooperative, Birdlife Affiliate BIOM (https://www.birdlife.org/europe-and-central-asia/partners/croatia-association-biom), TerraHub and UNDP in order to get more climate changes and renewable energy topics in the program, to just name a few. The camp will also host very diverse workshops and open lab sessions in the camp and outside for our campers and local community, as well as evening gatherings around the fire with music performances.

Last few words to convince participants to join Electric Wonderland this year?

If you like hybrid forms of expressions, camping and hacking devices or just a companionship of creatives and geeks in nature and want to get yourself OFF the grid, then come to our side, we have it all!

More info about Radiona and the Electric Wonderland open call.

The Feral Labs Network is co-funded by the Creative Europe programme of the European Union.

Le ciel est-il l’avenir de l’eau ?

Workshop au site instrumental de télédétection atmosphérique du SIRTA © Célia Boutilier

Durant «Garden the Sky Water», un événement organisé à Paris du 12 au 15 juin par la Chaire arts et sciences, différentes disciplines ont discuté du sujet brûlant des sources d’eau alternatives.

Dare Pejić

« L’incertitude est nécessaire pour produire quelque chose de profitable », résumait Karolina Sobecka, artiste, designer et chercheuse basée entre New York et Bâle, lors de la présentation de ses « Closure Assumptions » en plénière d’introduction sur les nouveaux récits à favoriser dans l’ère actuel du techno-optimisme où le contrôle de l’atmosphère joue un rôle crucial sinon fatal. Le symposium, organisé notamment dans le contexte d’ Exoplanète Terre, une « constellation d’événements » proposés par de multiples partenaires franciliens sur 2019-2020, a examiné les perspectives d’avenir en matière de sources d’eau de substitution et leurs conséquences pour la biosphère.

L’artiste-chercheuse Karolina Sobecka ouvrait le colloque à la Cité internationale des arts © Célia Boutilier

Ciel, brouillard, rosée

Le thème du symposium, l’exploration de sources alternatives d’eau, plus particulièrement à trouver dans le ciel, le brouillard et la rosée, était décliné sous forme de débats, ateliers et conférences par les chercheurs et artistes. Les différentes journées étaient pensées dans prolongement des recherches autour des deux curateurs, Ana Rewakowicz, artiste et chercheuse à l’Ecole Polytechnique et Jean-Marc Chomaz, artiste, physicien et codirecteur de la Chaire arts et sciences pour l’Ecole Polytechnique, et coordonnées par l’équipe de la Chaire arts & sciences, avec le soutien de la Chaire Développement durable -EDF de l’Ecole polytechnique. La Chaire arts & sciences est un programme de rencontre entre artistes et scientifiques via des actions de recherche-création, de formation et de médiation autour de notre interdépendance à l’environnement. Il est porté par l’École polytechnique, l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs-PSL et la Fondation Daniel et Nina Carasso.

Une journée des rencontres se tenait au laboratoire de télédétection atmosphérique SIRTA de Polytechnique, deux autres en anglais à la Cité internationale des arts, suivi d’une soirée autour du film Jodorowsky’s Dune au studio des Ursulines et une journée en langue française le samedi à la Maison des métallos dans le 11ème arrondissement.

Visite du site de télédétection atmosphérique du SIRTA, Palaiseau @ École polytechnique

Considérer les eaux atmosphériques comme source possible d’eau est une notion qui regagne du terrain ces derniers temps. Trouver des sources d’eau alternatives est plus que jamais une réalité sous les tropiques, où l’eau évaporée y devient cruciale, et cela pas seulement pour des raisons économiques. L’histoire marocaine présentée par Jamila Bargach de l’ONG Dar Si Hmad sous le titre « Une ode célébrant le brouillard » en est un bon exemple : le brouillard dans les hautes terres du Maroc n’est pas simplement considéré comme un ennemi qui provoque la rouille sur les outils agricoles, il apporte également de l’eau aux villageois. Avec des collecteurs de brouillard installés au sommet des montagnes, l’eau récupérée apporte la prospérité mais, rappelle-t-elle, crée également une menace potentielle pour l’ordre patriarcal existant : les femmes, auparavant plus engagées dans le transport et la distribution d’eau, ont plus de temps libre pour étudier. Selon Bargach, « la société civile agit comme instigatrice d’échange, comme lien avec la communauté et comme intermédiaire ».

Il n’y a pas que la pluie qui soit utilisée pour l’eau potable, il y a aussi la rosée. Daniel Beysens, président de l’ONG Opur (organisation pour l’utilisation de la rosée) et directeur honoraire de l’École supérieure de physique et chimie industrielle de Paris, présentait le cas de la collecte de la rosée du matin. S’appuyant sur une série d’études de cas réalisées en Croatie, en Inde et en Polynésie française, il affirmait avec assurance que des collecteurs mécaniques de rosée avaient pu fournir de l’eau dont la composition en éléments biologiques et chimiques était sans danger pour la consommation humaine.

Daniel Beysens, président de l’OPUR © Célia Boutilier

Le rôle de l’art

Les phénomènes naturels sont une source d’inspiration sans fin, pas seulement pour les scientifiques. On a même pu entendre que la relation peu conflictuelle entre l’art et la science est l’un des meilleurs mariages de deux domaines qu’il ait été donné de voir. Serait-ce à cause de la visibilité et la portée des arts, alors que la science reste souvent herméneutique ? Les projets présentés lors du symposium ont permis de donner une perspective sur le sujet. L’eau, le ciel et les nuages ont été abordés sous différentes formes : multimédia, visuelle, écrite, musicale ou performative.

Jean-Marc Chomaz préparant l’installation “Sky” du collectif Labofactory installée le samedi à la Maison des Métallos @ Julie Sauret – Chaire arts & sciences

Parmi les nombreuses présentations où la collecte d’eau du ciel était mentionnée implicitement ou explicitement, les travaux présentés par Raphaële Bidault-Waddington, fondatrice du futur laboratoire Occupy the Sky, traitaient principalement du ciel en tant que tel. Les raisons pour lesquelles occuper le ciel va devenir inévitable sont la transition environnementale, la transition démographique (croissance démographique) et la transition numérique (autour de la notion de planète augmentée).

Maxime Berthou, étudiant-chercheur à l’Ensad Lab, présentait son projet artistique Fiction P qui visait à déclencher artificiellement la pluie à la frontière canado-américaine. Pour réaliser le projet l’artiste a conçu des ballons spécifiques pour provoquer la pluie, mettant ainsi les dernières ressources en eau potable sans statut légal réel à la disposition de l’art. Cet effort insensé de l’artiste permettait aussi à l’audience de dépasser les limites du cadre juridique actuel de la biosphère, qui pourrait bientôt devenir obsolète lorsque la rareté de l’eau « atteindra littéralement le ciel ».

De gauche à droite : Maxime Berthou, Sylvain Soussan, Pauline Hégaret, Marie-Julie Bourgeois, Victoria Vesna © Célia Boutilier

La perspective du méta-jardinage

L’incertitude planétaire actuelle est alimentée par l’entretien d’une peur constante et rien ne pourrait être plus opposé à cela que la métaphore du jardinage qui encourage une logique différente : on devient un observateur actif du monde qui nous entoure plutôt que de le fuir. Gilles Clément, ingénieur horticole, jardinier et écrivain célébré, offrait avec sa présentation donnée à la Maison des Métallos le dernier jour un aperçu de première main sur une forme de « méta-jardinage » de la planète.

Selon cette perspective, jardiner ne signifie pas dominer mais signifie s’engager dans une activité partagée et participative, où l’observation est la clé. Le « jardinage planétaire » est une manière figurative de voir un jardin où le paysage est libéré de son asservissement aux besoins de l’homme. « Là où il y a un jardin, il y a un jardinier », affirme Clément qui préfère parler de jardinage planétaire que de jardinage paysager.

Gilles Clément à la Maison des Métallos © Célia Boutilier

« Les musiciens et les architectes sont parmi les premiers à avoir adopté les idées fondées sur les changements de paradigmes dans la nature », explique Nicolas Reeves, artiste et chercheur à Montréal. Il présentait sa Harpe à Nuages, un instrument qui crée de la musique à partir de la forme du nuage interprétée par l’intermédiaire d’un Lidar (détection par laser). Cette présentation captivante et riche en information nous emmenait en voyage dans l’histoire de la harpe et de l’observation de nuages, d’Anaximandre à la géométrie des nuages expliquée par Mitchell Feigenbaum.

Nicolas Reeves présente en détails la « Harpe à nuages » © Célia Boutilier

« Les dragons incarnent le pouvoir générateur de l’eau », expliquait Veronica Strang, anthropologue à l’Université de Durham et auteure du livre Gardening the World: Agency, Identity and Ownership of Water (Jardiner le monde : agentivité, identité et propriété de l’eau). Une perspective humaniste sur la symbolique des dragons et le jardinage avait inspiré le lancement du symposium de trois jours avec un atelier sur les données atmosphériques, incluant une visite au SIRTA, un site de recherche instrumentale en télédétection atmosphérique (IPSL/Ecole Polytechnique/LMD).

Visite du Lidar du SIRTA © Daniel Schorno
Workshop au SIRTA © Julie Sauret – Chaire arts & sciences
Découverte des instruments de télédétection atmosphérique © Célia Boutilier

« Tous les humains n’ont pas affecté la planète de la même manière », expliquait Ana Rewakowicz, co-curatrice du symposium. Des Inuits et d’autres peuples autochtones d’Amérique du Nord et du Sud ont essayé de vivre avec la nature plutôt que de la combattre. La tentative du symposium de présenter différentes voies pour trouver des sources d’eau alternatives plus durables aura ainsi rassemblé une variété d’experts, de praticiens, d’artistes, de chercheurs, ainsi que des représentants des générations futures – la Maison des Métallos accueillait des ateliers pour enfants. Il est possible que l’événement et l’organisation aient (consciemment) suivi le modèle durable de l’écologie culturelle, un encouragement à le prendre comme exemple de bonne pratique.

Les sites internet de Garden the Sky Water , de la Chaire arts & sciences et d’Exoplanète Terre.

Générateur 9, un makerspace catalyseur de synergie à Lyon

Tournage du dernier clip des Fat Bastard Gang Band (Lyon) © Générateur9

Installé au cœur d’un ancien bâtiment industriel entièrement réaménagé dans le 9ème arrondissement de Lyon, Générateur 9 est un atelier partagé qui mélange études de projets et résidences artistiques, artisanales ou technologiques. Ouvert depuis un peu moins d’un an ce makerspace s’invente un futur solidaire et mutualisé.

Maxence Grugier

A la fois atelier de métallerie (l’Atelier 42 de Lucas Griffay), ébénisterie (Thibaut de Laporte), studio de design (Elodie Eisenberg), espace de créations hybrides (Machines à Trucs), lieu de brassage de code (Pierre-Gilles Levallois), réparateur informatique (spécialisé Mac), siège du collectif d’art numérique WSK, bureaux en openspace, lieu de convivialité, lieu de vie et de partage, Générateur 9 est un espace ouvert et transdisciplinaire qui, s’il ne fait pas dans l’accueil du public pour l’heure, est bel et bien un sanctuaire pour des professionnels qui veulent vivre leur activité autrement (et on y brasse aussi de la bière !). Si l’endroit est un laboratoire – coopératif et solidaire, respectueux des principes et pratiques de développement durable – il est d’abord acquis à la recherche, au développement et à l’expérimentation de nouveaux modèles de collaborations interprofessionnelles, en quête de projets singuliers, un peu dingues mais en apportant aussi des réponses bien concrètes aux demandes – multiples et variées – d’artisans, d’artistes et parfois de particuliers (dans le cadre précis de l’élaboration d’un projet – artistique ou technique – spécifique et ponctuel) dans l’idée de développer une nouvelle façon de travailler pour ses occupants. Mais surtout, le Générateur 9 répond à des besoins !

Lucas Griffay – Atelier 42 métallerie – ferronnerie – dans ses œuvres © Générateur 9
Thibaut de Laporte, ébéniste, dans son atelier © Générateur 9
Elodie Eisenberg et  Maxime Prangé (designers) « at work » © Générateur 9
Préparation du live « Ritual » – Flore et WSK © Générateur 9
Au Générateur9, on brasse sa propre bière, et on la boit entre copains ! © Générateur 9

Besoin d’espace

C’est la rencontre de 4 projets professionnels très différents portés par Eric Paul, Thibaut Delaporte, Lucas Griffay et le Collectif WSK (collectif d’artistes œuvrant dans les arts visuels, scénographiques et numériques depuis 2007) et en quête de locaux adaptés à leurs rêves, leurs besoins et leurs envies de collaborations tous azimuts, qui permet d’aboutir en janvier 2019 (après des discussions en 2017 et des travaux en 18) à l’acquisition de cet espace. Ainsi nait le Générateur 9, nommé en l’honneur de son arrondissement d’élection et des symboles de « synergie » et de « production » qu’évoque le terme. Autant dire, un vaste chantier puisque le lieu comprend 650 m2 au total, dont 120 m2 sont désormais dédiés aux ateliers partagés, 75 m2 d’atelier bois, 65 m2 d’atelier métal, 75 m2 de bureaux en openspace, une salle de montage et d’exposition, des espaces de stockage, une cuisine équipée avec terrasse, un coin détente et réunion, et des combles aménageables. Un bel endroit donc, facile d’accès (très proche du centre de Lyon), dans un quartier calme, qui réunit un maximum de compétences au service de tous les projets, qu’il s’agisse d’objets sur mesure, de mobilier, de dispositif de spectacle, d’installations interactives, scénographiques ou autres. (« Si vous avez un projet fou à construire,​ venez nous voir, ​nous serons ravis de nous pencher sur la question ! » déclarent les intéressés sur leur site).

Parmi ces projets, on retrouve par exemple une vitrine interactive pour la fameuse marque Hermès (une commande de l’artiste Nicolas Tourte pour Hermès Paris), dont la réalisation réunissait les compétences de Machine à Trucs (Coordination projet, relation client, constitution équipe, conception & réalisation menuiserie métallique, montage sur site), l’atelier Le Hoop (conception informatique, Lyon), Blindsp0t est un studio de création artistique digitale (Lyon) et l’Atelier 42 de Lucas Griffay pour les conseils technique. Le Générateur 9 est également à l’origine d’une scénographie originale pour la marque Michelin, qui rend hommage à son Bibendum (commande de vendredi 4 et LTBL pour le Musée Michelin de Clermont-Ferrand, réalisation : AlterMadera, Machine à Trucs, WSK).

Mise en place de la vitrine interactive Hermès à l’aéroport de Hong-Kong. DR.
Le musée Michelin de Clermont-Ferrand, dans lequel prend place le dispositif muséographique. DR.

Besoin d’indépendance

« Indépendants, ensemble », telle est la devise (ou presque) qui est également affichée sur le site du Générateur9 (oui, au Générateur, ils sont bons pour les slogans !). « Vivre et créer son activité comme bon vous semble », pourrait en être un autre. Animé par la volonté commune de créer un lieu, spacieux, qui regroupe des artistes, des artisans, des concepteurs et des créatifs, en mettant à leur disposition des outils, des espaces adaptés et le savoir-faire de chacun, pour mieux réaliser différents projets, le local, qui est toujours ouvert aux projets extérieurs, est également un terrain d’échange entre ses différentes parties. Si chacun travaille à ses projets – il faut bien vivre – l’atelier et la promiscuité au quotidien (« Au Générateur 9, on mange ensemble le midi, on reste le soir pour discuter, on échange des idées, on parle de nos projets » explique Pym de WSK), génèrent de nombreux croisements et rapprochements d’activités. Les acteurs collaborent donc régulièrement, selon les (bonnes) volontés de tout un chacun, tout en gardant une certaine souplesse de fonctionnement.

Réunion des résidents du Générateur9 et du collectif d’art numérique AADN © Générateur 9

Au Générateur 9, les bureaux sont personnels ou nomades en openspace. Les différents ateliers (accès sécurisé 7h/22h) sont également personnels, mais dans un espace commun. Tout le monde se côtoie donc, mais participer à un projet commun n’est nullement obligatoire. Il s’agit juste d’un plus, dont les occupants peuvent profiter s’ils en ont l’envie, ou le besoin. Le Générateur 9 s’occupe aussi de l’accompagnement. Les adhérents peuvent y travailler en totale autonomie, dans leurs propres locaux ; ou bien être accompagnés par des professionnels avec qui ils pourront échanger sur toute la chaine de conception, des grandes lignes jusqu’aux détails techniques les plus exigeants, même si un grain de folie est aussi de mise, ainsi l’équipe se réunit en janvier 2019 pour modifier une voiturette de golf électrique afin d’en faire un véhicule de spectacle qui embarque des musiciens-comédiens avec leurs instruments et le système d’amplification pour des concerts swing ambulants.

Création d’un véhicule de spectacle pour concerts de swing ambulants, la Swingcar © Générateur 9

Besoin de synergie

L’émulation intellectuelle et les échanges d’idées font également partie intégrante du lieu. Le Générateur 9 est un catalyseur de synergie. Les différents acteurs, et les catégories professionnelles qui se côtoient dans ce lieu atypique, ont beau être spécialisés, leur savoir-faire répond aussi bien aux demandes du milieu artistique qu’à celui de l’artisanat de commande. Cette unité dans la spécificité est un atout pour la diversité des secteurs auxquels s’adressent les occupants. Peu d’entreprises peuvent se vanter de bénéficier dans le même espace, à la fois d’un secteur d’étude de projet et de conception, qu’il s’agisse d’électronique, de mécanique, de création artisanale ou de commandes artistiques.

Eric Paul, « super concierge » du Générateur9, face au travail de l’artiste Kaley © Générateur 9

Eric (le « super concierge » du lieu) et Pym, sont aussi des facilitateurs : qu’il s’agisse de projets « alimentaires », qui nécessitent d’être compétent dans le travail du métal, du bois, etc., ou de commandes à destination des arts scéniques et numériques, chaque acteur peut intervenir à son niveau, en conseil comme en conception. Le Générateur9 peut intervenir à différents niveaux, que ce soit pour une étude, du prototypage, des modifications ou des finitions) et de différentes manières (dans la fabrication sur-mesure, le façonnage, etc.). Pour cela Générateur9 collabore en premier lieu avec ses adhérents, mais agit aussi avec un réseau élargi de partenaires, de lieux-ressources et de sous-traitance.

Le site du Générateur 9.

Des Terriens japonais sondent la synthèse «Proto-Alien»

Europe, lune glacée de Jupiter qui pourrait abriter la vie. © NASA

Réunis à la Tama Art University de Tokyo pour une journée, sept professeurs et chercheurs en arts et sciences ont partagé leurs perspectives sur la vie, de la biosémiotique aux agents extraterrestres.

Cherise Fong

De notre correspondante à Tokyo.

Qu’est-ce que la vie ? De quoi consistent un humain, une seiche, un corbeau, une iguane, une fougère, une fourmi, un microbe… en sachant que tous remontent à une même soupe primordiale ? Et si nous étions tous nés de la poussière interstellaire ? Quelles sont les autres formes de vie qui existent au-delà de la Terre ?

Deux professeurs d’universités japonaises, Akihiro Kubota (on vous avait parlé de son satellite artistique Artsat primé à Ars Electronica en 2015) et Juan M. Castro, ont invité une poignée de chercheurs en exobiologie, biochimie, biologie spéculative, biosémiotique… à discuter de ces questions ainsi que des enjeux qui les entourent. Le 7 juin 2019, dans un auditorium de la Tama Art University à l’ouest de Tokyo, une centaine d’étudiantes, étudiants et autres visiteurs venus de près et de loin sont venus écouter ces experts dans le cadre d’un colloque intitulé « Matter(s) in Motion ».

Des bouts de poussière cosmique dans la galaxie elliptique NGC 1316. © NASA, ESA, The Hubble Heritage Team

Akihiko Yamagishi, professeur à l’Université de la Pharmacie et des Sciences de la vie de Tokyo, rappelle que tous les êtres vivants sont composés principalement de polymères d’acides aminés dans du liquide, une sorte de soupe de protéines avec de l’ARN qui forment un système génétique. Or, il remarque que de tels composés organiques ont été trouvés dans les nuages moléculaires de certains comètes, astéroïdes, météorites et autres poussières cosmiques.

La mission Tanpopo menée par Yamagishi est une enquête sur l’hypothèse de la panspermie, selon laquelle la vie sur Terre aurait pour origine des germes extraterrestres. De mai 2015 à février 2018, le Japanese experiment module, installé sur la Station Spatiale Internationale qui décrit une orbite autour de la Terre toutes les 90 minutes à une hauteur de 400km, a capturé des échantillons de micrométéoroïdes (météroïdes de moins d’un gramme). L’objectif de la mission Tanpopo est d’estimer la densité des microorganismes qui se trouvent à cette altitude et de déterminer la résilience des microbes terriens exposés dans l’espace. Certains d’entre eux, dit-il, peuvent survivre près de la surface de Mars.

Le Japanese experiment module photographié depuis la navette spatiale Endeavour en 2011. © NASA

Le chimiste Taro Toyota, professeur associé à l’Université de Tokyo, porte un t-shirt jaune vif sur lequel est écrit en japonais « vie cellulaire artificielle ». Il s’intéresse particulièrement aux lipides présentes dans la soupe primordiale de la vie. Lui et ses collègues sont en train de faire des expériences avec de l’huile dans de l’eau, en observant la transformation et le mouvement autopropulsé des micro-objets mous ainsi créés. Selon lui, ces modèles artificiels de cellules chimiques sont reconnus comme des structures prébiotiques plausibles à partir desquelles la vie sur Terre aurait pu émerger.

Yasuhito Sekine, professeur à l’Institut de Technologie de Tokyo, retrouve la poésie dans les corps célestes, qu’ils soient rocheux, gazeux ou glacés. Inspiré de la citation de l’exobiologiste américain Carl Sagan dans les années 1970 « les affirmations extraordinaires exigent des preuves extraordinaires », il poursuit sa recherche de formes de vie extraordinaires depuis les débuts de l’exploration spatiale par les humains (soit seulement depuis ces dernières décennies) : sur Mars, où l’on a trouvé des matières organiques dans le sédiment des anciens lacs ; sur Europe, la lune de Jupiter où l’on a confirmé la présence d’eau souterraine, mais surtout de sel qui donnerait la teinte rouge aux striures de sa surface glacée ; sur Encelade, la lune de Saturne, où l’eau de l’océan souterraine jaillit comme un geyser pénétrant la surface glacée ; sur Titan, la lune géante de Saturne dont l’épaisse atmosphère de gaz contient des lacs de méthane liquide qui pourrait éventuellement abriter une forme de vie.

Près du pôle sud d’Encelade, des jets d’eau glacée jaillissent des fissures. © NASA/JPL/SSI
L’atmosphère gazeuse de Titan vue derrière les anneaux de Saturne et sa lune plus petite, Épiméthée. © NASA

Pour avoir la vie, dit Sekine, il faut trois choses : un liquide, de l’énergie et des composés organiques. Selon ces critères, la zone habitable de notre système solaire comprendrait déjà une vingtaine de corps célestes. Et n’oublions pas que dans l’univers il existe des milliards d’autres galaxies au-delà de la Voie lactée…

Bio art et carbophilie

Pour donner un peu de contexte artistique, culturelle et imaginaire à toute cette recherche scientifique, Ingeborg Reichie, professeure à l’Université des Arts Appliqués de Vienne, présente une petite histoire de la biologie spéculative à travers des œuvres artistiques iconiques, en insistant sur les rapports entre les arts et les sciences médicales : des sculptures « vivantes » créées à partir du tissu cellulaire humain du pathologiste allemand Rudolf Virchow au 19ème siècle aux dernières expériences en bio-hacking de Mary Maggic (dont on vous a parlé du Open Source Estrogen en 2016). Plus qu’une vision esthétique, dit Reichie, le bio art propose une réflexion sur le contexte changeant des possibilités d’existence de la vie.

Jens Hauser, chercheur à l’Université de Copenhague, note une transition progressive dans la vie artificielle, depuis une tendance qu’il appelle « carbophobe » (e.g. la robotique, l’intelligence artificielle, Leonel Moura : « Le but c’est de générer la vie comme expression artistique (non pas la vie telle quelle mais plutôt la vie telle qu’elle pourrait être) ») vers une tendance « carbophile » (e.g. la biologie synthétique, le wetware, Eduardo Kac : « Le bio art utilise les propriétés de la vie et ses matériaux, modifie les organismes au sein de leur propre espèce, ou invente des formes de vie avec de nouvelles caractéristiques »).

Le Grand Prismatic Spring au Parc national de Yellowstone aux Etats-Unis, où la vapeur sort de l’eau bleue chaude et stérile entourée d’archées de couleur orange vif. © Yellowstone National Park

« Si “la vie” en tant que concept est avant tout un motif transposable à travers différents media, dit Hauser, il faut s’intéresser aux écologies extrêmes de la vie marine, aux phytoplanctons et aux bactéries extrêmophiles, ainsi qu’à l’exobiologie, cela afin de scruter les capacités techniques innées des microorganismes, lorsque la “nature” elle-même fait de l’ingénierie et synthétise. » De plus, selon le biosémioticien, le bio art s’intéresse plus récemment à l’épistémologie : « Au-delà de la manipulation des bio-briques (dans la biologie synthétique), ces arts enquêtent et traitent des notions telles que les origines de la vie, la recherche microbienne et proto-cellulaire. »

Et on a beau vivre dans l’ère dit Anthropocène, une vision anthropocentrique limite nos recherches comme notre imagination. « L’art wetware questionne de manière critique et créative la mentalité anthropocentrique qui règne dans le monde de l’ingénierie de vie artificielle en milieu liquide et sur la responsabilité qui s’ensuit. Les pratiques artistiques utilisant les biotechnologies ont pour but de faire connaître l’invisibilité du microscopique et l’incompréhensibilité du macroscopique. Elles contestent philosophiquement et politiquement l’échelle humaine comme point de référence cruciale. »

Proto-Alien

Et si on arrivait à synthétiser d’autres formes de vie extraterrestres sur Terre ? Car si la vie n’existait pas, il faudrait sans doute l’inventer.

Juan M. Castro, professeur associé à l’Institut des Arts Médias et Sciences Avancés, présente le projet Proto-Alien, qu’il mène en collaboration avec les professeurs Sekine et Kubota. Leur but, aussi bien scientifique qu’artistique, est de créer des proto-cellules à la limite du vivant en utilisant des matériaux non-terrestres et de les cultiver dans des liquides autres que l’eau. En particulier, ils comptent observer la capacité des proto-cellules à s’auto-assembler, leur tendances morphogénétiques et le comportement dynamique de ces assemblages non-terrestres.

« Notre but, explique Castro, est d’utiliser la matière extraterrestre pour faire pousser des agents mous, actifs et intelligents : des “autres” autonomes qui se développent et évitent l’équilibre dans des environnements extraterrestres. Une nouvelle forme d’agentivité alien, jusqu’ici inconnue par les humains. »

Akihiro Kubota, professeur à la Tama Art University de Tokyo. © Cherise Fong

Akihiro Kubota reprend les discussions autour de la vie en soulignant l’importance d’éliminer nos préjugés humains en explorant les possibilités où la recherche scientifique peut recouper l’imaginaire artistique (ce que la science-fiction spéculative fait depuis des lustres…). Même sur la Terre, rappelle-t-il, il existe des biosphères cachées (shadow biospheres) dans les profondeurs de l’océan et de la croûte terrestre, en citant le livre de David Toomey Weird Life qui décrit plusieurs formes de vie sur (et sous) Terre qui sont radicalement différentes de la nôtre.

En parlant justement des types trophiques extrêmophiles, la microbiologiste Karen Lloyd (malheureusement absente du colloque), de l’Université de Tennessee aux Etats-Unis, a donné deux conférences Ted passionnantes en 2018 et 2019 sur des bactéries sous-marines et souterraines qui vivent sans lumière ni oxygène, qui respirent, mangent, excrètent les minéraux… et qui refusent de pousser en laboratoire.

Pourquoi ? Parce que ces microorganismes subsistent sur environ 1 zeptowatt (10 à la puissance -21 watts) d’énergie, contrairement à la centaine de watts que nécessite un être humain, ce qui veut dire que leur métabolisme se mesure en milliers sinon en millions d’années, autrement dit, d’une lenteur imperceptible à l’échelle de temps humaine. Microbiologie, géologie ou exobiologie ? L’ADN des microbes les plus obscurs montre que nous sommes tous issus de la même soupe primordiale…

Le site du colloque « Matter(s) in Motion »

Vergers urbains : comment le futur d’un Paris vert et comestible se dessine

Toute l'équipe Gusté mobilisée pour la création d'un potager sur le toit du Pavillon Royal, avec Toits vivants et Vergers Urbains © Sébastien Goelzer

Vergers urbains est un acteur de la revégétalisation de la capitale et un des membres actifs de l’association Fab City Grand Paris qui milite pour la relocalisation de la production en ville. Makery est allé à leur rencontre.

Frank Beau

Paris est une ville ancienne, dense et minérale. En 2004, l’APUR (Atelier Parisien d’Urbanisme) faisait remarquer qu’un habitant Parisien dispose de 14,5m2 de verdure (si l’on compte les bois) et 5,8m2 sans les bois. A Amsterdam c’est 36, Londres 45, Bruxelles 59, Vienne 131, Rome, 331. Un romain disposait donc de 22 fois plus de verdure qu’un parisien. L’augmentation des pics de pollution, la part de la voiture dans l’espace public, l’impact des canicules, le départ de nombreux parisiens, ont fait évoluer les mentalités. Depuis 2014, la Ville de Paris a engagé plusieurs programmes visant à végétaliser Paris : l’opération Du Vert près de chez moi, le permis de végétaliser dans l’espace public, mais encore le Budget participatif. L’idée de faire de Paris une ville verte et pourquoi pas comestible fait son chemin, notamment grâce à des associations pionnières comme Vergers urbains.

La création de Vergers urbains

Le projet Vergers urbains démarre en 2012 avec une action de greffe de cerisiers fruitiers impasse de la Chapelle. « Vergers urbains a pour objectif d’amener la nourriture en ville, de faire que les habitants s’approprient leur environnement. L’idée est de changer le paysage, de produire à l’échelle locale, de sensibiliser à l’alimentation saine et de montrer que chacun peut produire en bas de chez lui sous différentes formes », explique Sébastien Goelzer son responsable légal.

Sébastien Goelzer, responsable de Vergers urbains © Frank Beau
Les bureaux de Vergers urbains, rue Buzelin dans 18ème arrondissement de Paris © Frank Beau

Il faut se souvenir qu’en 2014, les jardins partagés de la Ville de Paris, gérés par des associations conventionnées constituent la norme. Ces derniers sont rarement ouverts sur l’espace public. Lorsque la Ville de Paris lance ses actions de végétalisation, le défi de l’implication des habitants se pose rapidement. Des structures comme Vergers urbains vont constituer un rouage essentiel. « Notre rôle est en effet d’accompagner les habitants dans la création de jardins partagés ouverts. Cela peut être avec les bailleurs sociaux, en pied d’immeuble, dans des espaces travaillés par la ville, dans des squares, sur des espaces à dimension privée. Les modèles sont adaptés en fonction des habitants et du site » explique Sébastien Goezler. Vergers urbains répond à des appels à projets de mairies d’arrondissement ou par exemple de Parisculteurs. L’association a ainsi accompagné une centaine de projets sur Paris, en banlieue et dans d’autres régions. Elle compte actuellement cinq salariés, quatre stagiaires, trois services civiques, des freelance et de nombreux bénévoles. Leurs compétences sont variées : animation, jardinage, charpente, menuiserie, paysage, urbanisme, agronomie, arboriculture, etc.

Les premières années de l’agriculture à ciel ouvert

Vergers urbains développe ses propres projets, afin d’expérimenter. Elle gère notamment le jardin pédagogique Commun jardin situé sous la Halle Pajol à quelques pas du local de l’association. Abdel est l’un des jardiniers volontaires présent lors de notre visite. « J’ai tout appris en Algérie avec mon père et grand-père. Je faisais tout : la menuiserie, mécanique, le jardinage » nous raconte t-il. Il vient jardiner à sa guise et très régulièrement et nous montre ces plants de tomate, fraise, oseille, courge, fève, petits pois, haricots. « Pour ce genre de projet, certaines personnes nous ont dit : ça ne marchera jamais » remarque Sébastien Goezler « mais au final la majorité des riverains se montre intéressée par la démarche». Ce projet audacieux montre qu’il est possible que cultiver bien des choses en plein cœur de Paris mais pour les collectifs de riverains, de nombreux défis restent encore à résoudre.

Commun jardin à la Halle Pajol © Frank Beau

Sébastien cite le projet des Gens de Cottin, emblématique de l’appropriation de l’espace public par des riverains du 18e. Florence Meyer qui a porté l’initiative nous raconte : « Le coin de la rue Jean Cottin servait de poubelle de quartier. Ce n’était pas très agréable. On s’est dit que mettre des jardinières, ce serait bien. Vergers urbains a cru au projet. Nous avons eu quatre programmes depuis 2014 et l’association nous accompagne toujours. La mairie nous a beaucoup aidé aussi ». Vergers urbains a proposé d’installer un composteur, un coffre à outil, récupérateur d’eau afin de rendre l’espace plus accueillant. Mais le projet touche encore une limite critique. « Des gens cassent des branches, mettent des cochonneries dans les bacs, cueillent les fruits quand ils ne sont pas mûrs. Le problème c’est surtout l’été. Le projet a rassemblé jusqu’à 30 personnes. Il ne regroupe plus qu’une douzaine d’habitants. L’incivilité reste un gros problème pour la pérennité de cette action » raconte Florence Meyer.

Le chantier des Gens de Cottin © Sébastien Goelzer
Projet des Gens de Cottin © Sébastien Goelzer

Pour Philippe Durand, adjoint au maire notamment en charge des espaces verts et de la nature en ville du 18ème « Dans les écoles c’est plus facile l’été car il y a les centres de loisir. Pour les riverains c’est plus compliqué. On peut essayer de voir avec les services de la ville, mais ils sont réticents à mettre le doigt dans cet engrenage. Par ailleurs l’un des gros problèmes de l’été, c’est que l’on a besoin d’eau. Nous avons fait l’acquisition d’Oyas, un système de gestion écologique de l’eau. Ce sont des poteries que l’on met dans la terre, qui puise l’eau quand elle en a besoin. Cela utilise à peu près trois fois moins d’eau, même s’il faut les remplir régulièrement ».

L’engagement citoyen, indispensable au développement de l’agriculture urbaine rencontre partout une limite de continuité. A ce jour nombre de projets passent par le Budget participatif de la Ville de Paris. La ville investit dans le matériel, mais ne peut pas soutenir l’animation. La mairie du 18ème a sanctuarisé un budget sur ces questions et passé un contrat avec Vergers urbains et d’autres structures pour mettre en place ces projets, mais il reste à résoudre l’accompagnement des collectifs sur la durée. Philippe Durand pense que la Ville de Paris doit à terme renforcer ses moyens. « On peut imaginer de créer des cantonniers de quartiers, comme cela existait dans les villages dans le temps », ajoute t-il.

Le Verger Fleury, square E.Fleury dans le 20ème arrondissement de Paris © Sébastien Goelzer

Vera est animatrice locale employée par Vergers urbains. Même si elle n’a pas la charge de suivre chaque projet mis en place, elle représente en quelque sorte les prémisses d’un tel métier. Véra organise des ateliers de semis, bouture, tissage d’osier de Saule, mise en place de composteur et anime des ateliers dans les écoles du quartier Pajol. A ce titre, elle souhaiterait que son travail dans les écoles soit évalué. « A ce jour, il n’y a pas d’engagement au-delà de me faire venir. Les maîtresses ne sont pas associées. Une institutrice m’a dit un jour : ah bon un radis ça fait des fleurs ? Les enseignants manquent de connaissances, du coup ils ne peuvent pas transmettre ». Véra dit avoir trouvé dans un placard un manuel scolaire des années 20. « Il faut voir ce qu’ils savaient sur les feuilles, la botanique, les classes scientifiques, les terres agricoles, à l’époque » remarque t-elle, estimant « au risque de paraître réactionnaire » qu’il faudrait revenir aux programmes d’avant. Marie, est en service civique au sein de l’association. Elle estime pour sa part qu’il faut travailler sur la planification alimentaire, arrêter l’urbanisation, préserver les terres agricoles en Île-de-France. Ce stage est pour elle « Un vrai apprentissage. Je me rends compte de tout ce qu’il reste à faire. Je pense que l’on devrait mettre plus en avant les métiers de paysan, d’artisan ».

Marie, Véra et Abdel de Commun jardin © Frank Beau
La cabane de Commun jardin © Frank Beau

Le point de bascule de la ville verte et comestible

En matière agricole Paris repart de loin. « Beaucoup de riverains sont analphabètes en terme horticole. Nos grands parents savaient jardiner, ce qui a été perdu après deux-trois générations d’urbanisation » souligne Philippe Durand. Pourtant, en l’espace de quelques années, à force de multiplier ces initiatives chacun note que les mentalités commencent à changer. « Avant, un enfant voyant un ver de terre était dégoûté » raconte Sébastien Goezler « maintenant dans les animations certains veulent presque les manger ». Pour Sébastien « Le point de bascule de la ville comestible sera atteint lorsqu’on aura regagné du terrain sur la voiture. On voit que les problématiques avancent, avec le débat sur le périphérique, les voies sur berge ». Pour Philippe Durand « L’enjeu est d’arrêter un processus de bétonisation. A chaque fois que l’on fait des aménagements, il faut prévoir de l’agriculture urbaine ». Si le prix du foncier reste la clé, la question de la rentabilité de l’agriculture urbaine commence à se poser. Sébastien Goezler cite à ce titre des projets pionniers. Celui de Toits vivants disposant de 800m2 de maraîchage sur le toit du Centre Jean Dame dans le 2ème arrondissement et La caverne, ferme bio cultivant des champignons de Paris, Shiitakes, pleurotes et endives dans un parking sous-terrain (dont on vous avait déjà parlé l’an dernier).

Le toit du Centre Jean Dame destiné au maraîchage © Sébastien Goelzer

Vergers urbains participe ainsi à la re-formation d’un écosystème global susceptible de modifier en profondeur notre rapport à la nature en ville. Dans le futur l’association compte apporter son expertise à d’autres villes, renforcer la formation notamment en permaculture comme elle le fait déjà aux côtés de l’École Du Breuil, et développer l’insertion. Le 29 juin elle inaugurera avec d’autres partenaires le projet des Fermiers généreux, sous la Ligne 2 du métro, Porte de la Chapelle dans l’un des quartiers les plus complexes de l’est parisien. Ce lieu ressource intégrera une bricothèque, outilthèque, grainothèque, une cuisine partagée pour transformer les produits cultivés sur place, faire des événements. Il y a fort à parier que toute réussite de conciliation des usages à cet endroit constituerait un élément de bascule supplémentaire vers une conception globale et vertueuse de la place de la nature et de l’agriculture en ville. Une initiative à suivre.

Le projet des Fermiers généreux pour La Chapelle © Vergers urbains

Retrouvez l’association Vergers urbains.

A Taïwan, le Nomade des Mers à la découverte de l’électronique low-tech

Comment apprendre en faisant à bord du Nomade des Mers ! © Jean-Jacques Valette

Parti de France il y a trois ans, le catamaran de l’association Low Tech Lab mène un tour du monde de l’innovation frugale. Dans l’île sécessionniste chinoise, il est parti à la rencontre du mouvement maker et de ceux qui militent pour un numérique plus sobre et citoyen.

Jean-Jacques Valette

Chroniqueur en résidence, texte et photos

Après une traversée d’une semaine depuis les Philippines, le Nomade des Mers fait désormais escale à Taipei, capitale de Taïwan. Avec à la barre l’ingénieur Corentin de Chatelperron, le catamaran et son équipage tournant de bénévoles mènent depuis trois ans un tour du monde des « low tech ». Des technologies frugales et résilientes qui permettent de répondre aux besoins fondamentaux de l’humanité tels que l’accès à l’eau, à l’énergie ou à une nourriture saine. Des inventions locales que l’association Low Tech Lab documente ensuite en open source pour en faire bénéficier gratuitement le plus grand nombre.

«C’est une escale un peu paradoxale pour nous », constate Corentin. « Taïwan est un des centres mondiaux de l’industrie électronique avec des géants comme HTC, Asus ou Acer. C’est un pays très high-tech mais on s’est dit que c’était justement là qu’il fallait chercher si on voulait découvrir des pistes pour rendre l’électronique plus durable . Pour l’instant, sur nos trois critères pour mesurer le niveau low-tech – c’est à dire utile/accessible/durable – le numérique n’a pas une bonne note et est une source importante de pollution et de gaspillage des ressources naturelles. Mais c’est aussi un outil indispensable pour communiquer et diffuser les connaissances au niveau global. S’en passer changerait radicalement nos vies. On pourrait toujours revenir au sextant et aux cartes papiers sur le bateau, mais notre mission de trouver et diffuser de bonnes technologies ne serait plus possible sans Internet » , explique Corentin.

A bord du Nomade des mers © Jean-Jacques Valette

Cette escale est aussi l’occasion pour l’équipage de découvrir la sphère culturelle chinoise car l’île a fait sécession avec la Chine continentale en 1949 après la révolution maoïste et est restée depuis indépendante. « On aurait bien aimé aller en Chine également, car c’est la puissance montante du XXIème siècle et c’est dommage de faire un tour du monde et de passer à côté. Mais les autorisations sont carrément impossibles à cause de toutes les plantes et animaux qu’il y a à bord », se désole Corentin.

Accueil chaleureux à Taïwan © Jean-Jacques Valette

Ambiance cyberpunk

L’équipage s’est donné plusieurs missions pour améliorer le bateau à cette escale. Premièrement, concevoir un système de contrôle automatique pour la serre hydroponique qui pousse dans la cabine et souffre de la chaleur tropicale de l’île. Ensuite construire un ordinateur le plus rustique et abordable possible pour pouvoir accéder à bord à Internet. Enfin, modifier un vélo pliant pour qu’il puisse recharger un smartphone en roulant.

Mais pour cela il faut des composants. Heureusement, Taipei a l’un des plus grands marchés électroniques de la planète. Au cœur de la ville, face à l’université nationale des technologies, se tient un quartier à l’ambiance cyberpunk, baigné dans la lueur des néons et des écrans géants. Autour d’un centre commercial de six étages, des dizaines de boutiques proposent le dernier smartphone, des cartes graphiques de gamer ou du ruban LED au mètre.

Les rues de Taïwan ont souvent un air cyberpunk, comme ici à Ximending © Jean-Jacques Valette

Et ce n’est que la pointe de l’iceberg, car si l’on entre dans ce qui ressemble à une bouche de métro, on découvre une véritable ville souterraine, avec plusieurs niveaux de boutiques plus ou moins spécialisées. Un véritable paradis pour les makers ! Chaque magasin est rempli du sol au plafond de composants, alignés sur des mètres d’étagères dans de petites boites ou dans des sachets. En levant les yeux on découvre des panneaux solaires et des forêts de câbles multicolores.

Jean-Jacques Valette en plein shopping © Jean-Jacques Valette
© Jean-Jacques Valette

Corentin trouve rapidement ce qu’il est venu chercher : de petits modules à quelques euros, qui permettent de convertir le courant sans avoir à faire de douloureux calculs de résistance. D’autres pour ouvrir des relais ou charger des batteries lithium de récupération. Et surtout un Arduino et un Raspberry Pi. Deux petits circuits imprimés de la taille d’une carte de crédit qui sont en fait de véritables ordinateurs.

Corentin de Chatelperron en discussion sur les cartes Arduino et Raspberry Pi © Jean-Jacques Valette

Ordinateur en bois

De retour sur le bateau, c’est à moi qu’il incombe de construire le pilotage automatique de la serre. Panique ! Ma seule expérience avec Arduino se limite à des vidéos de construction de droïdes sur Youtube et j’avoue avoir tendance à sauter la partie ennuyante sur le code. Heureusement, j’ai emmené avec moi un manuel pour débutant et après quelques heures et cheveux en moins – et un coup de main de Corentin pour couper les lignes de code inutiles – j’ai un prototype qui fonctionne !

© Jean-Jacques Valette

Vissée sur une planche de bois, la carte Arduino côtoie les deux batteries, les relais et différents modules pour ajuster le courant et un domino qui alimente les pompes. Lorsque la température dépasse les 30°C, une sonde de température envoie via l’Arduino un signal qui allume un ventilateur. Toutes les 15 minutes, le système alimente au choix deux pompes à eau pour les cultures hydroponiques, un bulleur pour la spiruline ou les deux cellules lithium. Car le tout est évidemment solaire et autonome !

Avec l’aide de Gia, Corentin travaille de son côté sur le Raspberry Pi. Cette franco-taïwanaise a découvert depuis deux ans ce petit ordinateur et s’en est pris de passion au point de se fabriquer une console de jeu et bientôt un robot. Au dos de la planche qui abrite l’Arduino, ils fixent le petit Raspberry Pi. « On a choisit le modèle Zéro W, qui ne coûte que dix dollars et fait la taille d’un chewing-gum, tout en ayant le Wifi et le Bluetooth », explique Corentin.

Gia, experte en Raspberry Pi © Jean-Jacques Valette

« C’est la première fois que je bricole avec ça et c’est vraiment impressionnant. Il suffit de copier-coller le programme sur la carte SD, brancher un écran et on a un PC ! Le tout pour quelques euros et très peu de consommation électrique » Celui-ci servira notamment pour consulter les cartes nautiques. Mais encore faut-il qu’il résiste à la corrosion de l’air marin, qui a complètement dévoré une carte Arduino oubliée sous l’établi.

Pour éviter cela, Corentin réemploie une technique testée quelques semaines auparavant pour la lampe solaire : le thermoformage de bouteilles plastiques. La planche devient un tiroir dans une boite en bois et le jeune ingénieur fait fondre un bidon d’eau minérale autour de celle-ci. Résultat : un superbe ordinateur low tech, avec même une prise pour recharger son téléphone si on dévisse le bouchon de l’ancienne bouteille !

Corentin à l’établi © Jean-Jacques Valette
Un ordinateur au design 100% low tech lab © Jean-Jacques Valette

Il reste encore à faire la conversion du vélo, et pour cela l’équipage part à la rencontre d’Open Lab (dont Makery vous avait déjà parlé il y a deux ans). Fondé en 2010, il est le premier hacker space de Taïwan et se niche sur une colline, dans les anciens baraquements de Treasure Hill, reconvertis aujourd’hui en village d’artistes.

L’équipe du film Nomade de Mers en route pour Treasure Hill © Jean-Jacques Valette

Treasure Hill et pirates makers

Honki, l’un des fondateurs du tiers-lieu, nous y accueille. L’endroit est petit mais fourmille de machines et d’inventions à différents stades d’avancement. Dans le couloir, un groupe d’étudiant teste une maquette d’avion en balsa et en plastique de seulement deux grammes. Un petit élastique permet d’entraîner l’hélice et de lui faire parcourir plusieurs mètres, et peut-être de battre un record au Guinness Book. Sur une table, des cartes électroniques avec la silhouette de l’île crachotent « Taiwan, number one ! » lorsque l’on appuie sur un bouton. « Ça énerve les chinois continentaux », en rigole Honki.

Maquette en balsa © Jean-Jacques Valette
Honki montrant à Corentin la carte électronique « Taiwan number one! » © Jean-Jacques Valette

« On pourrait penser que Taïwan est une capitale de makers mais ce n’est pas le cas. La réalité c’est que le mouvement peine à prendre son essor dans le monde chinois », constate Honki en désignant l’exiguïté du lieu. « Il est un peu plus présent à Taïwan ou Hong-Kong qu’à Singapour ou Macao, car ce sont des pays démocratiques où il y a plus de gens ‘bizarres’. Mais globalement la mentalité chinoise c’est ‘Est-ce que tu vas en tirer un profit ?’ Quand j’étais petit j’adorais déjà bricoler mais pour mes parents c’était une perte de temps. Aujourd’hui, les étudiants mènent des projets makers mais uniquement pour décrocher des bourses et ils arrêtent après. Il n’y a pas encore cette culture de l’acte gratuit et désintéressé ».

Pour aider les projets, l’atelier a pourtant un stock énorme de pièces détachées de récup’, méticuleusement triées dans des tiroirs. Une des fiertés de ses occupants. Johnny y découvre un petit moteur d’imprimante, qu’il entreprend de transformer en dynamo pour le vélo. L’Australien de 75 ans s’y connaît en bricolage. Il a cofondé une ville écologique et planté une jungle là où il n’y avait qu’un désert, à Auroville en Inde dans les années 1970. Depuis il y vit et y fabrique des machines low tech, quand il ne voyage pas avec Corentin.

Johnny, l’historique d’Auroville, trouve son bonheur à l’Open Lab Taipei. © Jean-Jacques Valette

Smartphone low tech

Mais il ne suffit pas de faire tourner le moteur à l’envers pour produire de l’électricité et charger le téléphone. Le courant obtenu est de l’alternatif avec une très haute tension. Après avoir grillé quelques composants, Johnny et Corentin installent un pont de diode ainsi qu’un module USB pour stabiliser le courant à 5V. Une petite boite en plastique protégera les composants de la pluie et une roue en contact avec le pneu du vélo entraînera le tout.

Bricolage du vélo à la marina © Jean-Jacques Valette

Les trois projets sont désormais accomplis. Les tutoriels sont en cours et une équipe de Arte a même filmé leur réalisation pour la prochaine saison de la série documentaire. C’est le moment pour l’équipage de souffler et de s’accorder une petite randonnée de deux jours sur le volcan qui domine la ville, avant de reprendre la mer.

« Il aurait fallu rester deux mois de plus parce qu’on a tout juste découvert le monde de l’électronique low-tech », constate Corentin. « J’aimerais aller plus loin sur l’ordi low-tech, les possibilités de l’Arduino, les réseaux internet locaux, le recyclage de déchets électroniques, le sourcing de composants ‘fair’ et plus écolos … Et puis j’ai très envie désormais de fabriquer mon propre téléphone avec un Raspberry Pi et un écran tactile ! »

Déjà d’autres aventures attendent le Nomade des Mers au Japon avec une étape dédiée aux micro-organismes (compost bokashi, lactofermentation…) et au style de vie minimaliste. Mais pour moi, c’est l’heure de rentrer en France, avant de repartir explorer d’autres laboratoires férals cet été !

En savoir plus sur le Nomade des Mers.

Jean-Jacques Valette est chroniqueur-en-résidence du réseau Feral Labs soutenu par le programme Europé Créative de l’Union Européenne.

Biennale de Venise : sexe, prison et numérique au Pavillon Taïwan

La pièce panoptique principale de l'installation "3x3x6" de Shu Lea Cheang à la Biennale de Venise © Shu Lea Cheang

Invitée à représenter Taïwan à la Biennale de Venise, dans les murs de l’ancienne prison du Palazzo delle Prigioni, l’artiste Shu Lea Cheang a choisi d’aborder la question de l’emprisonnement pour crimes sexuels et de nous confronter à la «prison numérique» que génèrent nos technologies intelligentes.

Ewen Chardronnet

Pour ceux qui ne la connaissent pas, Shu Lea Cheang est une figure du net.art et du mouvement cyberféministe ayant émergé dans les années 1990. Résidente new-yorkaise à l’époque, elle a été notamment membre active du collectif de vidéo activiste Paper Tiger Television (comme Nathalie Magnan dont on avait pu vous parler l’an dernier et qui voit prochainement une rétrospective de ses films à la Gaîté Lyrique et à la Cinémathèque). Depuis, Cheang a abordé dans son travail « des questions aussi diverses que le sexe, le genre, l’écologie, l’argent, l’alimentation, les futurs possibles et les médias », souligne Matthew Fuller dans le catalogue de l’exposition présentée à Venise. « Son travail peut prendre différentes formes qui englobent le film, l’installation, les interventions en ligne, les processus sociaux et l’intervention directe dans les systèmes sociopolitiques, techniques et esthétiques, ainsi que dans les imaginaires qui les nourrissent. »

Shu Lea Cheang

Les films de Cheang sont particulièrement notables sur leur manière de manier performance post-porn et science-fiction cyberpunk sur des tournages courts et c’est un peu de cette esthétique que relève son projet 3x3x6 présenté à Venise cette année. On pourra citer en exemple le pionnier I.K.U. réalisé en 2000 et qui élabore un scénario où les données de l’orgasme sont collectées par les disques durs d’androïdes et transférés sur puces pour téléphones mobiles afin d’être téléchargées, une marchandisation du plaisir que l’on peut vivre autant de fois que l’on veut. Ou plus récemment en 2017 avec Fluidø, un film « cypherpunk » qui voit le VIH se transformer en une drogue procurant du plaisir. Mais le virus est interdit, ce qui favorise un marché noir florissant que Cheang fait incarner par une panoplie de personnages. Dans le très post-porn Fluidø, pas de pénétration hétérosexuelle standard, mais une grande diversité de pratiques sexuelles, avec un goût prononcé pour la mise en scène des fluides.

Bande-annonce du film Fluidø de Shu Lea Cheang (2017) :

Casanova en prison

Aujourd’hui installée à Paris, Cheang était donc invitée cette année à représenter Taïwan à la Biennale de Venise par le Musée des Beaux Arts de Taipei qui organise le pavillon depuis 1995 au Palazzo delle Prigioni, l’ancienne et célèbre prison qui communique avec le Palais des Doges par le Pont des Soupirs. Inspirée par le lieu proposé, Shu Lea Cheang choisissait d’emblée de s’attaquer au thème de l’incarcération et en ce sens le titre du projet, 3x3x6, fait référence à l’architecture normalisée de l’emprisonnement industriel des « criminels sexuels » et « terroristes » en Occident : une cellule de 3 x 3 mètres, sans fenêtre, surveillée 24/24 par 6 caméras.

Teaser de l’exposition :

Lors d’un entretien réalisé quelques jours après l’ouverture à Venise, Shu Lea Cheang nous disait : « Tout a commencé avec le bâtiment du Palazzo delle Prigioni lui-même, quand j’ai appris que toute l’exposition se ferait dans ce lieu, que j’aurais tout l’espace. Pour ma première visite sur place je me suis renseignée sur l’historique de la prison, sur la mémoire belle ou cruelle que porte déjà le lieu, et, en effectuant ces recherches, j’ai découvert que Casanova y avait été emprisonné. Et puis, en me rendant à la première visite, je me suis dit aussi qu’il serait bon de revenir à mon interface panoptique du projet Brandon. »

Comme l’explique Matthew Fuller, Brandon (1998-1999) est « l’un des principaux projets d’art sur Internet qui a émergé de l’explosion de l’activité dans ce domaine à la fin des années 1990 ». Le projet visait à raconter l’histoire de Brandon Teena, un homme transsexuel du Nebraska qui avait été violé et assassiné en 1993, tout « en créant un espace de rébellion contre les forces annihilantes de la normalité sociale ». Des versions de la plateforme proposée par Shu Lea Cheang apparaissaient en mur vidéo sur les sites du Guggenheim de SoHo et de la Waag Society d’Amsterdam.

« Progressivement j’ai fait évolué la version de l’interface historique du panoptique vers une version contemporaine, en termes de caméras de surveillance, etc., nous dit Shu Lea Cheang. Aujourd’hui, la prison n’a pas de murs, nous vivons dans une prison beaucoup plus grande et sans murs, et bien sûr, et aujourd’hui cela revient à évoquer les big data, les données massives des médias et de nos environnements numériques. » Shu Lea Cheang se décide alors à inviter Paul B. Preciado à se joindre à elle en tant que commissaire associé. Paul B. Preciado écrit dans le catalogue à propos de l’emprisonnement numérique contemporain : « Un régime d’incarcération massive coexiste désormais depuis trente ans avec de nouvelles formes de contrôle numérique et biotechnologique ; l’avènement de la société de contrôle n’a pas effacé les technologies architecturales du régime disciplinaire, mais a plutôt établi une alliance inattendue. Les nouveaux appareils de contrôle sont constitués d’une juxtaposition de technologies de production de subjectivité multiples (et souvent conflictuelles) issues de divers régimes historiques. Nous ne sommes plus des sujets analogiques de la discipline, mais nous ne sommes pas encore des êtres numériques entièrement modulaires du contrôle. Nous sommes en transition. »

Paul B. Preciado

« J’ai beaucoup travaillé sur la déviance sexuelle, mais il était question ici d’incarcération de déviances sexuelles, aussi associer Paul B. Preciado est vite devenu une évidence », explique Shu Lea Cheang. Et l’idée de traiter de dix cas d’emprisonnement pour crimes sexuels s’est imposé assez vite aux deux auteurs. « Rapidement nous nous sommes mis d’accord sur trois cas historiques, Casanova, le Marquis de Sade et Michel Foucault, et sur le fait que les autres devaient être contemporains mais que nous devions définir des typologies de crimes. C’est pourquoi nous avons ajouté le mot X, aucun des cas contemporains ne correspond en réalité à une seule personne. »

Dix films pour dix typologies de crimes sexuels

Une salle de l’exposition propose dix écrans projetant les dix films réalisés en 4K et qui réinterprètent de manière queer et fluide les dix typologies définies (avec notamment des inversions de genre, une femme joue Sade, etc.). Preciado décrit les raisons de l’emprisonnement de Casanova à Venise : « Casanova, qui multipliait les partenaires sexuels essayait pour autant d’éviter la syphilis et les grossesses, et de ce fait a été le principal promoteur de l’utilisation du préservatif à la fin du XVIIIe siècle (aux côtés de Jeremy Bentham – le père de la prison panoptique, ndlr) – un point de vue très opposé à celui de l’église et de l’état. Cheang, allant à l’encontre de la représentation occidentale de la masculinité asiatique castrée, crée un Casanova X asiatique hypersexuel, au genre fluide, incarné par l’artiste taïwanais Enrico Wey. Elle dépeint non pas l’icône occidentale de l’hétérosexualité masculine, mais une image du premier éducateur sexuel : un pionnier du safe sex, qui a dépassé les différences stéréotypées entre les sexualités straight et queer. »

Les 10 films 4K sont installés au sol pour une vision en surplomb © Shu Lea Cheang

Le film OO X raconte l’histoire d’un jeune homme séropositif emprisonné dans une prison taïwanaise depuis dix ans pour avoir propagé le virus du sida lors de relations sexuelles de type chemsex (sous l’effet de drogues) avec des hommes homosexuels rencontrés via des réseaux sociaux. Preciado : « Cheang crée un conte fictif dans lequel OO X, accompagné de ses onze partenaires sexuels convoqués à l’audience en tant que témoins, tous vêtus du costume rose traditionnel du prisonnier taïwanais pendant les années de la loi martiale, dansent sous une pluie de pilules. »

Photogramme du film « OO X » © Shu Lea Cheang

Le film sur Michel Foucault (interprété par Félix Maritaud, révélé dans 120 battements par minute et Sauvage) raconte comment, jeune chercheur, il avait été séduit en 1959 par un agent polonais dans le but de révéler sa sexualité et de mettre en difficulté l’ambassade de France par son emprisonnement. Le film sur le Marquis de Sade déconstruit lui les représentations cinématographiques et littéraires habituelles du divin marquis. « Le véritable Sade historique pesait plus de 180 kilogrammes et sa pratique sexuelle la plus consistante n’était pas hétérosexuelle mais l’auto-pénétration anale. » C’est la performeuse Liz Rosenfeld qui incarne le Sade X de Cheang. Preciado : « Le film rend hommage à la résistance via l’écriture et l’expression de la sexualité en prison, il décrit le sauvetage du manuscrit Les 120 Journées de Sodome grâce à l’idée de Sade de cacher le manuscrit de douze mètres de long dans un gode creux qu’il utilisait pour la pénétration anale dans sa cellule à la Bastille en 1785. » Après la prise de la Bastille, Sade avait cru le manuscrit perdu, il fut finalement retrouvé et publié en 1904.

Dans un autre film, Sade X rencontre MW X, un homme condamné à la réclusion à perpétuité pour avoir tué un homme rencontré dans un café cannibale sur Internet. il avait signé un contrat acceptant de manger l’homme après un rituel sexuel de dépeçage. Preciado : « Soulignant le rôle clé que les technologies Internet jouent dans cette forme de relation sexuelle, Cheang a transformé le partenaire sexuel de MW X en un ordinateur et l’acte de tuer et de manger en un processus de désassemblage et de cyberdigestion. »

Les cinq autres crimes sexuels dépeignent un homme transsexuel accusé d’avoir eu des relations avec une femme sans lui révéler son statut de genre (film D X) ; une femme condamnée à 4 ans de prison pour avoir simulé une fellation sur Internet (film L X) ; une femme condamnée à perpétuité en 2013 pour avoir émasculé son mari et jeté son pénis à la poubelle (B X) ; un universitaire musulman arrêté pour agression sexuelle et viol en 2018 et maintenu 8 mois en détention préventive sans procès (inspiré de l’islamologue Tariq Ramadan, R X) ; et trois femmes enfermées dans la prison de haute sécurité de Harare pour avoir violé et collecté les spermes d’hommes pour les revendre (FSB X).

Photogramme de « Foucault X » © Shu Lea Cheang
Photogramme du film « L X » © Shu Lea Cheang

Angles morts dans le panoptique

La question de la masturbation en prison revient dans beaucoup des films proposés. Cheang : « Avec ces films ce dont nous voulions parler était ce que l’on appelle le plaisir. Quand on regarde les 10 vidéos, on se rend compte qu’il y a une sorte de fil, comme s’il y avait toujours un certain plaisir, dans toutes ces situations en prison. J’en avais parlé avec Paul : comment, dans un système de surveillance, dans une prison, trouve-t-on une issue de secours ? Lorsque Bentham a conçu le panoptique, j’ai remarqué qu’il avait conçu une petite faille, un angle mort invisible pour les gardiens. A quoi cela pouvait-il servir ? Pour moi cela devait être essentiellement pour la masturbation. J’y vois une approche humaniste et dans ma première proposition, je voulais avoir un espace à angle mort. Non pas que je voulais vraiment promouvoir la masturbation en particulier, mais plutôt comme un espace d’évasion. Mais après discussion, nous nous sommes décidés à concevoir une salle de contrôle. » Paul B. Preciado avait en particulier travaillé sur la salle de contrôle des caméras de la Playboy Mansion dans son livre Pornotopia, une source d’inspiration pour 3x3x6, mais Shu Lea Cheang n’a pas cherché à recréer une salle de contrôle pré-numérique, choisissant la forme d’un énorme cube pour habiter le complexe serveur gérant l’ensemble de l’exposition, correspondant plus véritablement à l’image du contrôle numérique contemporain. Elle décidait cependant de donner une inclinaison de 30° à ce cube, pour hacker son effet d’autorité et « donner l’impression de son effondrement possible, un peu comme s’il s’enfonçait progressivement dans la lagune de Venise ».

Le cube serveur de l’installation panoptique © Shu Lea Cheang

L’âge de la sousveillance

Dans la salle principale, les 10 personnages des films sont introduits au public sur 10 écrans verticaux selon une première séquence à laquelle vient s’ajouter une interface de reconnaissance faciale. Les projecteurs sont d’abord immobiles lorsque les 10 caractères sont présentés. Puis d’autres séquences s’engagent et la tour panoptique inversée des projecteurs se met à tourner, faisant sortir les images jusque là contenues dans les écrans.

Pour la séquence suivante, Cheang a connecté la tour de projection à un système de surveillance par caméra 3D qui scanne le corps du visiteur dans les escaliers menant à la salle et enregistre son image (mais floute les visages). Shu Lea Cheang s’était interrogée : « Si nous voulons montrer que nous vivons à l’ère de la surveillance, devons-nous seulement reproduire les mêmes actes ? De quelle manière pouvons-nous montrer qu’une nouvelle résistance est possible ? » Pour ce faire, elle a voulu jouer avec les logiciels de reconnaissance faciale et de mouvement et soumettre les captations à une interface de morphing de manière à les mélanger et métamorphoser avec des centaines d’autres pour le projeter ultérieurement sous la forme d’un hybride sur la même surface que les incarnations des prisonniers sexuels. « La manière de montrer une résistance possible au contrôle numérique est de hacker ses logiciels de reconnaissance pour les reprogrammer dans de nouvelles actions » explique Shu Lea Cheang. Pour Preciado, «  L’exposition utilise consciemment le morphing de genre et de race comme stratégie numérique queer pour briser la tradition des techniques d’identification coloniales et anthropométriques qui vont des photographies criminologiques d’Alphonse Bertillon du XIXe siècle à la reconnaissance faciale contemporaine de l’IA. » Et d’ajouter, « le système de surveillance est piraté par une guérilla anticoloniale, transféministe et décentralisée : les visages et les corps de ceux criminalisés par des régimes sexopolitiques sont mélangés et associés à l’image du visiteur afin de créer un univers visuel unique, où l’on est à la fois représenté mais aussi transformé collectivement. En connectant l’exposition à un réseau interne de caméras de surveillance 3D, mais également au flux ouvert de données en ligne extérieures, Cheang transforme le panoptique en une tour de sousveillance. »

Après la séquence des caméras locales, le dispositif s’ouvre en effet aux contributions à distance. « Nous avions conçu cette application de reconnaissance de mouvements et avons décidé de la mettre sur Android et IOS deux jours avant l’ouverture et d’inviter les gens à nous envoyer une image de danse filmée au smartphone, en hommage à Maedeh Hojabri ». La jeune fille iranienne de 18 ans avait été arrêtée en Iran en juillet 2018 et accusée d’avoir posté des vidéos d’elle-même en train de danser sur son compte Instagram. Hojabri s’est filmée dans sa chambre alors qu’elle dansait sur de la musique pop et rap sans porter de hijab. Pour la cyber-police de Téhéran, ce qui était puni par la loi n’était pas le fait de danser lui-même, mais plutôt de mettre en ligne ces « vidéos indécentes ». Quelques jours après l’arrestation de Hojabri, des dizaines de femmes iraniennes et non iraniennes ont envahi Internet avec des vidéos d’elle-même dansant en solidarité, avec le hashtag #dancingisnotacrime. De ce fait, l’application 3x3x6 permet aux gens de télécharger une vidéo d’une minute qui est ensuite retraitée sur 3 minutes. Cheang : « La première minute est donc votre vidéo de danse, et nous commençons à tracer votre mouvement grâce à l’application, et à partir de là, nous ne gardons que des lignes, et à partir de ces lignes, nous les transformons en avatar. » Paul B. Preciado fait remarquer qu’une « femme a déclaré qu’« elle préférerait aller en prison que d’être «emprisonnée» dans sa chambre à coucher », reconnaissant la continuité entre le régime pénitentiaire, les normes de genre qui englobent les femmes dans la sphère domestique et Internet. » Il n’y a pas meilleur exemple à l’argument de la prison numérique sans murs mise en avant par Cheang pour mieux souligner la nécessité de défendre nos libertés sexuelles et nos libertés numériques face au cyber-contrôle de la mal nommée « smart city ».

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Nous laisserons le mot de la fin à Paul B. Preciado :

« Si le terme français « sur-veillance » fait référence à la vue « d’en haut » de l’œil physique ou technique dans le système panoptique, le terme « sous-veillance » évoque le passage de l’architecture verticale et radiale de la prison à l’horizontalité et à la vulnérabilité de l’appareil numérique personnel. Bien que la miniaturisation et la numérisation des technologies de surveillance créent un régime d’observation dispersé, décentralisé et illimité, qui densifie le réseau de contrôle, il ouvre également la porte à la possibilité d’un mouvement de surveillance inversé, dans lequel les utilisateurs deviennent des agents surveillant l’œil du régime. Dans le complexe contemporain de panoptiques interdépendants et de milliards de smartphones personnels, il existe un pouvoir politique non seulement dans la position du dispositif de surveillance, mais également dans la capacité collective des utilisateurs à déclencher un mouvement stratégique de dissidence, de résistance, voire de rébellion. Pour cela, il faut d’abord pouvoir dévoiler les technologies que nous utilisons comme des appareils de contrôle et de résistance (au lieu de simples moyens de communication ou de divertissement), et deuxièmement, comprendre leur fonctionnement et ensuite oser intervenir dans leur système d’exploitation.

« En offrant aux visiteurs la possibilité d’utiliser des smartphones et des applications personnels différemment, en téléchargeant constamment des données des visiteurs et en les intégrant dans le flux d’images de l’exposition, Cheang étend 3x3x6 en dehors de son emplacement physique, brouillant les limites entre le musée et l’Internet, mais aussi entre artiste et visiteur, entre producteur et destinataire. Elle s’interroge également sur la liberté individuelle et l’intimité, l’agentivité collective et la participation. 3x3x6 nous montre que les ordinateurs et les smartphones sont des prisons miniatures portables et que les musées qui confinent, constituent et exposent nos identités sexuelles ne font que nous donner une impression d’indépendance et de vie privée. Dans le même temps, l’exposition nous invite à utiliser les deux sites pour des actions et des résistances possibles en temps de sur(sous)veillance cybernétique. »

Shu Lea Cheang, Paul B. Preciado et la directrice du Musée des Beaux Arts de Taipei le soir du vernissage du Pavillon Taïwan © Ewen Chardronnet

En savoir plus sur le Pavillon Taïwan de Shu Lea Cheang à la Biennale de Venise.

L’aventure tous azimuts du Porte Nef

Soleil de minuit et nuées de moustiques à Vorkouta, 2017. © Malo Lacroix

Récompensé d’une médaille de bronze à la Shenzhen Design Week 2019 en avril, le projet «Porte Nef» de Maxime Aumon est une aventure humaine surréaliste et même franchement dadaïste, mais c’est également une œuvre plurimédia qui fait appel à différents niveaux de compétences et d’esthétiques.

Maxence Grugier

Au-delà de la performance indéniable, Porte Nef est avant tout le fruit d’une pulsion. L’aboutissement pour son auteur d’une série d’actions motivées par la quête du geste poétique et politique. Sa philosophie ? L’échappée, l’autonomie, l’indépendance, la passion du « faire », une certaine idée du chamanisme aussi. A l’origine du projet, Maxime Aumon, architecte de formation, est habité depuis toujours d’une envie : celle de construire des dispositifs sans à priori artistique dans un désir enfantin d’aventure. Des structures encombrantes symboliques avec lesquelles il voyage, explorant des zones peu visitées du monde. Maxime est habité d’une vision, le personnage est un passionné. A ce titre, Porte Nef s’inscrit dans une démarche globale entamée il y a quelques années, qui emmena son principal protagoniste toujours plus à l’Est.

Rivière Oussa, Sibérie, 2017. © Malo Lacroix

Tout commence avec une traversée du Luxembourg sur échasses (« Ce duché de la finance, paradis fiscal dans lequel j’avais décidé de ne « jamais mettre les pieds » » explique l’intéressé en riant), la saga se poursuit avec l’élaboration d’un cheval sur roues en ex-Yougoslavie (et une traversée de ses différentes enclaves) et enfin celle d’un bison roulant en Biélorussie, qui se mut rapidement en aventure chamanique et magique (le bison étant un puissant symbole dans ces régions en guerre, ainsi qu’un signe de ralliement, à l’époque, pour les rebelles séparatistes ukrainiens).

« Celui qui voulait croire au Bison » © Maxime Aumon

Comme un avion sans aile

C’est donc cette pulsion qui poussera son auteur à traverser la toundra désolée de l’Oural polaire en 2017, en embarquant dans l’aventure un cousin par alliance, l’artiste visuel Malo Lacroix, deux amis d’enfance et quelques compagnons supplémentaires « pour aider ». Au total six garçons perdus dans l’Oural Polaire, trainant cette machine surréaliste qu’est le Porte Nef : un chariot de cinq mètres de long sur un mètre de large (sans compter les sacoches latérales) en forme de cockpit d’avion de la Première Guerre Mondiale (à l’époque où ces machines étaient principalement composées de toiles et de bois), assemblé à partir de tubes en aluminium, de tissus et de cadres de vélos recyclés.

Note de montage du « Porte Nef » © Maxime Aumon
Assemblage de l’avion sans ailes dans le garage de Danil, à Vorkouta. 2017. © Malo Lacroix

Avec cet engin, monté sur place, transporté en train de Moscou aux plaines de l’Oural, l’équipe voyagera pendant trois semaines de Vorkouta, ancien Goulag jusqu’à la ville pénitentiaire de Kharp (Oural polaire). Une marche de plus de 150 km dans le Nord Sibérien, où pousser, trainer, traverser des rivières en crue dans la lumière blanche infinie – et contre le vent de la toundra – devient le quotidien de six Occidentaux, esclaves d’une machine inutile mais belle, à la fois hypnotisés par leur environnement et totalement dépaysés (forcément). Encore une fois c’est le geste artistique qui prime ici, car la structure sert moins d’abri que de moyen de transport de matériel.

Porte Nef, bande-annonce du documentaire :

L’approche documentaire

Habitué à documenter ses actions, Maxime demande à Malo Lacroix de réaliser un documentaire qui raconte la saga du Porte Nef. Envisagé comme un élément parmi d’autres dans une démarche transmedia plus vaste, le film du Lyonnais retransmet avec force l’ambiance du voyage. L’exploration, les découvertes, les rencontres et les épreuves vécues par cette équipe de copains lâchée dans la nature, parfois au bord de l’épuisement, toujours émerveillés, souvent sonnés par le décalage des paysages et du climat.

Dernière route avant la toundra. 2017. © Maxime Aumon
Sur la seule piste qu’empruntent ceux qui s’aventurent dans la toundra. 2017. © Malo Lacroix
En Vezdekhod vers la ville abandonnée, Oural Polaire, 2017. Vezdekhod : véhicule tout terrain qui sillonne le Grand Nord russe. © Malo Lacroix
Monts de l’Oural Polaire. Entre Europe et Asie. 2017. © Maxime Aumon
Instant d’envol. 2017. © Maxime Aumon

L’Oural polaire est rude, l’environnement sans état d’âme pour l’être humain. En témoigne les nombreux bâtiments abandonnés, les villes fantômes, les machines pourrissantes dans la toundra. La vie aussi, est une épreuve, et seuls les nomades de la région, habitants des chums (sorte de tipis ou de yourtes) semblent aptes à s’adapter à la rigueur du territoire. Pour autant, ces images soulignent aussi l’universalité du projet, la philosophie de son concepteur (l’idée selon laquelle on doit « se jeter dans l’aventure ») ainsi qu’un certain esprit potache (cette performance a valeur de manifeste mais elle n’en a pas la prétention) et une dimension chamanique : la structure étant finalement abandonnée dans la toundra, objet ovni, métaphore de l’absurdité humaine, rejoignant les ruines industrielles qui rouillent paisiblement dans le paysage sauvage (un destin que partagent les autres dispositifs mécaniques de Maxime, partisan de l’enfouissement, du secret et admirateur du pouvoir de résilience de la nature).

Abandon de l’avion sans ailes dans la Taïga boréale, Latitude 66°89’17’’ N, Longitude 65°72’15’’ E. © Malo Lacroix

Entre Live AV et objet littéraire

L’aventure, qui se vit comme une narration, fera également l’objet d’un livre (accompagné de photos) actuellement en rédaction par Maxime Aumon. L’idée étant qu’un voyage, aussi absurde et irréel que celui du Porte Nef (ou du cheval et du bison) est avant tout une histoire. Depuis le début, son concepteur mise sur la volonté de mettre l’aventure en mots : « donner une portance aux ailes et une portée aux mots » dit-il. L’idée du live audiovisuel viendra de là. C’est Malo Lacroix, habitué de cette discipline, collaborateur des compositeurs de musiques électronique Murcof (Mexique) et Monolake (Allemagne), artiste composant des visuels pour les musées, les défilés de mode ou les festivals, qui aura l’idée d’utiliser la « matière image » du documentaire pour en faire un nouveau récit. Pour cela, les deux amis invitent Laurent Prot, musicien, compositeur et producteur connu sous l’alias In Aeternam Vale, afin d’habiller de sa « matière sonore », majoritairement ambient, les images et les textes du duo. Une bande son qui évoque l’environnement sonore unique de l’Oural, où le compositeur s’attache à traduire les caractéristiques d’un espace à la fois fragile et agressif, où les vibrations du vent à travers les toiles de « la nef » sont partie prenante de l’histoire. L’objet transmedia d’environ une heure porté par le label Visuaal, voit In Aeternam Vale et Malo Lacroix recréer sur scène et en direct la trame narrative et sonore de l’aventure du Porte Nef, accompagnés des textes de Maxime.

Extraits du live AV transmedia Porte Nef, joué au terme d’une résidence à l’ASCA Beauvais en mars 2019 :

Enfin, le projet se voit également récompensé en avril de la médaille de bronze de la Shenzhen Design Week, complétant ainsi la reconnaissance d’une démarche globale réellement inédite et passionnante.

Toundra. 2017. © Malo Lacroix

En savoir plus sur le Porte Nef.

Traincamp, ou pourquoi se rendre en train à Green Culture au Monténégro

Green Culture festival 2014 © Green Culture

Alors qu’artistes et makers se rendent en Europe cet été pour des workshops et des camps, de plus en plus de gens optent pour le train. Makery a échangé avec les organisateurs du Traincamp qui se rend cette semaine en train au festival Green Culture au Monténégro.

Rob La Frenais

Cette semaine, les voyageurs qui se rendent au huitième festival Green Culture au Monténégro peuvent embarquer dans un « Train Camp » organisé par Vesna Sokolovska et Susie Ambrose, en collaboration avec le Turn Club. Parti lundi de Londres, le train a fait escale à Amsterdam ce 4 juin, et passera par Bruxelles, Munich, Vienne, Budapest et Belgrade, en proposant diverses activités et événements sur le trajet, ateliers, discussions et groupes de réflexion, avant d’atteindre le Monténégro samedi 8 juin.

Vesna Sokolovska explique les raisons de ce Train Camp : « L’objectif premier est de réduire les émissions de CO2 de Green Culture, mais depuis le début je développe aussi l’idée de voyager en train pour Green Culture afin de s’engager de manière proactive dans une pause technologique et de promouvoir la lenteur au long du voyage. Il s’agit de favoriser les interactions humaines selon cette vision partagée… Nous sommes la dimension pratique et créative du mouvement no-fly. Pas simplement à titre de protestation, mais surtout afin de prendre conscience de la beauté, de la sérénité et de la qualité des échanges que peuvent offrir les déplacements plus lents. »

Embarquement à Amsterdam @ Green Culture
A bord du Train Camp ce mardi 4 juin 2019 @ Turn Club

Merlijn du Turn Club ajoute : « Quand on m’a demandé de me produire l’année dernière lors du rassemblement Green Culture World, j’avais un programme serré avec d’autres concerts et je me préparais donc à réserver des vols. Puis, d’un coup, j’ai ressenti une confusion émotionnelle et un sentiment de culpabilité. Cela me semblait vraiment ridicule de prendre l’avion pour aller proposer un manifeste artistique contre le changement climatique. J’ai décidé d’annuler ma performance et de changer la façon dont j’organise ma vie. Et pour que cela ait un impact, j’ai créé toute une campagne pour en emmener d’autres avec moi et pour faire en sorte que les voyages en train internationaux soient envisagés. » Un autre participant d’Amsterdam, Peter De Koning de Embassy of the Earth, fera même le chemin du retour à vélo, 3000 km depuis le Monténégro en tractant un chariot avec une batterie.

Au Green Culture en 2017 @ Green Culture

Des artistes et des trains

Ce n’est pas la première fois que des trains sont affrétés pour des objectifs créatifs. On dénombre de nombreuses expériences artistiques en train. De 1971 à 2008, Artrain USA a organisé une exposition itinérante tractée par un moteur vintage Union Pacific et gère toujours un programme à ce jour. Plus récemment, en 2013, l’artiste de renommée internationale Doug Aitken a organisé Station To Station, un voyage en train de 4 000 kilomètres à travers les États-Unis avec des artistes et musiciens de renommée internationale tels que Olafur Eliasson, William Eggleston, Patti Smith et Beck, qui a donné un long métrage et un projet artistique avec 30 films d’artistes de 15 secondes.

En Ukraine en avril dernier, un train artistique a conduit les visiteurs au « GogolFest » de Marioupol. Le Ministre Ukrainien des Infrastructures, Volodymyr Omelyan déclarait à cette occasion « Les gens viendront à la gare de Kyivska pour rendre hommage au grand écrivain ukrainien Mykola Gogol, et se rendront à Marioupol dans un train artistique. Je suis convaincu que ce train artistique voyagera dans toute l’Ukraine, donnant ainsi une unité au pays et le signal que le code pour l’Ukraine est une histoire longue et majestueuse, qui durera des milliers d’années et que rien n’arrêtera ». Marioupol est la ville où l’Armée Russe s’est arrêtée dans sa menace d’invasion de l’Ukraine.

Le GogolFest Art Train (en anglais) :

Juha Huuskonen, directeur de l’Helsinki International Art Program, l’un des programmes de résidence pour artistes le plus important et le mieux doté en Europe, a récemment écrit son « voyage lent » entre Helsinki et Venise et un certain nombre d’artistes bloguent de plus en plus sur leurs longs voyages vers des résidences HIAP. En Finlande également, le train longue distance qui emmène les participants à Bio-Arctica devient une expérience sociable de voyage lent. Au Royaume-Uni, le Guardian a récemment publié cet article sur le no-fly movement, tandis que The Man in Seat 61 est devenu un site Web populaire et polyvalent pour la négociation des itinéraires transeuropéens. Alors que les partis écologistes ont acquis plus de poids lors des dernières élections européennes et que les vols courte distance sont de plus en plus contestés, la recherche d’alternatives à l’avion alimente de nombreuses discussions.

No-fly

En 2010, l’organisation d’arts numériques britannique Furtherfield décidait de mettre en pratique le manifeste RAF (Reduce Arts Flights, réduire les vols pour l’art) de Gustav Metzger et organisait un voyage en train de Londres à Istanbul en passant par Ars Electronica à Linz, bloguant sur le chemin et s’engageant à ne pas prendre d’avion pour des raisons artistiques pendant un an. J’avais accompagné Furtherfield lors de cette randonnée pour prendre part à l’« Interdependence Day » à Istanbul, bien que je dois admettre que j’avais pris l’avion pour rentrer.

Neuf ans plus tard, et suite au rapport « Réchauffement climatique de 1,5°C » du GIEC alertant sur l’urgence climatique à venir, plusieurs campagnes ont vu le jour en faveur d’engagements à ne pas prendre l’avion, dont une initiée par des climatologues (qui se rendent régulièrement à de nombreuses conférences internationales) appelée No Fly Climate Sci. Mais cette question ne suscite pas l’unanimité. Dans un article récent publié sur Medium, il a été avancé que l’aviation ne représentait que 3% des émissions de carbone (chiffre souvent cité par l’industrie de l’aviation) et qu’il serait peut-être préférable de développer des stratégies aéronautiques plus propres telles que les avions électriques. L’article soutient que la mobilité des personnes dans les pays du Sud global repose sur le vol en avion et que le mouvement no-fly peut être considéré comme une activité de privilégiés de l’hémisphère nord. Cependant, l’Aviation Environment Federation britannique conteste le chiffre de 3%, estimant que « les émissions des avions sont plus nocives que celles émises par d’autres sources. En effet, les gaz à effet de serre autres que le CO2 émis par les avions ont essentiellement un impact dans la haute atmosphère. »

Un train pour les Balkans

Pourquoi Traincamp se rend dans les Balkans ? Sokolovska argumente que « Le Train Camp Green Culture constitue le premier pas vers la sensibilisation au voyage en train dans la région des Balkans où le voyage en avion est perçu comme une forme de luxe que les gens adoptent pour affirmer un style de vie. Notre objectif est de changer cette perception et de donner au voyage en train une touche plus audacieuse, d’en faire une expérience attrayante de type « Orient Express », qui ramènera l’enthousiasme du voyage exotique dans des contrées lointaines… tout en rencontrant et en échangeant des idées avec une communauté diversifiée de voyageurs aux vues similaires. »

Atelier dans une Treehouse du festival Green Culture @ Green Culture
Atelier permaculture au Green Culture festival @ Green Culture
Au bout du voyage du Train Camp, les soirées du festival Green Culture @ Green Culture

Il y a également des raisons politiques au rassemblement Green Culture au Monténégro. « L’une des conditions pour permettre au Monténégro d’entamer un processus d’adhésion à l’UE a été l’ouverture de négociations en décembre 2018 sur le chapitre 27 qui traite de l’adaptation au changement climatique. C’est l’un des principaux facteurs qui a amené le Monténégro à se pencher sur ces questions brûlantes et urgentes auxquels nous sommes confrontés en tant qu’humanité. A Green Culture, d’autre part, nous travaillons sans relâche pour démontrer la nécessité de relier différents secteurs et de faire front commun pour obtenir des résultats tangibles et trouver des solutions concrètes qui nous permettrons de faire face au plus grand défi auquel notre civilisation est confrontée. Nous sommes conscients du pouvoir et de l’importante résonance que peut avoir le secteur de la création. C’est l’un des secteurs les plus influents de la société qui peut amplifier, sensibiliser, faire passer le mot et convaincre les gens de s’engager ensemble pour une action mondiale significative. »

Rob La Frenais anime le groupe Facebook « Future of Transportation ».

Plus d’informations sur le Train Camp de Green Culture.

La carte des makers camps de l’été

La randonnée traditionnelle des PIF campers vers les lacs de Krnska en Slovénie en 2018 © Katja Goljat

Que Faire cet été en Europe? Makery vous propose une sélection de summer camps&schools de l’été 2019. Retrouvez de multiples communautés créatives sur plus d’une trentaine de destinations allant du sud Portugal à la Laponie subarctique, du Finistère à Istanbul.

la rédaction

Vous organisez un camp et n’êtes pas sur la carte? Faites-le nous savoir (en commentaire ci-dessous ou par mail à contact@makery.info)!